De Pequeños Luceros a Grandes Estrellas
Las estrellas surgen en ocasiones y en generaciones muy especiales, nos marcan por su talento, su carisma, nos van llevando a lo largo de los años y, en ocasiones, se convierten en parte de nuestra vida, de nuestro entorno. Los sentimos como personas familiares y son ya parte de nosotros.
Haciendo un pequeño recuento de las últimas generaciones, hay nombres que comienzan a brillar con luz propia, unos más que otros pero siempre, siempre en una constante de luz que los mantiene separados de los demás. Brillan con luz propia. Son nuestras estrellas, nuestros referentes y ejemplos.
Iniciemos este viaje:
Haciendo un pequeño recuento de las últimas generaciones, hay nombres que comienzan a brillar con luz propia, unos más que otros pero siempre, siempre en una constante de luz que los mantiene separados de los demás. Brillan con luz propia. Son nuestras estrellas, nuestros referentes y ejemplos.
Iniciemos este viaje:
Ximena Ivette Ramos Viezcas
Ximena Iveth Ramos Viezcas nació el 22 de mayo de 2007 en Guanacevi, Durango, México.
Es la Princesa más pequeña del matrimonio conformado por el señor Jesús Ramos y la señora Brenda Viezcas; tiene tres hermanas mayores, igual de bellas, agradables y talentosas, Dayane, Johana y Joselin.
En el último trimestre del 2013 y por iniciativa de Televisión Azteca se dio luz verde al ambicioso proyecto “La Academia Kids Lala”, una apuesta por el talento infantil donde el principal objetivo es la preparación integral de los pequeños en todas las áreas, tanto académicas, formación artística y valores familiares. Aquí, y después de un arduo trabajo de selección, llegaron 20 pequeños de entre los 6 y los 14 años, 10 hermosas damitas y 10 apuestos caballeritos.
Desde el filtro final, una luz resplandeció sobre los demás y al pisar el escenario y cantar los jueces (Lolita Cortés, Alicia Villareal y Luis Coronel) quedaron maravillados por el talento, la alegría, la actitud, la voz, el dominio del escenario y el ángel de una hermosa Princesita de tan solo siete añitos, procedente de Guanacevi, Durango: Ximena Iveth Ramos Viezcas. Por supuesto, los tres botones verdes aparecieron de inmediato y su permanencia en la Academia quedó asegurada.
Concierto tras concierto la preparación, la madurez para su edad, su voz y su desempeño artístico, su profesionalismo, el escuchar y hacer caso a sus maestros y a los jueces cuando la aconsejaban, el convivir con sus compañeros, su alegría desbordante y su naturalidad se fueron ganando el corazón de la audiencia. El director de la academia, Kiko Campos expresó que “Ximena tiene un ángel enorme que no cabe en el escenario”, ella es una alumna que sabe aprovechar los consejos de sus maestros (de acuerdo a ellos poner a Ximena en un escenario “es como darle dulces a un niño”), aprende, pone en práctica los consejos que le dan los jurados, se emociona con cada luz verde y pone más del 1000% para mantenerse a pesar de los reveses.
Y así, por su talento, su dedicación, su disciplina y ese ángel superó 6 nominaciones hasta llegar a la gran final.
Dentro de su trayectoria en la Academia interpretó las siguientes canciones:
La Bikina (en la versión de Luis Miguel, misma que le valió una merecida ovación del público), el 7 de septiembre; Tristes recuerdos (famosa en la voz de Lucero), el 14 de septiembre; Que ganas de no verte nunca más (gran éxito de Lupita D’Alessio, una interpretación hermosa que comenzaba a despertar a una pequeña leoncita), el 21 de septiembre; Ángel (éxito de Belinda, y aunque fue nominada, su ángel hizo de esta interpretación algo mágico que inundó el escenario, y así lo admitieron los jueces), el 28 de septiembre; Olvídame y pega la vuelta (éxito de Pimpinela que tuvo que cantar con Esaú; por supuesto, ella interpretó de manera impecable, mientras que él fue evidentemente nominado), el 5 de octubre; Colgando en tus manos (canción icónica de Carlos Baute y Martha Sánchez, otra vez con Esaú, y nuevamente, ella espléndida y él…cantó), el 12 de octubre; Basta ya (de la diva de la banda Jenny Rivera, y con una interpretación tal que el día del homenaje a la cantante, repitió su interpretación con un éxito aún mayor), el 19 de octubre; Mudanzas (el mayor éxito de Lupita D’Alessio y que con su interpretación levantó a todos los jueces y llevó a la misma Lolita Cortés a subir al escenario, felicitarla y cantar con ella), el 26 de octubre; La llorona (éxito en la voz de Chabela Vargas, y con una interpretación tan llena de emoción, ternura, sentimiento y magia que, simplemente, dejo a todos con un aplauso hermoso para este angelito), el 2 de noviembre; Él me mintió (gran éxito en la voz de Amanda Miguel que al interpretarlo provocó que los jueces se levantaran a aplaudirla junto con sus maestros y el público y le ganó los elogios de todos los jueces, y por principio de cuentas, de Lola Cortés), el 9 de noviembre; Muriendo lento (éxito de ABBA, Timbiriche, Belinda y Moderatto, ahora en su voz y en una faceta más rockera, pero conservando su ternura, inocencia, carisma y dominio escénico), el 16 de noviembre; Carcacha (éxito que hiciera grande a Selena y que le valió nuevamente la felicitación de todos los jurados), el 23 de noviembre; No te pido flores (éxito de Fanny Lu que lució con una hermosa coreografía) y Me voy (éxito del dúo mexicano Jesse & Joy en una linda interpretación acústica para salvar su lugar en la competencia), el 30 de noviembre; Ya te olvidé (uno de los más grandes éxitos de Yuridia y que dejo boquiabierta a Lolita Cortés y a los demás jurados por su fuerza interpretativa, su carisma, su desenvolvimiento y su magia arriba del escenario, y sin respaldo de coreografía), el 7 de diciembre; Así no te amará jamás (canción icónica de Amanda Miguel que supo interpretar muy bien a pesar del arreglo de la misma) y Maldita primavera (uno de los mayores éxitos de Yuri que opacó las versiones anteriores por su voz, su fuerza, su interpretación y su increíble carisma), el 14 de diciembre, y en el concierto final llenó de magia el escenario con Me muero por besarte (una de las canciones más representativas de La Quinta Estación), el 21 de diciembre.
Su nueva etapa inició como una hermosa conductora en la emisión “La Hora de los Kids” , pero con el nombre de "El Recreo"donde, además de ser la consejera (de modas, consejos amorosos, para fiestas, etcétera), cantar, divertirse, seguir aprendiendo y consolidar su carrera, comenzó a preparar su nuevo proyecto que hoy se confirma como una realidad: la grabación de su telenovela titulada "Así en el barrio como en el cielo", que podemos seguir noche a noche a las 8.
Ximena Iveth Ramos Viezcas nació el 22 de mayo de 2007 en Guanacevi, Durango, México.
Es la Princesa más pequeña del matrimonio conformado por el señor Jesús Ramos y la señora Brenda Viezcas; tiene tres hermanas mayores, igual de bellas, agradables y talentosas, Dayane, Johana y Joselin.
En el último trimestre del 2013 y por iniciativa de Televisión Azteca se dio luz verde al ambicioso proyecto “La Academia Kids Lala”, una apuesta por el talento infantil donde el principal objetivo es la preparación integral de los pequeños en todas las áreas, tanto académicas, formación artística y valores familiares. Aquí, y después de un arduo trabajo de selección, llegaron 20 pequeños de entre los 6 y los 14 años, 10 hermosas damitas y 10 apuestos caballeritos.
Desde el filtro final, una luz resplandeció sobre los demás y al pisar el escenario y cantar los jueces (Lolita Cortés, Alicia Villareal y Luis Coronel) quedaron maravillados por el talento, la alegría, la actitud, la voz, el dominio del escenario y el ángel de una hermosa Princesita de tan solo siete añitos, procedente de Guanacevi, Durango: Ximena Iveth Ramos Viezcas. Por supuesto, los tres botones verdes aparecieron de inmediato y su permanencia en la Academia quedó asegurada.
Concierto tras concierto la preparación, la madurez para su edad, su voz y su desempeño artístico, su profesionalismo, el escuchar y hacer caso a sus maestros y a los jueces cuando la aconsejaban, el convivir con sus compañeros, su alegría desbordante y su naturalidad se fueron ganando el corazón de la audiencia. El director de la academia, Kiko Campos expresó que “Ximena tiene un ángel enorme que no cabe en el escenario”, ella es una alumna que sabe aprovechar los consejos de sus maestros (de acuerdo a ellos poner a Ximena en un escenario “es como darle dulces a un niño”), aprende, pone en práctica los consejos que le dan los jurados, se emociona con cada luz verde y pone más del 1000% para mantenerse a pesar de los reveses.
Y así, por su talento, su dedicación, su disciplina y ese ángel superó 6 nominaciones hasta llegar a la gran final.
Dentro de su trayectoria en la Academia interpretó las siguientes canciones:
La Bikina (en la versión de Luis Miguel, misma que le valió una merecida ovación del público), el 7 de septiembre; Tristes recuerdos (famosa en la voz de Lucero), el 14 de septiembre; Que ganas de no verte nunca más (gran éxito de Lupita D’Alessio, una interpretación hermosa que comenzaba a despertar a una pequeña leoncita), el 21 de septiembre; Ángel (éxito de Belinda, y aunque fue nominada, su ángel hizo de esta interpretación algo mágico que inundó el escenario, y así lo admitieron los jueces), el 28 de septiembre; Olvídame y pega la vuelta (éxito de Pimpinela que tuvo que cantar con Esaú; por supuesto, ella interpretó de manera impecable, mientras que él fue evidentemente nominado), el 5 de octubre; Colgando en tus manos (canción icónica de Carlos Baute y Martha Sánchez, otra vez con Esaú, y nuevamente, ella espléndida y él…cantó), el 12 de octubre; Basta ya (de la diva de la banda Jenny Rivera, y con una interpretación tal que el día del homenaje a la cantante, repitió su interpretación con un éxito aún mayor), el 19 de octubre; Mudanzas (el mayor éxito de Lupita D’Alessio y que con su interpretación levantó a todos los jueces y llevó a la misma Lolita Cortés a subir al escenario, felicitarla y cantar con ella), el 26 de octubre; La llorona (éxito en la voz de Chabela Vargas, y con una interpretación tan llena de emoción, ternura, sentimiento y magia que, simplemente, dejo a todos con un aplauso hermoso para este angelito), el 2 de noviembre; Él me mintió (gran éxito en la voz de Amanda Miguel que al interpretarlo provocó que los jueces se levantaran a aplaudirla junto con sus maestros y el público y le ganó los elogios de todos los jueces, y por principio de cuentas, de Lola Cortés), el 9 de noviembre; Muriendo lento (éxito de ABBA, Timbiriche, Belinda y Moderatto, ahora en su voz y en una faceta más rockera, pero conservando su ternura, inocencia, carisma y dominio escénico), el 16 de noviembre; Carcacha (éxito que hiciera grande a Selena y que le valió nuevamente la felicitación de todos los jurados), el 23 de noviembre; No te pido flores (éxito de Fanny Lu que lució con una hermosa coreografía) y Me voy (éxito del dúo mexicano Jesse & Joy en una linda interpretación acústica para salvar su lugar en la competencia), el 30 de noviembre; Ya te olvidé (uno de los más grandes éxitos de Yuridia y que dejo boquiabierta a Lolita Cortés y a los demás jurados por su fuerza interpretativa, su carisma, su desenvolvimiento y su magia arriba del escenario, y sin respaldo de coreografía), el 7 de diciembre; Así no te amará jamás (canción icónica de Amanda Miguel que supo interpretar muy bien a pesar del arreglo de la misma) y Maldita primavera (uno de los mayores éxitos de Yuri que opacó las versiones anteriores por su voz, su fuerza, su interpretación y su increíble carisma), el 14 de diciembre, y en el concierto final llenó de magia el escenario con Me muero por besarte (una de las canciones más representativas de La Quinta Estación), el 21 de diciembre.
Su nueva etapa inició como una hermosa conductora en la emisión “La Hora de los Kids” , pero con el nombre de "El Recreo"donde, además de ser la consejera (de modas, consejos amorosos, para fiestas, etcétera), cantar, divertirse, seguir aprendiendo y consolidar su carrera, comenzó a preparar su nuevo proyecto que hoy se confirma como una realidad: la grabación de su telenovela titulada "Así en el barrio como en el cielo", que podemos seguir noche a noche a las 8.
Natalie Portman
Natalie Hershlag, nacida el 9 de junio de 1981 en Jerusalén, Israel, conocida artísticamente como Natalie Portman, es una actriz que brilla con una luz impresionante.
Su padre, Avner Hershlag, es un médico especialista en fertilidad, y su madre, Shelley Hershlag, es un ama de casa estadounidense que trabaja como su agente artística.
A los diez años participó en la audición del musical "¡Ruthless!", el cual trata sobre una niña que comete un asesinato con el fin de obtener el papel protagónico en una obra de teatro escolar. Tras la audición fue seleccionada como actriz sustituta junto a la cantante Britney Spears para el papel de Tina Denmark, el cual fue interpretado por Laura Bell Bundy. Su debut cinematográfico fue a los 13 años en "El Perfecto Asesino", película de Luc Besson estrenada en 1994. Sus padres obligaron a suprimir una escena de esa película en la que debía aparecer desnuda y a rectificar el guion en los pasajes en que la niña se mostraba fascinada por la violencia. Rodó sus escenas durante las vacaciones de verano de 1993. Esta exigencia ha mantenido en posteriores películas, lo que le permitió culminar su carrera de psicología.
En los años siguientes Portman intervino en "Beautiful Girls" (1995), de Ted Demme, en Heat (1995), en la que actuó con Al Pacino; en "Mars Attack" (1996), de Tim Burton, protagonizada por Jack Nicholson y Glenn Close, y en "Todos dicen Te Amo! (1996), de Woody Allen. Esta última resultó ser una experiencia dura para una actriz juvenil, ya que Allen prefiere no dar instrucciones precisas a sus actores y obtener registros de improvisación.
En 1996 tuvo que abandonar su intervención en "Romeo" y Julieta, de Baz Luhrmann, debido a la diferencia de edad entre ella y Leonardo DiCaprio. Por otra parte, rechazó ofertas de trabajo en "Lolita" (1997), de Adrian Lyne, debido a su alto contenido sexual, y en "La tormenta de hielo" (1997), de Ang Lee, debido a que su personaje era demasiado siniestro. En "A cualquier otro lugar" (1999), de Wayne Wang, también obligó a eliminar las escenas en las que debía aparecer desnuda. Los productores quisieron sustituirla, pero Susan Sarandon, protagonista de la película, se negó a ello. Portman fue nominada a un Globo de Oro como mejor actriz de reparto, que se llevó Angelina Jolie.
En 1997 dio vida a la niña Ana Frank en la adaptación teatral de "El diario de Ana Frank", que se montó sobre los escenarios de Broadway.
A los 18 años se independizó de su familia y de sus asesores. "La fuerza del amor" (1999), de Matt Williams, fue el primer trabajo que realizó sin sus padres y el primero en que hizo una escena de amor. Interpretó también por primera vez el papel de madre. Fue criticada por su fallido intento de imitar un acento sureño.
Portman actuó en los tres últimos episodios de "Star Wars", de George Lucas. Fue contratada en 1997 para estas tres películas. Curiosamente, no había visto ninguno de las anteriores y tardó en aceptar. Rodó el primer episodio a los 16 años durante el verano de 1997; el segundo, a los 19 años, durante el verano del 2000 en Australia; Túnez, España e Italia y marzo del 2001 en Londres, y el tercero a los 22 años en los estudios de Fox en Australia desde el 30 de junio hasta septiembre de 2003. Su papel en esta nueva trilogía fue el de la reina y después senadora Padmé Amidala, esposa (secreta) de Anakin Skywalker y madre de Luke y Leia.
En 2003, inmersa en la finalización de sus estudios superiores de psicología, participa en "Cold Mountain", de Anthony Minghella, con un pequeño papel de mujer abandonada con un hijo pequeño.
Pero tenía que llegar 2004 para que Portman lanzase su carrera definitivamente hacia papeles más serios y adultos. En el verano llegó "Algo en común", un inesperado éxito de público y crítica en Estados Unidos, con la que demostró que podía participar en películas independientes. Aunque tendría que esperar a finales de año, con el estreno de "Closer" de Mike Nichols, para su confirmación como estrella y gran actriz. Gracias a esta película en que realiza escenas de una bailarina nudista con escenas de alta sugestividad sexual, consigue un Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria por su papel de Alice. No sería ésta la última buena noticia, ya que también fue nominada a los Óscar por este mismo papel en la categoría de Actriz Secundaria, aunque esta vez no se llevaría la estatuilla.
En el 2005 apareció en la película independiente "Free Zone" de Amos Gitai y en la superproducción "V de Venganza" de James McTeigue, en donde interpretó a Evey Hammond. Para la película Natalie se rapó totalmente la cabeza.
En 2006 graba en España "Los fantasmas de Goya", de Miloš Forman, junto a Javier Bardem y Stellan Skarsgard, interpretando a la musa del pintor Goya. Los escenarios son variados, destacando los exteriores rodados en el parque de El Retiro de Madrid, así como en el palacio del Infante don Luis (Boadilla del Monte).
En el 2007 trabajó en la primera película con producción norteamericana del aclamado director asiático Wong Kar Wai, creador del film 2046 (ganador del premio a la mejor película europea). Se trató de "My Blueberry Nights", que incluyó a un enorme reparto: además de la propia Natalie Portman, la ganadora del Óscar Rachel Weisz (El jardinero fiel), Jude Law (Closer), Ed Harris (Las horas) y la sorpresa del reparto: la cantante Norah Jones, quien ya había participado representándose a sí misma.
A continuación rodó la película del debutante Justin Chadwick que lleva por título "Las hermanas Bolena", acerca de las hermanas Ana y María Bolena, las cuales se enfrentaron por el amor del rey Enrique VIII. El gran aliciente del filme es que las hermanas fueron interpretadas por Natalie Portman y Scarlett Johansson, respectivamente. Enrique VIII fue interpretado por Eric Bana. Tras haber rechazado anteriormente papeles con escenas de desnudo, en el año 2007 ha realizado un corto de 12 minutos, "Hotel Chevalier", dirigido por Wes Anderson, en el que aparece totalmente desnuda. También debutó como directora con el corto-comedia "Eve" en el Mostra de Venecia en el 2008.
En 2008, participó en la serie documental de la cadena de televisión Animal Planet titulada "Gorilas de Ruanda" donde, junto con especialistas, veterinarios y exploradores, viajó a dicho país para estudiar la situación ecológica y ambiental de dichos animales, en alerta por su vulnerabilidad (en vías de llegar al peligro de extinción). Participó también en las películas "París, te amo" y "Nueva York, te amo". En esta última actuó en uno de los segmentos y dirigió otro.
La actriz presentó en el Festival de Venecia 2010 la película "Cisne Negro" de Darren Aronofsky, drama ambientado en el mundo del ballet, arte que Portman había practicado en la niñez y que retomó para el filme. Por su actuación obtuvo un Globo de Oro, un premio SAG y además, el Óscar como Mejor Actriz por su interpretación en dicho filme. Este triunfo se vio envuelto en cierta polémica cuando Sarah Lane, la bailarina que ejerció como doble de cuerpo de Portman, restó importancia al trabajo de la actriz afirmando que tan sólo el 5% de las escenas de baile eran de Natalie: «es imposible que en un año se aprenda lo que yo hice durante veintiuno». El director Aronofsky replicó: «Hay 139 tomas de baile en la película. 111 son solo de Natalie Portman. 28 son su doble de baile Sarah Lane. Si haces un cálculo, el 80% es Natalie Portman». El director también indicó que en contadas ocasiones las escenas que se grabaron con Lane duran más de un segundo y que sólo hay dos escenas largas donde se tuvo que reemplazar su rostro debido a la complejidad de la rutina. Aun así dijo que fijándose sólo en la duración de la cinta «más del 90% del tiempo sería Natalie Portman».
Natalie Portman obtuvo el personaje de Jane Foster en la película "Thor". Gemma Arterton había sido considerada para el papel pero al final Portman lo consigió.
Natalie Hershlag, nacida el 9 de junio de 1981 en Jerusalén, Israel, conocida artísticamente como Natalie Portman, es una actriz que brilla con una luz impresionante.
Su padre, Avner Hershlag, es un médico especialista en fertilidad, y su madre, Shelley Hershlag, es un ama de casa estadounidense que trabaja como su agente artística.
A los diez años participó en la audición del musical "¡Ruthless!", el cual trata sobre una niña que comete un asesinato con el fin de obtener el papel protagónico en una obra de teatro escolar. Tras la audición fue seleccionada como actriz sustituta junto a la cantante Britney Spears para el papel de Tina Denmark, el cual fue interpretado por Laura Bell Bundy. Su debut cinematográfico fue a los 13 años en "El Perfecto Asesino", película de Luc Besson estrenada en 1994. Sus padres obligaron a suprimir una escena de esa película en la que debía aparecer desnuda y a rectificar el guion en los pasajes en que la niña se mostraba fascinada por la violencia. Rodó sus escenas durante las vacaciones de verano de 1993. Esta exigencia ha mantenido en posteriores películas, lo que le permitió culminar su carrera de psicología.
En los años siguientes Portman intervino en "Beautiful Girls" (1995), de Ted Demme, en Heat (1995), en la que actuó con Al Pacino; en "Mars Attack" (1996), de Tim Burton, protagonizada por Jack Nicholson y Glenn Close, y en "Todos dicen Te Amo! (1996), de Woody Allen. Esta última resultó ser una experiencia dura para una actriz juvenil, ya que Allen prefiere no dar instrucciones precisas a sus actores y obtener registros de improvisación.
En 1996 tuvo que abandonar su intervención en "Romeo" y Julieta, de Baz Luhrmann, debido a la diferencia de edad entre ella y Leonardo DiCaprio. Por otra parte, rechazó ofertas de trabajo en "Lolita" (1997), de Adrian Lyne, debido a su alto contenido sexual, y en "La tormenta de hielo" (1997), de Ang Lee, debido a que su personaje era demasiado siniestro. En "A cualquier otro lugar" (1999), de Wayne Wang, también obligó a eliminar las escenas en las que debía aparecer desnuda. Los productores quisieron sustituirla, pero Susan Sarandon, protagonista de la película, se negó a ello. Portman fue nominada a un Globo de Oro como mejor actriz de reparto, que se llevó Angelina Jolie.
En 1997 dio vida a la niña Ana Frank en la adaptación teatral de "El diario de Ana Frank", que se montó sobre los escenarios de Broadway.
A los 18 años se independizó de su familia y de sus asesores. "La fuerza del amor" (1999), de Matt Williams, fue el primer trabajo que realizó sin sus padres y el primero en que hizo una escena de amor. Interpretó también por primera vez el papel de madre. Fue criticada por su fallido intento de imitar un acento sureño.
Portman actuó en los tres últimos episodios de "Star Wars", de George Lucas. Fue contratada en 1997 para estas tres películas. Curiosamente, no había visto ninguno de las anteriores y tardó en aceptar. Rodó el primer episodio a los 16 años durante el verano de 1997; el segundo, a los 19 años, durante el verano del 2000 en Australia; Túnez, España e Italia y marzo del 2001 en Londres, y el tercero a los 22 años en los estudios de Fox en Australia desde el 30 de junio hasta septiembre de 2003. Su papel en esta nueva trilogía fue el de la reina y después senadora Padmé Amidala, esposa (secreta) de Anakin Skywalker y madre de Luke y Leia.
En 2003, inmersa en la finalización de sus estudios superiores de psicología, participa en "Cold Mountain", de Anthony Minghella, con un pequeño papel de mujer abandonada con un hijo pequeño.
Pero tenía que llegar 2004 para que Portman lanzase su carrera definitivamente hacia papeles más serios y adultos. En el verano llegó "Algo en común", un inesperado éxito de público y crítica en Estados Unidos, con la que demostró que podía participar en películas independientes. Aunque tendría que esperar a finales de año, con el estreno de "Closer" de Mike Nichols, para su confirmación como estrella y gran actriz. Gracias a esta película en que realiza escenas de una bailarina nudista con escenas de alta sugestividad sexual, consigue un Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria por su papel de Alice. No sería ésta la última buena noticia, ya que también fue nominada a los Óscar por este mismo papel en la categoría de Actriz Secundaria, aunque esta vez no se llevaría la estatuilla.
En el 2005 apareció en la película independiente "Free Zone" de Amos Gitai y en la superproducción "V de Venganza" de James McTeigue, en donde interpretó a Evey Hammond. Para la película Natalie se rapó totalmente la cabeza.
En 2006 graba en España "Los fantasmas de Goya", de Miloš Forman, junto a Javier Bardem y Stellan Skarsgard, interpretando a la musa del pintor Goya. Los escenarios son variados, destacando los exteriores rodados en el parque de El Retiro de Madrid, así como en el palacio del Infante don Luis (Boadilla del Monte).
En el 2007 trabajó en la primera película con producción norteamericana del aclamado director asiático Wong Kar Wai, creador del film 2046 (ganador del premio a la mejor película europea). Se trató de "My Blueberry Nights", que incluyó a un enorme reparto: además de la propia Natalie Portman, la ganadora del Óscar Rachel Weisz (El jardinero fiel), Jude Law (Closer), Ed Harris (Las horas) y la sorpresa del reparto: la cantante Norah Jones, quien ya había participado representándose a sí misma.
A continuación rodó la película del debutante Justin Chadwick que lleva por título "Las hermanas Bolena", acerca de las hermanas Ana y María Bolena, las cuales se enfrentaron por el amor del rey Enrique VIII. El gran aliciente del filme es que las hermanas fueron interpretadas por Natalie Portman y Scarlett Johansson, respectivamente. Enrique VIII fue interpretado por Eric Bana. Tras haber rechazado anteriormente papeles con escenas de desnudo, en el año 2007 ha realizado un corto de 12 minutos, "Hotel Chevalier", dirigido por Wes Anderson, en el que aparece totalmente desnuda. También debutó como directora con el corto-comedia "Eve" en el Mostra de Venecia en el 2008.
En 2008, participó en la serie documental de la cadena de televisión Animal Planet titulada "Gorilas de Ruanda" donde, junto con especialistas, veterinarios y exploradores, viajó a dicho país para estudiar la situación ecológica y ambiental de dichos animales, en alerta por su vulnerabilidad (en vías de llegar al peligro de extinción). Participó también en las películas "París, te amo" y "Nueva York, te amo". En esta última actuó en uno de los segmentos y dirigió otro.
La actriz presentó en el Festival de Venecia 2010 la película "Cisne Negro" de Darren Aronofsky, drama ambientado en el mundo del ballet, arte que Portman había practicado en la niñez y que retomó para el filme. Por su actuación obtuvo un Globo de Oro, un premio SAG y además, el Óscar como Mejor Actriz por su interpretación en dicho filme. Este triunfo se vio envuelto en cierta polémica cuando Sarah Lane, la bailarina que ejerció como doble de cuerpo de Portman, restó importancia al trabajo de la actriz afirmando que tan sólo el 5% de las escenas de baile eran de Natalie: «es imposible que en un año se aprenda lo que yo hice durante veintiuno». El director Aronofsky replicó: «Hay 139 tomas de baile en la película. 111 son solo de Natalie Portman. 28 son su doble de baile Sarah Lane. Si haces un cálculo, el 80% es Natalie Portman». El director también indicó que en contadas ocasiones las escenas que se grabaron con Lane duran más de un segundo y que sólo hay dos escenas largas donde se tuvo que reemplazar su rostro debido a la complejidad de la rutina. Aun así dijo que fijándose sólo en la duración de la cinta «más del 90% del tiempo sería Natalie Portman».
Natalie Portman obtuvo el personaje de Jane Foster en la película "Thor". Gemma Arterton había sido considerada para el papel pero al final Portman lo consigió.
Daniela Liebman
Daniela Liebman Martínez nació el 14 de Junio de 2002, en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, México. Desciende de una familia musical, aprendió a tocar piano desde los 3 años y su primer concierto fue en casa cuando apenas tenía seis. A los 7 años participó en un concurso nacional de piano, Parnassos 2009. En abril de 2010 participó en Varallo International Piano Festival en Milán, Italia y en Marzo de 2011 fue ganadora del primer lugar del concurso internacional de música Noche en Madrid, representando a México.
“Cuando me dejo llevar, siento que soy parte de la música, que en vez de yo estar tocando el piano, el piano me toca a mi…, al mismo tiempo tengo que concentrarme mucho porque si me dejo llevar completamente, voy a fallar en memoria”, dice.
La adolescente es hija única de la diseñadora Ana Luisa Martínez de Liebman y el violinista Roberto Liebman. Y en la sangre lleva el amor a la música además por su abuela Joze Liebman, reconocida violinista en Nueva York. Su educación musical empezó con la práctica del violín, pero una vez que tocó el piano que sus padres le compraron cuando tenía tres años, sus manos ya no se despegaron de ahí, relata.
Las primeras lecciones las recibió de su padre, pero a los siete años ingresó al Instituto Universitario de Bellas Artes de Colima, bajo la tutela del ruso Anatoli Zatin, compositor, músico y director de orquesta.
Zatin advierte que además de talento, la niña tiene la ventaja de contar con el apoyo de su familia y de la Universidad de Colima. "Familia, talento y maestro" son, en opinión del profesor, los tres elementos claves para que un artista trascienda.
Según su profesor, quien es director del Instituto Universitario de Bellas en Colima, la solista es la más joven en tocar un concierto completo con orquesta.
Armando Torres Chibrás, director de orquesta e integrante del Sistema Nacional de Fomento Musical del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), dice a CNN México que no existe un registro del pianista más joven tocando frente a una orquesta pero que es importante que los niños aprendan música y se formen en esa disciplina.
En junio de 2012, Daniela formó parte del grupo de 50 niños procedentes de todo el mundo que compartieron escenario con el pianista chino Lang Lang, considerado uno de los artistas más prolíficos en el mundo, y una de las 100 personas más influyentes del planeta por la revista Time.
“Lang Lang es un pianista muy famoso y empezó igual como a los tres años (...) A parte de ser un pianista genial, tiene mucha personalidad, es chistoso”, dice Daniela. En mayo pasado, volvieron a compartir escenario en la Ciudad de México.
Aunque ha tocado en varias partes del mundo, Daniela dice que el Teatro Degollado, en Guadalajara, es el sitio que siente como hogar. Al ingresar saluda con familiaridad a los técnicos, tramoyistas y a los responsables del recinto.
“El concierto que más me ha emocionado es aquí, en el Teatro Degollado y tocando el concierto de Mozart número 8. Es un teatro hermoso, grande, tiene buena acústica. Cuando toqué aquí, todo el teatro aplaudiendo, es una experiencia única, inexplicable, un sentimiento muy bonito”, recuerda sonriendo.
Daniela dice que quiere ser la mejor pianista del mundo, pero también otras cosas le entusiasman: su perro Chester, el chocolate, leer, el ajedrez y escuchar además de jazz, a los Beatles.
Como es hija única, dice que su perro es muy especial, "con quien comparto todo, me enamoré de él, no es el perro más bonito pero yo lo veo con ojos de amor”.
Habla y sonríe todo el tiempo. Cuando no está frente a la cámara o el piano, juega con Chester, canta, baila, se descalza, no hay un momento de quietud.
“Daniela es tremendamente traviesa, tiene una curiosidad inmensa”, dice Ana, su madre. Dice que “no ha perdido su parte de niñez”, y advierte que la pequeña tiene responsabilidades como cualquier chico de su edad, pues además de practicar en el piano, recibe clases particulares de primaria en inglés y español.
“A los niños se les descubre, se les entrena, pero llega un momento en donde si el niño no está enamorado del piano, no sirve de nada, Daniela está enamorada del piano”, asegura su madre.
Robert coincide y confiesa que al principio, era su sueño convertir a Daniela en una gran pianista, pero hoy es una meta compartida su hija, a quien apoya en sus prácticas y se asegura que forme su carrera con base en tres tópicos que considera los más relevantes "la disciplina, la constancia y el trabajo".
“Me gustaría ser una de las mejores pianistas del mundo”, señala sin titubeo. El 27 de octubre de 2013, acompañada por The Park Avenue Chamber Symphony, bajo la batuta de David Bernard, la joven pianista originaria de Guadalajara, Jalisco, ofreció una gala hoy en la que interpretó el Concierto para piano no. 2, de Shostakovich. “La verdad que siempre fue mi sueño tocar en el Carnegie Hall y no me imaginé que fuera a los 11 años”, comenta Liebman con risa pícara vía telefónica desde Nueva York, de donde viajó a Munich, Alemania, para asistir a un campamento con el pianista chino Lang-Lang del 3 al 7 de noviembre. Detalla que fue seleccionada de entre 300 músicos jóvenes, y de los 12 participantes es la única mexicana.
Quien ya se ha presentado en escenarios de Europa, Asia y Estados Unidos relata que el gusto por la música nació desde los dos años de edad cuando escuchaba a su padre tocar el violín y a su abuela el piano.
“A los dos años me compraron un violín pequeño pero nunca me atrajo mucho, y cada vez que escuchaba el piano que tocaba mi abuela me emocionaba mucho y yo quería tocarlo”, recuerda.
Entonces lo que en un inicio parecía un juego se convirtió en una pasión, y luego en una profesión que siempre ha guiado su papá, Robert Liebman.
Además del talento innato, Daniela dedica cuatro horas diarias a practicar el piano en casa, y la mitad de la semana estudia en Colima con Anatoli Zatin.
A ello suma las horas de clases de conocimientos generales que toma vía Skype con dos maestras de educación básica. Para la joven pianista el programa home school es la única manera de realizar su preparación como solista.
“Ya no voy a la escuela normal, llevo un programa con dos maestras particulares, una de inglés y otra en español. Es mucho más fácil por los viajes y las giras que no me permiten ir a la escuela, así tomo clases por Skype mucho más padre.
“Además mi maestro de piano vive en Colima, entonces pasó la mitad de la semana en Guadalajara y la otra mitad en Colima”, dice con alegría.
Quien ha sido solista en la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes y la Filarmónica de Jalisco, confiesa que al estar frente al público le gusta compartir las emociones que siente en la música; si es una melodía triste, se esfuerza en trasmitir esa tristeza, pero si es alegre busca expresar esa energía.
“No sé cómo se hace, es parte de la dinámica de las melodías y depende del tipo de piezas, pero trato de comunicar a la audiencia lo que yo siento”, comenta quien prefiere el jazz y no la música pop, gusta de la lectura y el ajedrez mas no la televisión. “Ya que empiezas a conocer te das cuenta que la música clásica es muy bonita”. "Definitivamente yo me quiero dedicar al piano para siempre", expresa la ejecutante.
Daniela habla con soltura, elocuencia y seguridad. La emoción está en cada palabra con la que teje su trayectoria, aún breve pero llena de orgullo. Y es con la que sabe dar vida a cada ejecución en público, pues disfruta hacerlo y ello ha hecho que jamás muestre nerviosismo, mucho menos inseguridad.
Tenía 8 años cuando tocó por primera vez con una orquesta. Fue en Aguascalientes con el director Román Revueltas, quien también estará en Sinaloa, comparte la niña, y en efecto, este director se presentará el 21 de noviembre en Culiacán y el 22 en Mazatlán, como invitado de la Temporada de Otoño de la OSSLA.
"Nunca había tocado con orquesta antes, claro que había ensayado con mi maestro y mi papá que es violinista", señala.
- ¿En tu sangre está el amor al arte, a la música?
“Sí, pero mi papá especialmente me ha ayudado mucho en mi carrera, ha dedicado muchísimos días de su vida a sentarse al lado de mí practicando todos los días cuatro horas conmigo, es el miembro de mi familia que más me ha ayudado, en segundo mi mamá que ha sacrificado su tiempo para llevarme a Colima, traerme, hacer todo por mí, ver qué conciertos tengo”.
Como solista, Daniela ha viajado a Bisket, Kirguistán, ahí, dice, a un ladito de Asia; así como a Aguascalientes, Dallas, y tocará en el Teatro Degollado de Jalisco, en el Teatro Universitario de Colima, en el Carnegie Hall, Stern Auditorium, de Nueva York, y en otros sitios, para lo cual también planea crecer su repertorio, tocar a Liszt, por ejemplo.
Cuando se le pide que de los premios y reconocimientos que ha ganado mencione los que considere más importante, ella dice que hablará de todos porque todos han sido así como "Guau".
La primera competencia que vivió fue en el Parnassos, que se realiza en Monterrey para jóvenes pianistas. Ella tenía sólo 7 años.
"Era mi primera competencia y era difícil, porque siempre lo primero es difícil", añade.
En Noche de Madrid, su segundo reto, ganó el primer lugar al competir con participantes de 16 países. Tenía 8 años.
Al año siguiente contendió en el International Music Competition en California, que dijo "era súper difícil”.
"Yo, mi mamá y papá estábamos 'esto sería un milagro si lo ganas', gané el primer lugar, yo tenía 9", explicó.
"Mi cuarta competencia fue en Berlín, y el premio era tocar con Lang Lang y -Herbie- Hancock en un estudio y esa la gané también, y también me tocó tocar con Lang Lang en México, es un pianista muy famoso, ya me conoce y lo conozco, tuve una master class con él y creo que le gustó cómo toqué".
Además de otros reconocimientos en festivales, Daniela obtuvo el premio Sarquís Merrewe por su trayectoria de tenacidad y disciplina, esto es lo más reciente, pues ocurrió en junio pasado en Zapopan, Jalisco.
- ¿Qué es el piano para ti?
“Es un instrumento muy bonito con el que puedes expresar muchísimas cosas a través de él. Es increíble porque en la música puedes hacer que la gente ría, llore, y es increíble porque no lo puedes hacer con palabras pero lo puedes hacer con música”.
"El piano para mí es mi instrumento favorito, y lo descubrí cuando tenía 4, empecé a los cinco, con una hora de entrenamiento con mi papá, a los 6 fui avanzando y a los 7 fue mi primera competencia, y a los 7 también empecé a estudiar con Anatoly Zatin, en el Instituto de Bellas Artes de Colima".
Su primera maestra de piano fue Raquel González, quien es ex alumna de su actual maestro, Zatin, a quien llegó por recomendación de ella.
Actualmente además toma clases de solfeo con Carolina García Trejo, de quien agrega que es una excelente maestra también.
Clementi, Chopin, Mozart, Beethoven, Rachmaninoff, Solinski, Moszkowski son los compositores a los que ha interpretado, y todos, a su manera, tienen su grado de dificultad, explica.
"Por ejemplo Beethoven o Mozart no son técnicamente difíciles como Rachmaninoff o Shostakovich, pero es tan clásico que tienes que hacer como darle vida, que eso no lo tienes que hacer en la música moderna".
- ¿Dicen que escuchar música clásica como la de Mozart, por ejemplo, es de gran ayuda desde que están los bebés en el vientre?
“Sí, mi mamá me ponía al chelista Yo-Yo Ma, tenía unos audífonos especiales que se los ponía en la panza y yo en el vientre oía la música, y siempre me la ponía cuando iba a dormir, y yo crecí con esta música”.
"De hecho mi primer instrumento fue el violín, porque mi papá es violinista, me rentó un violín chiquito, y como que nunca me atrajo, no como me atrajo el piano. El piano me encantaba cada vez que lo oía porque mi abuela, Joze Liebman, es pianista profesional", relata.
- Estar en un escenario que provoca en ti, ¿qué sientes?
“Yo nunca he tenido nervios, porque me encanta tocar frente a la gente, me gusta mucho, ya estoy acostumbrada a hacer esto”.
- ¿Qué pasatiempos tienes, qué te gusta hacer aparte de tocar el piano?
“Me gusta mucho leer, de todo, no tengo un libro favorito, de español no leo mucho, porque a lo mejor no hay mucha literatura en español, a veces leo libros traducidos, me gustan los clásicos, son mis favoritos”.
Sin dejar de moverse y de mirar a sus lados, Daniela habla de sus sueños, y sonríe al escuchar que éstos no son los de una niña cualquiera, porque ella no es una niña cualquiera, sobre todo porque habla con seguridad de lo que quiere.
"Yo quiero ser una de las la pianista más famosa del mundo", agrega extendiendo su amistosa sonrisa, "sí, mi sueño es convertirme en una buena pianista que sabe mucho de la música del mundo y de la música bastante, quiero ir por el mundo tocando con otra gente, pero especialmente tocando el piano, y aprender más repertorio y tocar muchos conciertos".
"Mi sueño es convertirme en una buena pianista que sabe mucho de la música del mundo y de la música bastante".
Daniela Liebman Martínez nació el 14 de Junio de 2002, en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, México. Desciende de una familia musical, aprendió a tocar piano desde los 3 años y su primer concierto fue en casa cuando apenas tenía seis. A los 7 años participó en un concurso nacional de piano, Parnassos 2009. En abril de 2010 participó en Varallo International Piano Festival en Milán, Italia y en Marzo de 2011 fue ganadora del primer lugar del concurso internacional de música Noche en Madrid, representando a México.
“Cuando me dejo llevar, siento que soy parte de la música, que en vez de yo estar tocando el piano, el piano me toca a mi…, al mismo tiempo tengo que concentrarme mucho porque si me dejo llevar completamente, voy a fallar en memoria”, dice.
La adolescente es hija única de la diseñadora Ana Luisa Martínez de Liebman y el violinista Roberto Liebman. Y en la sangre lleva el amor a la música además por su abuela Joze Liebman, reconocida violinista en Nueva York. Su educación musical empezó con la práctica del violín, pero una vez que tocó el piano que sus padres le compraron cuando tenía tres años, sus manos ya no se despegaron de ahí, relata.
Las primeras lecciones las recibió de su padre, pero a los siete años ingresó al Instituto Universitario de Bellas Artes de Colima, bajo la tutela del ruso Anatoli Zatin, compositor, músico y director de orquesta.
Zatin advierte que además de talento, la niña tiene la ventaja de contar con el apoyo de su familia y de la Universidad de Colima. "Familia, talento y maestro" son, en opinión del profesor, los tres elementos claves para que un artista trascienda.
Según su profesor, quien es director del Instituto Universitario de Bellas en Colima, la solista es la más joven en tocar un concierto completo con orquesta.
Armando Torres Chibrás, director de orquesta e integrante del Sistema Nacional de Fomento Musical del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), dice a CNN México que no existe un registro del pianista más joven tocando frente a una orquesta pero que es importante que los niños aprendan música y se formen en esa disciplina.
En junio de 2012, Daniela formó parte del grupo de 50 niños procedentes de todo el mundo que compartieron escenario con el pianista chino Lang Lang, considerado uno de los artistas más prolíficos en el mundo, y una de las 100 personas más influyentes del planeta por la revista Time.
“Lang Lang es un pianista muy famoso y empezó igual como a los tres años (...) A parte de ser un pianista genial, tiene mucha personalidad, es chistoso”, dice Daniela. En mayo pasado, volvieron a compartir escenario en la Ciudad de México.
Aunque ha tocado en varias partes del mundo, Daniela dice que el Teatro Degollado, en Guadalajara, es el sitio que siente como hogar. Al ingresar saluda con familiaridad a los técnicos, tramoyistas y a los responsables del recinto.
“El concierto que más me ha emocionado es aquí, en el Teatro Degollado y tocando el concierto de Mozart número 8. Es un teatro hermoso, grande, tiene buena acústica. Cuando toqué aquí, todo el teatro aplaudiendo, es una experiencia única, inexplicable, un sentimiento muy bonito”, recuerda sonriendo.
Daniela dice que quiere ser la mejor pianista del mundo, pero también otras cosas le entusiasman: su perro Chester, el chocolate, leer, el ajedrez y escuchar además de jazz, a los Beatles.
Como es hija única, dice que su perro es muy especial, "con quien comparto todo, me enamoré de él, no es el perro más bonito pero yo lo veo con ojos de amor”.
Habla y sonríe todo el tiempo. Cuando no está frente a la cámara o el piano, juega con Chester, canta, baila, se descalza, no hay un momento de quietud.
“Daniela es tremendamente traviesa, tiene una curiosidad inmensa”, dice Ana, su madre. Dice que “no ha perdido su parte de niñez”, y advierte que la pequeña tiene responsabilidades como cualquier chico de su edad, pues además de practicar en el piano, recibe clases particulares de primaria en inglés y español.
“A los niños se les descubre, se les entrena, pero llega un momento en donde si el niño no está enamorado del piano, no sirve de nada, Daniela está enamorada del piano”, asegura su madre.
Robert coincide y confiesa que al principio, era su sueño convertir a Daniela en una gran pianista, pero hoy es una meta compartida su hija, a quien apoya en sus prácticas y se asegura que forme su carrera con base en tres tópicos que considera los más relevantes "la disciplina, la constancia y el trabajo".
“Me gustaría ser una de las mejores pianistas del mundo”, señala sin titubeo. El 27 de octubre de 2013, acompañada por The Park Avenue Chamber Symphony, bajo la batuta de David Bernard, la joven pianista originaria de Guadalajara, Jalisco, ofreció una gala hoy en la que interpretó el Concierto para piano no. 2, de Shostakovich. “La verdad que siempre fue mi sueño tocar en el Carnegie Hall y no me imaginé que fuera a los 11 años”, comenta Liebman con risa pícara vía telefónica desde Nueva York, de donde viajó a Munich, Alemania, para asistir a un campamento con el pianista chino Lang-Lang del 3 al 7 de noviembre. Detalla que fue seleccionada de entre 300 músicos jóvenes, y de los 12 participantes es la única mexicana.
Quien ya se ha presentado en escenarios de Europa, Asia y Estados Unidos relata que el gusto por la música nació desde los dos años de edad cuando escuchaba a su padre tocar el violín y a su abuela el piano.
“A los dos años me compraron un violín pequeño pero nunca me atrajo mucho, y cada vez que escuchaba el piano que tocaba mi abuela me emocionaba mucho y yo quería tocarlo”, recuerda.
Entonces lo que en un inicio parecía un juego se convirtió en una pasión, y luego en una profesión que siempre ha guiado su papá, Robert Liebman.
Además del talento innato, Daniela dedica cuatro horas diarias a practicar el piano en casa, y la mitad de la semana estudia en Colima con Anatoli Zatin.
A ello suma las horas de clases de conocimientos generales que toma vía Skype con dos maestras de educación básica. Para la joven pianista el programa home school es la única manera de realizar su preparación como solista.
“Ya no voy a la escuela normal, llevo un programa con dos maestras particulares, una de inglés y otra en español. Es mucho más fácil por los viajes y las giras que no me permiten ir a la escuela, así tomo clases por Skype mucho más padre.
“Además mi maestro de piano vive en Colima, entonces pasó la mitad de la semana en Guadalajara y la otra mitad en Colima”, dice con alegría.
Quien ha sido solista en la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes y la Filarmónica de Jalisco, confiesa que al estar frente al público le gusta compartir las emociones que siente en la música; si es una melodía triste, se esfuerza en trasmitir esa tristeza, pero si es alegre busca expresar esa energía.
“No sé cómo se hace, es parte de la dinámica de las melodías y depende del tipo de piezas, pero trato de comunicar a la audiencia lo que yo siento”, comenta quien prefiere el jazz y no la música pop, gusta de la lectura y el ajedrez mas no la televisión. “Ya que empiezas a conocer te das cuenta que la música clásica es muy bonita”. "Definitivamente yo me quiero dedicar al piano para siempre", expresa la ejecutante.
Daniela habla con soltura, elocuencia y seguridad. La emoción está en cada palabra con la que teje su trayectoria, aún breve pero llena de orgullo. Y es con la que sabe dar vida a cada ejecución en público, pues disfruta hacerlo y ello ha hecho que jamás muestre nerviosismo, mucho menos inseguridad.
Tenía 8 años cuando tocó por primera vez con una orquesta. Fue en Aguascalientes con el director Román Revueltas, quien también estará en Sinaloa, comparte la niña, y en efecto, este director se presentará el 21 de noviembre en Culiacán y el 22 en Mazatlán, como invitado de la Temporada de Otoño de la OSSLA.
"Nunca había tocado con orquesta antes, claro que había ensayado con mi maestro y mi papá que es violinista", señala.
- ¿En tu sangre está el amor al arte, a la música?
“Sí, pero mi papá especialmente me ha ayudado mucho en mi carrera, ha dedicado muchísimos días de su vida a sentarse al lado de mí practicando todos los días cuatro horas conmigo, es el miembro de mi familia que más me ha ayudado, en segundo mi mamá que ha sacrificado su tiempo para llevarme a Colima, traerme, hacer todo por mí, ver qué conciertos tengo”.
Como solista, Daniela ha viajado a Bisket, Kirguistán, ahí, dice, a un ladito de Asia; así como a Aguascalientes, Dallas, y tocará en el Teatro Degollado de Jalisco, en el Teatro Universitario de Colima, en el Carnegie Hall, Stern Auditorium, de Nueva York, y en otros sitios, para lo cual también planea crecer su repertorio, tocar a Liszt, por ejemplo.
Cuando se le pide que de los premios y reconocimientos que ha ganado mencione los que considere más importante, ella dice que hablará de todos porque todos han sido así como "Guau".
La primera competencia que vivió fue en el Parnassos, que se realiza en Monterrey para jóvenes pianistas. Ella tenía sólo 7 años.
"Era mi primera competencia y era difícil, porque siempre lo primero es difícil", añade.
En Noche de Madrid, su segundo reto, ganó el primer lugar al competir con participantes de 16 países. Tenía 8 años.
Al año siguiente contendió en el International Music Competition en California, que dijo "era súper difícil”.
"Yo, mi mamá y papá estábamos 'esto sería un milagro si lo ganas', gané el primer lugar, yo tenía 9", explicó.
"Mi cuarta competencia fue en Berlín, y el premio era tocar con Lang Lang y -Herbie- Hancock en un estudio y esa la gané también, y también me tocó tocar con Lang Lang en México, es un pianista muy famoso, ya me conoce y lo conozco, tuve una master class con él y creo que le gustó cómo toqué".
Además de otros reconocimientos en festivales, Daniela obtuvo el premio Sarquís Merrewe por su trayectoria de tenacidad y disciplina, esto es lo más reciente, pues ocurrió en junio pasado en Zapopan, Jalisco.
- ¿Qué es el piano para ti?
“Es un instrumento muy bonito con el que puedes expresar muchísimas cosas a través de él. Es increíble porque en la música puedes hacer que la gente ría, llore, y es increíble porque no lo puedes hacer con palabras pero lo puedes hacer con música”.
"El piano para mí es mi instrumento favorito, y lo descubrí cuando tenía 4, empecé a los cinco, con una hora de entrenamiento con mi papá, a los 6 fui avanzando y a los 7 fue mi primera competencia, y a los 7 también empecé a estudiar con Anatoly Zatin, en el Instituto de Bellas Artes de Colima".
Su primera maestra de piano fue Raquel González, quien es ex alumna de su actual maestro, Zatin, a quien llegó por recomendación de ella.
Actualmente además toma clases de solfeo con Carolina García Trejo, de quien agrega que es una excelente maestra también.
Clementi, Chopin, Mozart, Beethoven, Rachmaninoff, Solinski, Moszkowski son los compositores a los que ha interpretado, y todos, a su manera, tienen su grado de dificultad, explica.
"Por ejemplo Beethoven o Mozart no son técnicamente difíciles como Rachmaninoff o Shostakovich, pero es tan clásico que tienes que hacer como darle vida, que eso no lo tienes que hacer en la música moderna".
- ¿Dicen que escuchar música clásica como la de Mozart, por ejemplo, es de gran ayuda desde que están los bebés en el vientre?
“Sí, mi mamá me ponía al chelista Yo-Yo Ma, tenía unos audífonos especiales que se los ponía en la panza y yo en el vientre oía la música, y siempre me la ponía cuando iba a dormir, y yo crecí con esta música”.
"De hecho mi primer instrumento fue el violín, porque mi papá es violinista, me rentó un violín chiquito, y como que nunca me atrajo, no como me atrajo el piano. El piano me encantaba cada vez que lo oía porque mi abuela, Joze Liebman, es pianista profesional", relata.
- Estar en un escenario que provoca en ti, ¿qué sientes?
“Yo nunca he tenido nervios, porque me encanta tocar frente a la gente, me gusta mucho, ya estoy acostumbrada a hacer esto”.
- ¿Qué pasatiempos tienes, qué te gusta hacer aparte de tocar el piano?
“Me gusta mucho leer, de todo, no tengo un libro favorito, de español no leo mucho, porque a lo mejor no hay mucha literatura en español, a veces leo libros traducidos, me gustan los clásicos, son mis favoritos”.
Sin dejar de moverse y de mirar a sus lados, Daniela habla de sus sueños, y sonríe al escuchar que éstos no son los de una niña cualquiera, porque ella no es una niña cualquiera, sobre todo porque habla con seguridad de lo que quiere.
"Yo quiero ser una de las la pianista más famosa del mundo", agrega extendiendo su amistosa sonrisa, "sí, mi sueño es convertirme en una buena pianista que sabe mucho de la música del mundo y de la música bastante, quiero ir por el mundo tocando con otra gente, pero especialmente tocando el piano, y aprender más repertorio y tocar muchos conciertos".
"Mi sueño es convertirme en una buena pianista que sabe mucho de la música del mundo y de la música bastante".
Winona Ryder
Winona Laura Horowitz , nacida el 29 de octubre de 1971, más conocida como Winona Ryder, es una actriz estadounidense, de origen hebreo, dos veces nominada al Óscar y ganadora de un Globo de Oro. Aunque su debut fue en "Lucas" (1986), su primer rol importante fue en "Beetlejuice" (1988) como Lydia, una adolescente de estética gótica.
En 1985, Ryder envió una cinta, en donde recitaba un monólogo de la novela Franny and Zooey, para aparecer en el film "Desert Bloom". La rechazaron, y le dieron el papel a Annabeth Gish. En 1986, David Seltzer, un guionista y director, notó su talento y la contrató para "Lucas". Un día, recibió una llamada telefónica, en la que le preguntaban como quería que apareciera su nombre, porque el suyo no era muy vendible, en términos comerciales; ella respondió "Ryder", por Mitch Ryder, un músico al que justo en ese momento estaba escuchando su padre. Su siguiente película fue "Square Dance", donde su personaje adolescente crea un puente entre dos mundos diferentes —un campo en el medio de la nada y una gran ciudad. Ryder tuvo buena crítica por ese papel, que hasta la revista Times llamó a su trabajo "un notable debut". Estas dos películas nunca salieron a la venta, por lo que no obtuvo gran popularidad.
Un tiempo después, el famoso director Tim Burton, la llamó para actuar en "Beetlejuice", luego de quedar impresionado por su actuación en Lucas. En el film, ella interpreta a una adolescente gótica que sufre de depresión, Lydia Deetz. En la película, su familia se muda a una casa llena de fantasmas (interpretados por Geena Davis, Alec Baldwin y Michael Keaton). Allí su personaje descubre a la única persona que tenía, al igual que ella, empatía hacia los fantasmas y su situación. El filme fue un gran éxito y su actuación recibió críticas muy positivas.
Ryder luego fue llamada para interpretar a "Verónica Sawyer", en la película independiente "Heathers". El film es una sátira sobre la vida adolescente, que gira alrededor de Verónica, un personaje quien está firmemente en contra de la violencia como manera de resolver conflictos, y que es forzado a elegir entre el bienestar de la sociedad o quedarse con su novio asesino, que mata estudiantes populares, según el diario Washington Post, Ryder era "La actriz de Hollywood más impresionantemente ingenua, Ryder... hizo que amáramos los asesinatos adolescentes, una chica brillante y divertida, con un toque de Bonnie Parker en su interior. Es la protagonista joven más bonita y mejor preparada, desde la inocente Gregory's Girl". A continuación, ese mismo año, protagonizó "Great Balls of Fire", interpretando a la novia de trece años de Jerry Lee Lewis.
A comienzos de la década de 1990, Ryder tuvo cuatro oportunidades de trabajo. La primera fue "El joven manos de tijera" en donde trabaja otra vez con Tim Burton, esta vez en el personaje de la novia de Edward, interpretado por Johnny Depp. Esta fue una película muy importante, que recaudó 56 millones de dólares en Estados Unidos y recibió muy buenas crítica.
Después, Francis Ford Coppola le ofreció un papel en "El Padrino III", pero tuvo que rechazarlo por agotamiento; entonces el papel fue dado a la hija de Coppola, Sofia Coppola. El tercer papel de Ryder ese año, fue en la comedia-drama "Sirenas", junto con Cher y Christina Ricci. La película fue medianamente popular, pero su actuación fue otra vez aclamada y por eso consiguió una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto.
En 1991, Ryder interpretó a una joven taxista que sueña con convertirse en mecánica, en la película de Jim Jarmusch, "Night on Earth". Esta no fue un gran éxito, pero recibió muy buena crítica. Ryder, entonces, interpretó dos papeles en la película "Drácula de Bram Stoker"; uno, como Mina Harker, el amor reencarnado de Drácula, y el otro, como el anterior amor de Drácula, la princesa Elisabeta. En 1993, se unió al reparto del melodrama "La casa de los espíritus", situada en en Chile de 1926, reflejando todos los problemas políticos de la época. Interpretó a la novia del personaje de Antonio Banderas. Esta película fue filmada en Dinamarca y en Portugal. Ryder también actuó en "La edad de la inocencia" con Michelle Pfeiffer y Daniel Day-Lewis, una película basada en una novela de Edith Wharton, y adaptada por el director Martin Scorsese, a quien Winona considera "el mejor director del mundo". En esta película, interpreta a una joven atrapada en complots dentro de complots, en una sociedad donde cada una de las frases pronunciadas tiene por lo menos tres significados. Esto refleja los conflictos interpersonales y sociales dentro y alrededor de ella, vía escenas y declaraciones. Su papel en esta película, le hizo ganar un Globo de Oro a mejor actriz secundaria, y una nominación al Oscar por la misma categoría.
Su siguiente papel fue en un drama sobre la generación X, "Reality Bites". Ahí, interpreta a una chica en busca de una dirección en su vida. Su actuación recibió muchos elogios. Un año después, en 1994, fue elegida para interpretar el papel principal de Josephine March en "Mujercitas". La película fue un éxito, y recibió muy buenas críticas; Janet Maslin del New York Times escribió que el filme fue la mejor adaptación de esta novela, y también remarcó: "La señorita Ryder, que en este año también actuó en una fina comedia "Reality Bites", actúa de "Jo" con chispa y confianza. Su presencia con espíritu le da a la película una pieza clave, atractivo, interpretando a la autoproclamada 'cabeza de familia' con acertada fidelidad". Por este papel, recibió una nominación al Óscar como Mejor Actriz. Ese mismo año, participó en un episodio de los famosos dibujos animados, "Los Simpson", como Allison Taylor, la rival de Lisa en inteligencia.
Luego, obtuvo un papel en "How to Make an American Quilt", una adaptación de la novela del mismo nombre de Whitney Otto. Su co-estrella fue Anne Bancroft. Ryder, interpreta a una recién graduada que pasa su verano en la casa de sus abuelos, reflexionando sobre la reciente propuesta de matrimonio, por parte de su novio.
Para 1996, actuó en "Boys", una película en donde su personaje parece odiar a todo el mundo, con el único amor de su mejor amigo. Su siguiente actuación fue en "Looking for Richard". Ese año, también protagonizó la película "The Crucible", junto a Daniel Day-Lewis y Joan Allen.
En diciembre de 1996, Ryder aceptó el rol de robot humanoide en "Alien: Resurrección", junto a Sigourney Weaver, que estuvo en toda la trilogía de esta película. El hermano de Winona, Suri, era un gran fan de esta serie de películas, y cuando se le ofreció el papel en la película ella aceptó. El filme se convirtió en un gran éxito, uno de los más grandes de la serie de películas de Alien, recaudando 161 millones de dólares. Ambos roles protagonistas tuvieron muy buenas críticas, y Ryder ganó un Blockbuster Entertainment Award como mejor actriz. Posteriormente, participó en "Celebrity" una película del famoso Woody Allen. Luego de que Drew Barrymore no aceptara, Ryder tomó su papel. El filme es una sátira de la vida de varios famosos.
En 1999, actuó en la película "Girl, Interrupted", basada en la autobiografía de Susanna Kaysen. Fue actriz protagonista junto a Angelina Jolie y Brittany Murphy. Ryder interpretó a una chica con trastorno de personalidad, admitida en un hospital mental. La película fue un gran éxito, y recibió muy buenas críticas. Angelina Jolie ganó un Óscar a mejor actriz secundaria.
También en ese año, estuvo en la película de la famosa serie "South Park, South Park: Bigger Longer & Uncut". El año siguiente, actuó en la comedia romántica "Otoño en Nueva York", junto a Richard Gere. El filme se basaba en la relación entre un hombre mayor (Gere) y una mujer joven (Ryder). Esta película tuvo variadas críticas y fue un gran éxito, ya que recaudó 90 millones de dólares alrededor del mundo.
Un tiempo después, Ryder interpretó a una monja perteneciente a una sociedad secreta conectada indirectamente con la iglesia católica romana, en la película "Almas perdidas". Para el año 2000, apareció en la película "Zoolander", de gran éxito y el 6 de octubre de ese año recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood,
Para el 2002, Ryder apareció en dos filmes. El primero, una comedia romántica llamada "Mr. Deeds", con el actor cómico Adam Sandler. Esta fue la película que más recaudó en toda su carrera, recaudando 126 millones de dólares sólo en los Estados Unidos, donde interpretó a una periodista de un programa de televisión, que termina enamorada del personaje de Adam Sandler. La segunda película, fue el drama-ciencia ficción "S1m0ne". En donde interpreta a una actriz muy famosa, que es reemplazada por una mujer en 3D. En esta película actúa junto a Al Pacino.
En 2006 aceptó interpretar a Donna Hawthorne en la película futurista "A Scanner Darkly". Este filme está basado en la aclamada novela de Philip K. Dick. Esta vez fue la protagonista junto a Keanu Reeves, Robert Downey Jr. y Woody Harrelson. Lo interesante es que la película fue transformada por un rotoscopio, lo que le da al filme un efecto de animación muy pocas veces visto. Ese mismo año apareció en la comedia The Darwin Awards junto a Joseph Fiennes.
En el 2008 Ryder protagonizó, junto a Wes Bentley y Ray Romano, un drama romántico, "The Last Word", en el que Wes interpreta a un escritor con un trabajo un tanto particular: escribir notas suicidas. Ella interpreta a la hermana de uno de ellos, que al conocer al escritor en el funeral decide iniciar una relación. También, apareció en la película "The Informers". Posteriormente, junto a Robin Wright y Julianne Moore, actuó en "The Private Lives of Pippa Lee". También participó en la película de Paramount Pictures, "Star Trek", como Amanda Grayson, la madre de Spock, originalmente interpretada por Jane Wyatt. En el 2010 hizo un papel secundario en la aclamada "Cisne Negro" como Beth; película que dio un Oscar a Natalie Portman como mejor actriz el 27 de febrero de 2011.
Winona Laura Horowitz , nacida el 29 de octubre de 1971, más conocida como Winona Ryder, es una actriz estadounidense, de origen hebreo, dos veces nominada al Óscar y ganadora de un Globo de Oro. Aunque su debut fue en "Lucas" (1986), su primer rol importante fue en "Beetlejuice" (1988) como Lydia, una adolescente de estética gótica.
En 1985, Ryder envió una cinta, en donde recitaba un monólogo de la novela Franny and Zooey, para aparecer en el film "Desert Bloom". La rechazaron, y le dieron el papel a Annabeth Gish. En 1986, David Seltzer, un guionista y director, notó su talento y la contrató para "Lucas". Un día, recibió una llamada telefónica, en la que le preguntaban como quería que apareciera su nombre, porque el suyo no era muy vendible, en términos comerciales; ella respondió "Ryder", por Mitch Ryder, un músico al que justo en ese momento estaba escuchando su padre. Su siguiente película fue "Square Dance", donde su personaje adolescente crea un puente entre dos mundos diferentes —un campo en el medio de la nada y una gran ciudad. Ryder tuvo buena crítica por ese papel, que hasta la revista Times llamó a su trabajo "un notable debut". Estas dos películas nunca salieron a la venta, por lo que no obtuvo gran popularidad.
Un tiempo después, el famoso director Tim Burton, la llamó para actuar en "Beetlejuice", luego de quedar impresionado por su actuación en Lucas. En el film, ella interpreta a una adolescente gótica que sufre de depresión, Lydia Deetz. En la película, su familia se muda a una casa llena de fantasmas (interpretados por Geena Davis, Alec Baldwin y Michael Keaton). Allí su personaje descubre a la única persona que tenía, al igual que ella, empatía hacia los fantasmas y su situación. El filme fue un gran éxito y su actuación recibió críticas muy positivas.
Ryder luego fue llamada para interpretar a "Verónica Sawyer", en la película independiente "Heathers". El film es una sátira sobre la vida adolescente, que gira alrededor de Verónica, un personaje quien está firmemente en contra de la violencia como manera de resolver conflictos, y que es forzado a elegir entre el bienestar de la sociedad o quedarse con su novio asesino, que mata estudiantes populares, según el diario Washington Post, Ryder era "La actriz de Hollywood más impresionantemente ingenua, Ryder... hizo que amáramos los asesinatos adolescentes, una chica brillante y divertida, con un toque de Bonnie Parker en su interior. Es la protagonista joven más bonita y mejor preparada, desde la inocente Gregory's Girl". A continuación, ese mismo año, protagonizó "Great Balls of Fire", interpretando a la novia de trece años de Jerry Lee Lewis.
A comienzos de la década de 1990, Ryder tuvo cuatro oportunidades de trabajo. La primera fue "El joven manos de tijera" en donde trabaja otra vez con Tim Burton, esta vez en el personaje de la novia de Edward, interpretado por Johnny Depp. Esta fue una película muy importante, que recaudó 56 millones de dólares en Estados Unidos y recibió muy buenas crítica.
Después, Francis Ford Coppola le ofreció un papel en "El Padrino III", pero tuvo que rechazarlo por agotamiento; entonces el papel fue dado a la hija de Coppola, Sofia Coppola. El tercer papel de Ryder ese año, fue en la comedia-drama "Sirenas", junto con Cher y Christina Ricci. La película fue medianamente popular, pero su actuación fue otra vez aclamada y por eso consiguió una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto.
En 1991, Ryder interpretó a una joven taxista que sueña con convertirse en mecánica, en la película de Jim Jarmusch, "Night on Earth". Esta no fue un gran éxito, pero recibió muy buena crítica. Ryder, entonces, interpretó dos papeles en la película "Drácula de Bram Stoker"; uno, como Mina Harker, el amor reencarnado de Drácula, y el otro, como el anterior amor de Drácula, la princesa Elisabeta. En 1993, se unió al reparto del melodrama "La casa de los espíritus", situada en en Chile de 1926, reflejando todos los problemas políticos de la época. Interpretó a la novia del personaje de Antonio Banderas. Esta película fue filmada en Dinamarca y en Portugal. Ryder también actuó en "La edad de la inocencia" con Michelle Pfeiffer y Daniel Day-Lewis, una película basada en una novela de Edith Wharton, y adaptada por el director Martin Scorsese, a quien Winona considera "el mejor director del mundo". En esta película, interpreta a una joven atrapada en complots dentro de complots, en una sociedad donde cada una de las frases pronunciadas tiene por lo menos tres significados. Esto refleja los conflictos interpersonales y sociales dentro y alrededor de ella, vía escenas y declaraciones. Su papel en esta película, le hizo ganar un Globo de Oro a mejor actriz secundaria, y una nominación al Oscar por la misma categoría.
Su siguiente papel fue en un drama sobre la generación X, "Reality Bites". Ahí, interpreta a una chica en busca de una dirección en su vida. Su actuación recibió muchos elogios. Un año después, en 1994, fue elegida para interpretar el papel principal de Josephine March en "Mujercitas". La película fue un éxito, y recibió muy buenas críticas; Janet Maslin del New York Times escribió que el filme fue la mejor adaptación de esta novela, y también remarcó: "La señorita Ryder, que en este año también actuó en una fina comedia "Reality Bites", actúa de "Jo" con chispa y confianza. Su presencia con espíritu le da a la película una pieza clave, atractivo, interpretando a la autoproclamada 'cabeza de familia' con acertada fidelidad". Por este papel, recibió una nominación al Óscar como Mejor Actriz. Ese mismo año, participó en un episodio de los famosos dibujos animados, "Los Simpson", como Allison Taylor, la rival de Lisa en inteligencia.
Luego, obtuvo un papel en "How to Make an American Quilt", una adaptación de la novela del mismo nombre de Whitney Otto. Su co-estrella fue Anne Bancroft. Ryder, interpreta a una recién graduada que pasa su verano en la casa de sus abuelos, reflexionando sobre la reciente propuesta de matrimonio, por parte de su novio.
Para 1996, actuó en "Boys", una película en donde su personaje parece odiar a todo el mundo, con el único amor de su mejor amigo. Su siguiente actuación fue en "Looking for Richard". Ese año, también protagonizó la película "The Crucible", junto a Daniel Day-Lewis y Joan Allen.
En diciembre de 1996, Ryder aceptó el rol de robot humanoide en "Alien: Resurrección", junto a Sigourney Weaver, que estuvo en toda la trilogía de esta película. El hermano de Winona, Suri, era un gran fan de esta serie de películas, y cuando se le ofreció el papel en la película ella aceptó. El filme se convirtió en un gran éxito, uno de los más grandes de la serie de películas de Alien, recaudando 161 millones de dólares. Ambos roles protagonistas tuvieron muy buenas críticas, y Ryder ganó un Blockbuster Entertainment Award como mejor actriz. Posteriormente, participó en "Celebrity" una película del famoso Woody Allen. Luego de que Drew Barrymore no aceptara, Ryder tomó su papel. El filme es una sátira de la vida de varios famosos.
En 1999, actuó en la película "Girl, Interrupted", basada en la autobiografía de Susanna Kaysen. Fue actriz protagonista junto a Angelina Jolie y Brittany Murphy. Ryder interpretó a una chica con trastorno de personalidad, admitida en un hospital mental. La película fue un gran éxito, y recibió muy buenas críticas. Angelina Jolie ganó un Óscar a mejor actriz secundaria.
También en ese año, estuvo en la película de la famosa serie "South Park, South Park: Bigger Longer & Uncut". El año siguiente, actuó en la comedia romántica "Otoño en Nueva York", junto a Richard Gere. El filme se basaba en la relación entre un hombre mayor (Gere) y una mujer joven (Ryder). Esta película tuvo variadas críticas y fue un gran éxito, ya que recaudó 90 millones de dólares alrededor del mundo.
Un tiempo después, Ryder interpretó a una monja perteneciente a una sociedad secreta conectada indirectamente con la iglesia católica romana, en la película "Almas perdidas". Para el año 2000, apareció en la película "Zoolander", de gran éxito y el 6 de octubre de ese año recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood,
Para el 2002, Ryder apareció en dos filmes. El primero, una comedia romántica llamada "Mr. Deeds", con el actor cómico Adam Sandler. Esta fue la película que más recaudó en toda su carrera, recaudando 126 millones de dólares sólo en los Estados Unidos, donde interpretó a una periodista de un programa de televisión, que termina enamorada del personaje de Adam Sandler. La segunda película, fue el drama-ciencia ficción "S1m0ne". En donde interpreta a una actriz muy famosa, que es reemplazada por una mujer en 3D. En esta película actúa junto a Al Pacino.
En 2006 aceptó interpretar a Donna Hawthorne en la película futurista "A Scanner Darkly". Este filme está basado en la aclamada novela de Philip K. Dick. Esta vez fue la protagonista junto a Keanu Reeves, Robert Downey Jr. y Woody Harrelson. Lo interesante es que la película fue transformada por un rotoscopio, lo que le da al filme un efecto de animación muy pocas veces visto. Ese mismo año apareció en la comedia The Darwin Awards junto a Joseph Fiennes.
En el 2008 Ryder protagonizó, junto a Wes Bentley y Ray Romano, un drama romántico, "The Last Word", en el que Wes interpreta a un escritor con un trabajo un tanto particular: escribir notas suicidas. Ella interpreta a la hermana de uno de ellos, que al conocer al escritor en el funeral decide iniciar una relación. También, apareció en la película "The Informers". Posteriormente, junto a Robin Wright y Julianne Moore, actuó en "The Private Lives of Pippa Lee". También participó en la película de Paramount Pictures, "Star Trek", como Amanda Grayson, la madre de Spock, originalmente interpretada por Jane Wyatt. En el 2010 hizo un papel secundario en la aclamada "Cisne Negro" como Beth; película que dio un Oscar a Natalie Portman como mejor actriz el 27 de febrero de 2011.
Ximena Sariñana
Ximena Sariñana Rivera nació en Guadalajara, Jalisco, el 29 de octubre de 1985, es una actriz y cantante mexicana, es hija del cineasta mexicano Fernando Sariñana y de Carolina Rivera.
El álbum debut fue "Mediocre", se lanzó a la venta en febrero de 2008, con el sencillo "Vidas paralelas". En abril, ganó el Disco de oro en México, por la venta de 50 mil discos. En 2009 participó en la película "Enemigos íntimos" y en las bandas sonoras de "Paradas continuas" y "The Twilight Saga: New Moon".
Estudió música en México en la Academia para Musica Fermatta luego fue becada en el Five Week Program de Berklee College of Music. De septiembre de 2010 a abril de 2011 actuó como telonera de los conciertos de la cantante estadounidense Sara Bareilles, en el Kaleidoscope Heart Tour. En 2011 realizó una gira por el continente asiático, presentando su disco homónimo. El 19 de septiembre de 2011 obtuvo una sesión en vivo para la revista Rolling Stone.
Ha participado en conciertos como Coachella, Lollapalooza y LAMC en Nueva York.
En el 2012 inicio una gira en México para presentar su álbum homónimo en inglés, junto a la chilena Francisca Valenzuela quien presentó su nuevo álbum "Buen Soldado".
Participó en el álbum "Papitwo" cantando el tema "Aire soy" junto a Miguel Bosé y en el álbum "Cómo te voy a olvidar" interpretando el tema "Mis sentimientos" de Los Ángeles Azules. En el año 2014, se rumoreó que tenía síndrome de Asperger, lo cual fue desmentido por la actriz. Asimismo, participó en la canción "¿Adónde vas?" con el grupo español Jarabe de Palo para su álbum "Somos", y es invitada como jurado en "México Tiene Talento" en Televisión Azteca.
Su carrera en cine ha sido de la siguiente manera:
"Hasta morir" (1994), "Todo el poder" (2000), "El segundo aire" (2001), "Amar te duele" (2002), todas dirigidas por su papá; "De paso" (2005, Tomás Farkas), "Amor extremo" (2006, Chava Cartas), "Niñas mal" (Fernando Sariñana), "Año uña" (Jonás Cuarón), "Dos abrazos" (Enrique Begne), "El brassiere de Emma" (Marisa Sistach), todas del 2007; "Coraline" (Henry Selick) y "Enemigos íntimos" (Fernando Sariñana), ambas del 2008.
Y este es su paso por la televisión:
"Luz Clarita" (1996), "María Isabel" (1997), "Gotita de amor" (1998), "El diván de Valentina" (2003), "Nuestras mejores canciones" (2006), "La Voz" (2012) y "México tiene talento" (2014).
Ximena Sariñana Rivera nació en Guadalajara, Jalisco, el 29 de octubre de 1985, es una actriz y cantante mexicana, es hija del cineasta mexicano Fernando Sariñana y de Carolina Rivera.
El álbum debut fue "Mediocre", se lanzó a la venta en febrero de 2008, con el sencillo "Vidas paralelas". En abril, ganó el Disco de oro en México, por la venta de 50 mil discos. En 2009 participó en la película "Enemigos íntimos" y en las bandas sonoras de "Paradas continuas" y "The Twilight Saga: New Moon".
Estudió música en México en la Academia para Musica Fermatta luego fue becada en el Five Week Program de Berklee College of Music. De septiembre de 2010 a abril de 2011 actuó como telonera de los conciertos de la cantante estadounidense Sara Bareilles, en el Kaleidoscope Heart Tour. En 2011 realizó una gira por el continente asiático, presentando su disco homónimo. El 19 de septiembre de 2011 obtuvo una sesión en vivo para la revista Rolling Stone.
Ha participado en conciertos como Coachella, Lollapalooza y LAMC en Nueva York.
En el 2012 inicio una gira en México para presentar su álbum homónimo en inglés, junto a la chilena Francisca Valenzuela quien presentó su nuevo álbum "Buen Soldado".
Participó en el álbum "Papitwo" cantando el tema "Aire soy" junto a Miguel Bosé y en el álbum "Cómo te voy a olvidar" interpretando el tema "Mis sentimientos" de Los Ángeles Azules. En el año 2014, se rumoreó que tenía síndrome de Asperger, lo cual fue desmentido por la actriz. Asimismo, participó en la canción "¿Adónde vas?" con el grupo español Jarabe de Palo para su álbum "Somos", y es invitada como jurado en "México Tiene Talento" en Televisión Azteca.
Su carrera en cine ha sido de la siguiente manera:
"Hasta morir" (1994), "Todo el poder" (2000), "El segundo aire" (2001), "Amar te duele" (2002), todas dirigidas por su papá; "De paso" (2005, Tomás Farkas), "Amor extremo" (2006, Chava Cartas), "Niñas mal" (Fernando Sariñana), "Año uña" (Jonás Cuarón), "Dos abrazos" (Enrique Begne), "El brassiere de Emma" (Marisa Sistach), todas del 2007; "Coraline" (Henry Selick) y "Enemigos íntimos" (Fernando Sariñana), ambas del 2008.
Y este es su paso por la televisión:
"Luz Clarita" (1996), "María Isabel" (1997), "Gotita de amor" (1998), "El diván de Valentina" (2003), "Nuestras mejores canciones" (2006), "La Voz" (2012) y "México tiene talento" (2014).
Kirsten Dunst
Kirsten Caroline Dunst nació en Point Pleasant, Nueva Jersey el 30 de abril de 1982, siendo sus padres Klaus Dunst, alemán, e Inez Rupprecht. Asimismo, tiene un hermano menor, Christian, nacido en 1987. Su padre trabajó como ejecutivo de servicios médicos, mientras que su madre era una artista y a su vez dueña de una galería. Tiene ascendencia alemana por parte de su padre, y alemana-sueca por parte de su madre.
Empezó su carrera a los tres años de edad como modelo en comerciales de televisión, llegando a firmar contratos con Ford Models y Elite Model Management. A los ocho hizo su debut en el cine con un papel menor en "Oedipus Wrecks", un cortometraje dirigido por Woody Allen que se estrenó como la tercera parte de la antología "New York Stories (Historias de Nueva York)" en 1989. Poco después interpretó un pequeño rol en La hoguera de las vanidades" (1990), como la hija de Tom Hanks. En 1993, interpretó a Hedril en "Dark Page", el séptimo episodio de la séptima temporada de "Star Trek: The Next Generation (Star Trek: la nueva generación)".
La película que catapultó su carrera fue "Entrevista con el vampiro" en 1994, basada en la novela de Anne Rice, en donde interpreta a la niña vampiresa Claudia, una hija sustituta de los personajes que interpretaron Tom Cruise y Brad Pitt. Roger Ebert comentó que la interpretación de la vampiresa Claudia fue uno de los aspectos más «espeluznantes» de la película; además, remarcó su capacidad para transmitir la impresión de gran madurez dentro de su juventud. Después apareció en la adaptación del drama "Mujercitas" (1994), donde interpretó a Amy March y trabajó junto a Winona Ryder y Claire Danes; la película recibió críticas favorables. Janet Maslin, de The New York Times, escribió que la película era la mejor adaptación de Little Women que se había hecho esa fecha y resaltó la actuación de Dunst: «El contraste perfecto para dar relevancia a Jo en la trama viene a partir de la escena estelar de Amy. Su vanidad y centelleantes diabluras cobran mucho más sentido al provenir de una niña traviesa de once años, comparándola con la actuación de la crecida Joan Bennett en 1933. La señorita Dunst, que también es aterradoramente perfecta como la bebé sanguijuela en Interview With the Vampire, es una niña vampiro con un gran futuro por delante».
En 1995, actuó en la película de fantasía "Jumanji", basada en el libro del mismo nombre de Chris Van Allsburg. La historia trata sobre un juego de mesa sobrenatural y siniestro que hace que los animales y los riesgos de la selva aparezcan en la realidad al lanzar unos dados en el tablero. En la película formó parte de un elenco integrado por actores como Robin Williams, Bonnie Hunt y David Alan Grier. Ese mismo año fue nombrada como una de las 50 personas más bellas del mundo por la revista People, volviendo a aparecer en el listado de 2002. En 1996, tuvo un pequeño papel en la tercera temporada del drama médico de NBC, "ER", donde caracterizó a una pequeña prostituta, Charlie Chiemingo, quien es asistida por el Dr. Doug Ross, personaje interpretado por George Clooney. En 1997, grabó la voz de la pequeña "Anastasia" en la película musical y animada del mismo nombre. En 1997 apareció también en la sátira política Escándalo en la Casa Blanca", junto a Robert De Niro y Dustin Hoffman. El año siguiente, prestó su voz para el personaje de Kiki, una aprendiz de bruja de trece años de edad que abandona su pueblo natal para vivir un año sola, en la película de anime "Kiki's Delivery Service".
En la película independiente de Sofia Coppola, "Las vírgenes suicidas" (1999), interpretó el papel de una adolescente problemática llamada Lux Lisbon. El filme se exhibió como una presentación especial en el Festival Internacional de Cine de San Francisco del año 2000. Tras su estreno en el festival, obtuvo buenas críticas en general; en 2000, caracterizó a Torrance Shipman, la capitana de un equipo de animadoras en "Triunfos robados", Jessica Winter, del periódico The Village Voice, felicitó a la actriz, señalando que su actuación era «alegre y boba tal como su papel en Dick». La cinta recaudó un total de 68 millones de dólares a nivel internacional.
Al año siguiente, protagonizó la comedia para adolescentes "Get Over It" (2001). Después explicó que una de las razones para haber aceptado dicho papel era que se le había dado la oportunidad de cantar. También en 2001, representó a la desaparecida actriz estadounidense Marion Davies en "The Cat's Meow" (2001). En la reseña de Esquire, Tom Carson catalogó su interpretación como «estupenda». Por su trabajo ganó el premio de la categoría de Silver Ombú por «Mejor actriz» en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata de 2002. También ese mismo año interpretó el papel protagonista junto con Jay Hernández en la película "Amor loco/Amor prohibido", en la que asumía el papel de la problemática hija de un congresista que se ve envuelta en una verdadera y complicada historia de amor junto con Carlos Núñez (Jay Hernández).
En la película del superhéroe "El hombre araña" de 2002, la más exitosa de su carrera hasta la fecha, dirigida por Sam Raimi, interpretó a Mary Jane Watson, la mejor amiga e interés romántico del personaje principal, interpretado por Tobey Maguire. Después del éxito obtenido apareció en el drama independiente "Levity" (2003), donde tuvo un papel de reparto. En este mismo año protagonizó "La sonrisa de Mona Lisa" (2003), formando parte de un reparto que incluyó a Julia Roberts, Maggie Gyllenhaal y Julia Stiles. Después apareció como Mary Svevo en "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos" (2004), junto a Jim Carrey, Kate Winslet y Tom Wilkinson. La misma fue aclamada por la crítica; Entertainment Weekly describió su actuación secundaria como «ingeniosa e inteligente». Tras su estreno, recaudó 72 millones de dólares a nivel mundial.
El éxito de la primera película de "El hombre araña" le llevó a retomar su papel en la secuela de 2004, . En 2005, apareció como la asistente de vuelo Claire Colburn, con Orlando Bloom, en "Elizabethtown", una película escrita y dirigida por Cameron Crowe. La película se estrenó en 2005 en el Festival Internacional de Cine de Toronto. La actriz reveló que trabajar con Crowe había sido agradable, pero más exigente de lo que ella esperaba en un inicio. Su siguiente papel en una película fue el del personaje principal de la película biográfica de 2006 "Maria Antonieta". Siendo una adaptación de la novela de Antonia Fraser, Marie Antoinette: The Journey, fue la segunda ocasión en la que fue dirigida por Sofia Coppola. La cinta se proyectó como una presentación especial en el Festival de Cannes de 2006, recibiendo críticas favorables en particular.
En 2007 volvió a interpretar a Mary Jane Watson, en "El hombre araña 3". A diferencia de los comentarios positivos recibidos en las otras dos películas, Spider-Man 3 se encontró con una recepción variada por parte de los críticos. Después de haber firmado inicialmente por tres películas de Spider-Man, reveló que tenía intenciones de volver a retomar el rol de Mary Jane solamente si Raimi y Maguire regresaban.
En la película de 2008 "How to Lose Friends and Alienate People" apareció al lado de Simon Pegg. La película es una adaptación de la autobiografía del mismo nombre del ex editor y colaborador de la revista Vanity Fair Toby Young. Dunst se unió al proyecto porque, como después reveló, se había anunciado que Pegg saldría en ella.
Kirsten Caroline Dunst nació en Point Pleasant, Nueva Jersey el 30 de abril de 1982, siendo sus padres Klaus Dunst, alemán, e Inez Rupprecht. Asimismo, tiene un hermano menor, Christian, nacido en 1987. Su padre trabajó como ejecutivo de servicios médicos, mientras que su madre era una artista y a su vez dueña de una galería. Tiene ascendencia alemana por parte de su padre, y alemana-sueca por parte de su madre.
Empezó su carrera a los tres años de edad como modelo en comerciales de televisión, llegando a firmar contratos con Ford Models y Elite Model Management. A los ocho hizo su debut en el cine con un papel menor en "Oedipus Wrecks", un cortometraje dirigido por Woody Allen que se estrenó como la tercera parte de la antología "New York Stories (Historias de Nueva York)" en 1989. Poco después interpretó un pequeño rol en La hoguera de las vanidades" (1990), como la hija de Tom Hanks. En 1993, interpretó a Hedril en "Dark Page", el séptimo episodio de la séptima temporada de "Star Trek: The Next Generation (Star Trek: la nueva generación)".
La película que catapultó su carrera fue "Entrevista con el vampiro" en 1994, basada en la novela de Anne Rice, en donde interpreta a la niña vampiresa Claudia, una hija sustituta de los personajes que interpretaron Tom Cruise y Brad Pitt. Roger Ebert comentó que la interpretación de la vampiresa Claudia fue uno de los aspectos más «espeluznantes» de la película; además, remarcó su capacidad para transmitir la impresión de gran madurez dentro de su juventud. Después apareció en la adaptación del drama "Mujercitas" (1994), donde interpretó a Amy March y trabajó junto a Winona Ryder y Claire Danes; la película recibió críticas favorables. Janet Maslin, de The New York Times, escribió que la película era la mejor adaptación de Little Women que se había hecho esa fecha y resaltó la actuación de Dunst: «El contraste perfecto para dar relevancia a Jo en la trama viene a partir de la escena estelar de Amy. Su vanidad y centelleantes diabluras cobran mucho más sentido al provenir de una niña traviesa de once años, comparándola con la actuación de la crecida Joan Bennett en 1933. La señorita Dunst, que también es aterradoramente perfecta como la bebé sanguijuela en Interview With the Vampire, es una niña vampiro con un gran futuro por delante».
En 1995, actuó en la película de fantasía "Jumanji", basada en el libro del mismo nombre de Chris Van Allsburg. La historia trata sobre un juego de mesa sobrenatural y siniestro que hace que los animales y los riesgos de la selva aparezcan en la realidad al lanzar unos dados en el tablero. En la película formó parte de un elenco integrado por actores como Robin Williams, Bonnie Hunt y David Alan Grier. Ese mismo año fue nombrada como una de las 50 personas más bellas del mundo por la revista People, volviendo a aparecer en el listado de 2002. En 1996, tuvo un pequeño papel en la tercera temporada del drama médico de NBC, "ER", donde caracterizó a una pequeña prostituta, Charlie Chiemingo, quien es asistida por el Dr. Doug Ross, personaje interpretado por George Clooney. En 1997, grabó la voz de la pequeña "Anastasia" en la película musical y animada del mismo nombre. En 1997 apareció también en la sátira política Escándalo en la Casa Blanca", junto a Robert De Niro y Dustin Hoffman. El año siguiente, prestó su voz para el personaje de Kiki, una aprendiz de bruja de trece años de edad que abandona su pueblo natal para vivir un año sola, en la película de anime "Kiki's Delivery Service".
En la película independiente de Sofia Coppola, "Las vírgenes suicidas" (1999), interpretó el papel de una adolescente problemática llamada Lux Lisbon. El filme se exhibió como una presentación especial en el Festival Internacional de Cine de San Francisco del año 2000. Tras su estreno en el festival, obtuvo buenas críticas en general; en 2000, caracterizó a Torrance Shipman, la capitana de un equipo de animadoras en "Triunfos robados", Jessica Winter, del periódico The Village Voice, felicitó a la actriz, señalando que su actuación era «alegre y boba tal como su papel en Dick». La cinta recaudó un total de 68 millones de dólares a nivel internacional.
Al año siguiente, protagonizó la comedia para adolescentes "Get Over It" (2001). Después explicó que una de las razones para haber aceptado dicho papel era que se le había dado la oportunidad de cantar. También en 2001, representó a la desaparecida actriz estadounidense Marion Davies en "The Cat's Meow" (2001). En la reseña de Esquire, Tom Carson catalogó su interpretación como «estupenda». Por su trabajo ganó el premio de la categoría de Silver Ombú por «Mejor actriz» en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata de 2002. También ese mismo año interpretó el papel protagonista junto con Jay Hernández en la película "Amor loco/Amor prohibido", en la que asumía el papel de la problemática hija de un congresista que se ve envuelta en una verdadera y complicada historia de amor junto con Carlos Núñez (Jay Hernández).
En la película del superhéroe "El hombre araña" de 2002, la más exitosa de su carrera hasta la fecha, dirigida por Sam Raimi, interpretó a Mary Jane Watson, la mejor amiga e interés romántico del personaje principal, interpretado por Tobey Maguire. Después del éxito obtenido apareció en el drama independiente "Levity" (2003), donde tuvo un papel de reparto. En este mismo año protagonizó "La sonrisa de Mona Lisa" (2003), formando parte de un reparto que incluyó a Julia Roberts, Maggie Gyllenhaal y Julia Stiles. Después apareció como Mary Svevo en "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos" (2004), junto a Jim Carrey, Kate Winslet y Tom Wilkinson. La misma fue aclamada por la crítica; Entertainment Weekly describió su actuación secundaria como «ingeniosa e inteligente». Tras su estreno, recaudó 72 millones de dólares a nivel mundial.
El éxito de la primera película de "El hombre araña" le llevó a retomar su papel en la secuela de 2004, . En 2005, apareció como la asistente de vuelo Claire Colburn, con Orlando Bloom, en "Elizabethtown", una película escrita y dirigida por Cameron Crowe. La película se estrenó en 2005 en el Festival Internacional de Cine de Toronto. La actriz reveló que trabajar con Crowe había sido agradable, pero más exigente de lo que ella esperaba en un inicio. Su siguiente papel en una película fue el del personaje principal de la película biográfica de 2006 "Maria Antonieta". Siendo una adaptación de la novela de Antonia Fraser, Marie Antoinette: The Journey, fue la segunda ocasión en la que fue dirigida por Sofia Coppola. La cinta se proyectó como una presentación especial en el Festival de Cannes de 2006, recibiendo críticas favorables en particular.
En 2007 volvió a interpretar a Mary Jane Watson, en "El hombre araña 3". A diferencia de los comentarios positivos recibidos en las otras dos películas, Spider-Man 3 se encontró con una recepción variada por parte de los críticos. Después de haber firmado inicialmente por tres películas de Spider-Man, reveló que tenía intenciones de volver a retomar el rol de Mary Jane solamente si Raimi y Maguire regresaban.
En la película de 2008 "How to Lose Friends and Alienate People" apareció al lado de Simon Pegg. La película es una adaptación de la autobiografía del mismo nombre del ex editor y colaborador de la revista Vanity Fair Toby Young. Dunst se unió al proyecto porque, como después reveló, se había anunciado que Pegg saldría en ella.
Isabella Tena
Nació el 27 de enero de 2007 en la Ciudad de México bajo el signo de Acuario, le gusta cantar, bailar, practicar gimnasia y, por supuesto, tiene un talento natural para la actuación.
Esta hermosa princesita de tan sólo siete años, de cabello rubio y ojos azules ha demostrado ser una muy buena actriz, pues cuando las indicaciones de producción son que llore un poco, no duda en mostrar sus dotes de actuación y estremece al elenco entero con sus lágrimas.
La pequeña Isabella, quien se encuentra estudiando actualmente en el CEA infantil y participa en la telenovela "Mi corazón es tuyo", se ha ganado el cariño del público con su gran actuación y su manera tierna de interpretar.
Sus primeras actuaciones fueron en el programa "La Rosa de Guadalupe", los capítulos que realizó fueron "La primera puerta" en 2013 y "La prima fea" en 2014. Ahora, comparte créditos con Silvia Navarro y Jorge Salinas en "Mi corazón es tuyo", donde interpreta a Luz Lascuráin Diez, una de las hijas de Salinas.
Sin duda es una pequeñita que tiene mucho futuro en la actuación, además de que ha logrado tener una amistad muy buena con los actores, pues se lleva de maravilla con el resto del elenco, sobre todo con Silvia Navarro quien la considera una princesa y le admira su talento nato para la interpretación.
Nació el 27 de enero de 2007 en la Ciudad de México bajo el signo de Acuario, le gusta cantar, bailar, practicar gimnasia y, por supuesto, tiene un talento natural para la actuación.
Esta hermosa princesita de tan sólo siete años, de cabello rubio y ojos azules ha demostrado ser una muy buena actriz, pues cuando las indicaciones de producción son que llore un poco, no duda en mostrar sus dotes de actuación y estremece al elenco entero con sus lágrimas.
La pequeña Isabella, quien se encuentra estudiando actualmente en el CEA infantil y participa en la telenovela "Mi corazón es tuyo", se ha ganado el cariño del público con su gran actuación y su manera tierna de interpretar.
Sus primeras actuaciones fueron en el programa "La Rosa de Guadalupe", los capítulos que realizó fueron "La primera puerta" en 2013 y "La prima fea" en 2014. Ahora, comparte créditos con Silvia Navarro y Jorge Salinas en "Mi corazón es tuyo", donde interpreta a Luz Lascuráin Diez, una de las hijas de Salinas.
Sin duda es una pequeñita que tiene mucho futuro en la actuación, además de que ha logrado tener una amistad muy buena con los actores, pues se lleva de maravilla con el resto del elenco, sobre todo con Silvia Navarro quien la considera una princesa y le admira su talento nato para la interpretación.
Teilor Grubbs
Esta hermosa y talentosa jovencita de tan solo 13 años nació el 27 de octubre de 2001 en Honolulu, Hawaii, en los Estados Unidos.
Antes de su exitoso debut en series de televisión, Teilor participó en el evento Premier Models and Talent en su isla natal en donde se ganó el derecho para hacer su primera aparición en un comercial de Hawaiian Airlines y para la marca Pottery Barn.
Esta inquieta pequeñita de mirada tierna y cautivadora ha aparecido también en las campañas publicitarias para seis complejos turísticos en Hawaii y estudia en la Academia de Cine y Televisión bajo la supervisión personal de Scott Rogers y los cursos de modelaje y actuación de Susan Page.
Teilor además es una decidida atleta y participa como porrista en su escuela.
Para el año 2010 recibió la oportunidad de hacer el casting para el remake de la exitosa serie "Hawaii 5-0", ganando el papel de Grace Williams, la pequeña hija del detective Danny Williams, interpretado por Scott Cann, y en donde se ha ganado los elogios de sus compañeros de reparto, productores y público en general por su excelente interpretación, de hecho la química que surge entre "padre e hija" se contagia al resto del elenco, ya que cuando comparten escenas siempre se ve el cariño y admiración que sienten hacia ella.
Es cierto, no tiene más programas, pero si tomamos en cuenta que su rostro y su inocencia son los que nos invitan a visitar estas hermosas islas... ¿necesitamos de una mejor representante?
Esta hermosa y talentosa jovencita de tan solo 13 años nació el 27 de octubre de 2001 en Honolulu, Hawaii, en los Estados Unidos.
Antes de su exitoso debut en series de televisión, Teilor participó en el evento Premier Models and Talent en su isla natal en donde se ganó el derecho para hacer su primera aparición en un comercial de Hawaiian Airlines y para la marca Pottery Barn.
Esta inquieta pequeñita de mirada tierna y cautivadora ha aparecido también en las campañas publicitarias para seis complejos turísticos en Hawaii y estudia en la Academia de Cine y Televisión bajo la supervisión personal de Scott Rogers y los cursos de modelaje y actuación de Susan Page.
Teilor además es una decidida atleta y participa como porrista en su escuela.
Para el año 2010 recibió la oportunidad de hacer el casting para el remake de la exitosa serie "Hawaii 5-0", ganando el papel de Grace Williams, la pequeña hija del detective Danny Williams, interpretado por Scott Cann, y en donde se ha ganado los elogios de sus compañeros de reparto, productores y público en general por su excelente interpretación, de hecho la química que surge entre "padre e hija" se contagia al resto del elenco, ya que cuando comparten escenas siempre se ve el cariño y admiración que sienten hacia ella.
Es cierto, no tiene más programas, pero si tomamos en cuenta que su rostro y su inocencia son los que nos invitan a visitar estas hermosas islas... ¿necesitamos de una mejor representante?
Sofía Escobar
Nació el 15 de agosto de 2005 en Cuautlancingo, Puebla.
La pequeña de nueve años nació en la capital poblana pero actualmente estudia y vive en Cuautlancingo. Sus raíces paternas son de Ciudad Serdán y en su familia el talento musical se ha heredado de generación en generación por lo que ella comenzó a cantar desde que tenía tres años.
En Tv Azteca le llaman el terremoto poblano. Su nombre es Sofía Escobar y representa a Puebla en el reality La Academia Kids Lala.
En su perfil en Facebook Sofia Escobar en la Academia Kids Lala ya suma casi 3 mil 500 “me gusta” y a raíz de su participación en 15 programas de dicho concurso se ha creado el concepto de “sofilovers” para que más simpatizantes voten por ella en la página oficial pues hay que recordar que además del talento en este tipo de producciones la popularidad juega un papel importante.
Sofía Escobar (Corazón bipolar, Manías, No te pido flores, Víveme, No importa la distancia, We are never getting back together, Desafiando la gravedad, Carcacha, Por ti, Mi amor amor, Que te quería, Cómo la flor, Volverte a amar, Suerte, En cambio no, Hasta mañana, Suerte, Te dejo en libertad, Recuerdo, Me muero, Niño).
Nació el 15 de agosto de 2005 en Cuautlancingo, Puebla.
La pequeña de nueve años nació en la capital poblana pero actualmente estudia y vive en Cuautlancingo. Sus raíces paternas son de Ciudad Serdán y en su familia el talento musical se ha heredado de generación en generación por lo que ella comenzó a cantar desde que tenía tres años.
En Tv Azteca le llaman el terremoto poblano. Su nombre es Sofía Escobar y representa a Puebla en el reality La Academia Kids Lala.
En su perfil en Facebook Sofia Escobar en la Academia Kids Lala ya suma casi 3 mil 500 “me gusta” y a raíz de su participación en 15 programas de dicho concurso se ha creado el concepto de “sofilovers” para que más simpatizantes voten por ella en la página oficial pues hay que recordar que además del talento en este tipo de producciones la popularidad juega un papel importante.
Sofía Escobar (Corazón bipolar, Manías, No te pido flores, Víveme, No importa la distancia, We are never getting back together, Desafiando la gravedad, Carcacha, Por ti, Mi amor amor, Que te quería, Cómo la flor, Volverte a amar, Suerte, En cambio no, Hasta mañana, Suerte, Te dejo en libertad, Recuerdo, Me muero, Niño).
Elle Fanning
Mary Elle Fanning Arrington nació en Conyers, Georgia, el 9 de abril de 1998.
Fanning apareció por primera vez en el medio cinematográfico cuando tenía dos años de edad, interpretando la versión joven del personaje de su hermana en "Yo soy Sam" (2001). Su primer gran papel, sin Dakota, fue a los cuatro años en la película de 2003 "Daddy Day Care", compartiendo el reparto con actores como Eddie Murphy. Es la hermana menor de Dakota Fanning, también actriz. Tiene ascendencia alemana e irlandesa. Fanning y su familia son miembros de la Convención Bautista del Sur. Ella ha sido citada diciendo: "Somos hermanas normales, vamos a la misma escuela y jugamos juntas".
En 2003, Fanning filmó "The Door in the Floor" junto a Jeff Bridges y Kim Basinger. Una evidencia anecdótica de su talento fue la decisión de su elección para el papel de Ruth en esta película. Los productores del filme habían planeado originalmente contratar a gemelos idénticos para el rodaje, pero estaban tan impresionados con Fanning que la contrataron solo a ella.
A principios de 2005, Fanning filmó escenas en "La telaraña de Charlotte" como la "nieta de futuro" de Fern Arable interpretada por Dakota Fanning. Sin embargo, las escenas no se incluyeron en el corte final. A mediados de 2005, interpretó a Debbie, la hija de Brad Pitt y Cate Blanchett en "Babel". A principios de 2006, Fanning participó en escenas de "The Nines" y "Déjà Vu"
A finales de 2006, Fanning empezó a interpretar papeles principales. El primero fue en "Reservation Road", interpretando a Emma Learner, la hija de los personajes de Joaquin Phoenix y Jennifer Connelly. La película trata de las consecuencias de un trágico accidente de coche en el que muere el hermano de Emma. A finales de 2008, tuvo un pequeño papel en "El curioso caso de Benjamin Button" como una versión más joven del personaje de Cate Blanchett; a mediados de 2007, Fanning filmó "Phoebe in Wonderland" en el papel de Phoebe. Es la historia fantástica de una niña que no quiere-o no puede- seguir las reglas, compartiendo roles con Felicity Huffman. La película fue lanzada en marzo de 2009. De julio a octubre de 2007, Fanning filmó "The Nutcracker in 3D", interpretando a María, ambientada en la Viena de 1920, este es un cuento de una niña cuyo padrino le da una muñeca especial en la víspera de Navidad. La película fue filmada en Budapest, Hungría y fue lanzada a finales de 2010.
En abril de 2009, la revista Variety informó que Fanning sería protagonista de la nueva película de la oscarizada guionista Sofia Coppola, "Somewhere", la trama gira en torno a un "chico malo", un actor que se ve obligado a re evaluar su vida cuando su hija, interpretada por Fanning, llega inesperadamente. La película fue estrenada durante la temporada de premios 2010 - en su primer festival de cine, el 67.ª Festival de Venecia, la película ganó el primer premio, el León de Oro.
Fanning también ha trabajado bajo la dirección de J.J. Abrams, interpretando a Alice en la película de ciencia-ficción "Super 8", estrenada en 2011. A finales de 2010 Fanning comenzó la filmación de la nueva película de Francis Ford Coppola titulada "Twixt Now and Sunrise", que él escribió basándose en un sueño. Elle interpreta el papel de una fantasma joven llamada V.
En 2011 Fanning interpreta el papel de Lily en la nueva película de Cameron Crowe, "We Bought a Zoo". Lily es una chica de 13 años que ilegalmente está trabajando en el restaurante del parque zoológico en el cual vive con su única figura materna, una mujer llamada Kelly interpretada por Scarlett Johansson.
En el verano del 2012 en Londres empezó la grabación de "Maléfica" junto a Angelina Jolie, dando vida a la Princesa Aurora. En la película "Ginger & Rosa", dirigida por Sally Potter, interpreta el personaje de Ginger. Fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto International el 7 de septiembre de 2012.
Mary Elle Fanning Arrington nació en Conyers, Georgia, el 9 de abril de 1998.
Fanning apareció por primera vez en el medio cinematográfico cuando tenía dos años de edad, interpretando la versión joven del personaje de su hermana en "Yo soy Sam" (2001). Su primer gran papel, sin Dakota, fue a los cuatro años en la película de 2003 "Daddy Day Care", compartiendo el reparto con actores como Eddie Murphy. Es la hermana menor de Dakota Fanning, también actriz. Tiene ascendencia alemana e irlandesa. Fanning y su familia son miembros de la Convención Bautista del Sur. Ella ha sido citada diciendo: "Somos hermanas normales, vamos a la misma escuela y jugamos juntas".
En 2003, Fanning filmó "The Door in the Floor" junto a Jeff Bridges y Kim Basinger. Una evidencia anecdótica de su talento fue la decisión de su elección para el papel de Ruth en esta película. Los productores del filme habían planeado originalmente contratar a gemelos idénticos para el rodaje, pero estaban tan impresionados con Fanning que la contrataron solo a ella.
A principios de 2005, Fanning filmó escenas en "La telaraña de Charlotte" como la "nieta de futuro" de Fern Arable interpretada por Dakota Fanning. Sin embargo, las escenas no se incluyeron en el corte final. A mediados de 2005, interpretó a Debbie, la hija de Brad Pitt y Cate Blanchett en "Babel". A principios de 2006, Fanning participó en escenas de "The Nines" y "Déjà Vu"
A finales de 2006, Fanning empezó a interpretar papeles principales. El primero fue en "Reservation Road", interpretando a Emma Learner, la hija de los personajes de Joaquin Phoenix y Jennifer Connelly. La película trata de las consecuencias de un trágico accidente de coche en el que muere el hermano de Emma. A finales de 2008, tuvo un pequeño papel en "El curioso caso de Benjamin Button" como una versión más joven del personaje de Cate Blanchett; a mediados de 2007, Fanning filmó "Phoebe in Wonderland" en el papel de Phoebe. Es la historia fantástica de una niña que no quiere-o no puede- seguir las reglas, compartiendo roles con Felicity Huffman. La película fue lanzada en marzo de 2009. De julio a octubre de 2007, Fanning filmó "The Nutcracker in 3D", interpretando a María, ambientada en la Viena de 1920, este es un cuento de una niña cuyo padrino le da una muñeca especial en la víspera de Navidad. La película fue filmada en Budapest, Hungría y fue lanzada a finales de 2010.
En abril de 2009, la revista Variety informó que Fanning sería protagonista de la nueva película de la oscarizada guionista Sofia Coppola, "Somewhere", la trama gira en torno a un "chico malo", un actor que se ve obligado a re evaluar su vida cuando su hija, interpretada por Fanning, llega inesperadamente. La película fue estrenada durante la temporada de premios 2010 - en su primer festival de cine, el 67.ª Festival de Venecia, la película ganó el primer premio, el León de Oro.
Fanning también ha trabajado bajo la dirección de J.J. Abrams, interpretando a Alice en la película de ciencia-ficción "Super 8", estrenada en 2011. A finales de 2010 Fanning comenzó la filmación de la nueva película de Francis Ford Coppola titulada "Twixt Now and Sunrise", que él escribió basándose en un sueño. Elle interpreta el papel de una fantasma joven llamada V.
En 2011 Fanning interpreta el papel de Lily en la nueva película de Cameron Crowe, "We Bought a Zoo". Lily es una chica de 13 años que ilegalmente está trabajando en el restaurante del parque zoológico en el cual vive con su única figura materna, una mujer llamada Kelly interpretada por Scarlett Johansson.
En el verano del 2012 en Londres empezó la grabación de "Maléfica" junto a Angelina Jolie, dando vida a la Princesa Aurora. En la película "Ginger & Rosa", dirigida por Sally Potter, interpreta el personaje de Ginger. Fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto International el 7 de septiembre de 2012.
Gael García Bernal
Gael García Bernal (Guadalajara, 30 de noviembre de 1978) es un actor, productor y director mexicano.
Gael es hijo de los actores José Ángel García y Patricia Bernal medio hermano de la actriz Tamara Yazbek Bernal y Dario Yazbek Bernal hijos de Patricia Bernal y primo del Actor y Productor de Cine y Teatro Michel Bernal Meral.
Se mudó a Londres para estudiar actuación en la Central School of Speech and Drama actuó en cortos como "De tripas corazón", que fue nominado al Óscar. Su primera película fue "Amores perros" en 2000. Esta película fue un éxito de taquilla y fue nominada al Óscar como Mejor Película Extranjera. En el año 2001 filmó "Y tu mamá también", una película cargada de sexualidad que a pesar de no ser elegida por México para representar al país en el Óscar, fue nominada al Mejor Guion. En 2002, actuó en "El crimen del Padre Amaro" interpretando el papel que da nombre a la película. Esta película fue también nominada al Óscar como Mejor Película Extranjera. En 2004 actuó en las exitosas películas, tales como "Diarios de motocicleta" del brasileño Walter Salles y, por primera vez para el cine español en "La mala educación", de Pedro Almodóvar, rol en el cual ganó a mejor actor de largometraje en el Festival Internacional de Cine de Valdivia. La biografía de Gael está incluida en la Enciclopedia Británica. La revista People en español ha incluido a Gael en las listas de Artista mejor vestido, Soltero más deseado y Las 50 bellezas latinas. La revista para hombres GQ lo nombró uno de los Hombres del año en 2004, al lado del estadounidense Tom Cruise y el británico Jude Law.
Ha trabajado más en Europa que en los Estados Unidos.
Gael García Bernal y Diego Luna son propietarios de la productora Canana Films, a través de la cual apoyan el festival Ambulante gira de documentales.1 La compañía se unió con Golden Phoenix Productions propiedad del Discovery Channel, para producir conjuntamente varios documentales en televisión sobre los asesinatos sin resolver de más de 300 mujeres en la ciudad fronteriza de Ciudad Juárez (México). Su última aparición en cine es el 2012 con el estreno (9 de agosto) de la película chilena "No" de Pablo Larraín, en la cual interpreta a René Saavedra, un publicista chileno exiliado en México que regresa a Chile y le proponen hacerse cargo de la campaña publicitaria del No, que derrota a Pinochet en las urnas en el plebiscito de Chile de 1988. La película obtuvo una nominación al Óscar como Mejor película extranjera en enero de 2013.
Gael García Bernal (Guadalajara, 30 de noviembre de 1978) es un actor, productor y director mexicano.
Gael es hijo de los actores José Ángel García y Patricia Bernal medio hermano de la actriz Tamara Yazbek Bernal y Dario Yazbek Bernal hijos de Patricia Bernal y primo del Actor y Productor de Cine y Teatro Michel Bernal Meral.
Se mudó a Londres para estudiar actuación en la Central School of Speech and Drama actuó en cortos como "De tripas corazón", que fue nominado al Óscar. Su primera película fue "Amores perros" en 2000. Esta película fue un éxito de taquilla y fue nominada al Óscar como Mejor Película Extranjera. En el año 2001 filmó "Y tu mamá también", una película cargada de sexualidad que a pesar de no ser elegida por México para representar al país en el Óscar, fue nominada al Mejor Guion. En 2002, actuó en "El crimen del Padre Amaro" interpretando el papel que da nombre a la película. Esta película fue también nominada al Óscar como Mejor Película Extranjera. En 2004 actuó en las exitosas películas, tales como "Diarios de motocicleta" del brasileño Walter Salles y, por primera vez para el cine español en "La mala educación", de Pedro Almodóvar, rol en el cual ganó a mejor actor de largometraje en el Festival Internacional de Cine de Valdivia. La biografía de Gael está incluida en la Enciclopedia Británica. La revista People en español ha incluido a Gael en las listas de Artista mejor vestido, Soltero más deseado y Las 50 bellezas latinas. La revista para hombres GQ lo nombró uno de los Hombres del año en 2004, al lado del estadounidense Tom Cruise y el británico Jude Law.
Ha trabajado más en Europa que en los Estados Unidos.
Gael García Bernal y Diego Luna son propietarios de la productora Canana Films, a través de la cual apoyan el festival Ambulante gira de documentales.1 La compañía se unió con Golden Phoenix Productions propiedad del Discovery Channel, para producir conjuntamente varios documentales en televisión sobre los asesinatos sin resolver de más de 300 mujeres en la ciudad fronteriza de Ciudad Juárez (México). Su última aparición en cine es el 2012 con el estreno (9 de agosto) de la película chilena "No" de Pablo Larraín, en la cual interpreta a René Saavedra, un publicista chileno exiliado en México que regresa a Chile y le proponen hacerse cargo de la campaña publicitaria del No, que derrota a Pinochet en las urnas en el plebiscito de Chile de 1988. La película obtuvo una nominación al Óscar como Mejor película extranjera en enero de 2013.
Michael Jackson
Michael Joseph Jackson nació en Gary, Indiana, el 29 de agosto de 1958 y falleció en Los Ángeles, California, el 25 de junio de 2009. Más conocido como Michael Jackson, fue un cantante, compositor, bailarín, actor, productor, empresario y filántropo estadounidense. Conocido como el «Rey del Pop», sus contribuciones a la música y el baile le hicieron una figura mundial en la cultura popular durante más de cuatro décadas. Fue incluido en el Libro Guinness de los récords en numerosas ocasiones, entre ellos por ser el artista musical más premiado de la historia, con cientos de galardones, entre ellos 15 premios Grammy; el vocalista más joven en liderar la lista de sencillos en los Estados Unidos, con 11 años de edad; el primer vocalista en entrar en la lista de sencillos directamente en el número 1, con "You are not alone"; mayor número de semanas en el número 1 de la lista de álbumes (sin incluir banda sonoras) en Estados Unidos, con "Thriller", durante 37 semanas; videoclip más exitoso, "Michael Jackson's Thriller", con alrededor de 1 millón de unidades vendidas; primer animador en ganar más de 100 millones de dólares en un año; animador mejor pagado de todos los tiempos (125 millones de dólares en la lista Forbes de 1989); y animador más exitoso de todos los tiempos.
Durante su infancia vivió en una casa en su tierra natal de Gary, Indiana, con sus padres y sus ocho hermanos. Desde temprana edad Michael demostró interés por la música, cuando cantaba en las celebraciones navideñas del jardín de infancia al que asistía. En 1964, su hermano Marlon y él se unieron a la banda musical Jackson Brothers, formada por sus hermanos mayores —Jackie, Tito, y Jermaine— donde tocaban unos pequeños bongós y panderetas. Michael destacó del resto de sus hermanos por su habilidad para cantar y bailar, y se convirtió, junto a su hermano Jermaine, en vocalista del grupo, al que posteriormente denominaron The Jackson Five.
En 1967, lanzaron el sencillo "Big Boy" con la discográfica Steeltown. Al año siguiente, recomendados por Gladys Knight y por el productor Bobby Taylor, hicieron una audición para Motown Records, en la que Berry Gordy, dueño y jefe de la discográfica, decidió contratarlos tras ver una cinta de vídeo en la que Michael hacía versiones de temas de James Brown junto a sus hermanos. Más tarde, en 1969 lanzaron el sencillo "I Want You Back", canción que alcanzó la primera posición de la lista Billboard Hot 100. Un éxito similar tuvieron sus tres siguientes sencillos, "ABC", "The Love You Save" y "I'll Be There", los cuales también llegaron a la cima de las listas de éxitos.
En 1972, a los catorce años de edad, inició su carrera en solitario, al tiempo que compatibilizaba su labor como vocalista del grupo que formaba con sus hermanos. Llegaron a los primeros puestos de la lista Billboard Hot 100 las canciones "Got to Be There" (cuarto lugar), "Ben" (primer lugar), tema central de la película del mismo nombre, y "Rockin' Robin" (segundo lugar). En junio de 1975, The Jackson 5 firmaron un contrato con Epic Records, filial de CBS Records y cambiaron su nombre por el de The Jacksons. Continuaron realizando giras de conciertos en los siguientes años y entre 1976 y 1984 lanzaron seis álbumes de estudio, para los cuales Michael escribió varias canciones, como por ejemplo "Shake Your Body (Down to the Ground)", "This Place Hotel" y "Can You Feel It".
En 1978, el cantante interpretó el papel de Espantapájaros en la película "El mago", remake del musical "El Mago de Oz", de 1939, realizada esta vez por actores de origen afroamericano. Durante el rodaje conoció al productor Quincy Jones, con quien trabajó en los siguientes años. Jones lo convenció para que produjeran juntos el siguiente álbum de estudio del artista, "Off the Wall". En 1979, se lesionó la nariz realizando una compleja rutina de baile y debió someterse a una rinoplastia, ya que además tenía problemas para respirar. Algunas de las canciones que conformaron el álbum fueron compuestas por Rod Temperton, Stevie Wonder y Paul McCartney; el disco fue publicado en 1979 y fue el primer trabajo discográfico de Jackson en contener cuatro sencillos que llegaron al Top 10 del Billboard Hot 100, entre los que se hallan "Don't Stop 'til You Get Enough" y "Rock With You". "Off the Wall" alcanzó el puesto número tres del Billboard 200 y vendió más de veinte millones de copias en todo el mundo.
En 1982, contribuyó con la canción "Someone In the Dark" al audiolibro de la película "E.T. El Extra-Terrestre", grabación por la cual recibió un premio Grammy al mejor álbum para niños. En ese mismo año, el cantante lanzó su segundo álbum con Epic, "Thriller". Este permaneció durante ochenta semanas consecutivas en el Top 10 de la lista Billboard 200, 37 de ellas en la cima de dicha publicación. Esta fue la primera producción discográfica en contener siete sencillos que alcanzaron el Top 10 de la publicación Billboard Hot 100, entre los que se hallan "Billie Jean", "Beat It," y "Wanna Be Startin' Somethin'." El éxito de "Thriller" le permitió ser el álbum más vendido de todos los tiempos, con 65 millones de copias en todo el mundo. Asimismo, obtuvo la certificación de la Recording Industry Association of America con «doble diamante». El éxito del mismo se debió en buena parte al videoclip del sencillo que da título al álbum, un cortometraje de más de 13 minutos de duración dirigido por John Landis.De hecho, los vídeos que acompañaron a las canciones "Billie Jean" y "Beat It" (especialmente ésta última) le abrieron a Jackson el acceso a MTV, por aquel entonces un nuevo canal televisivo de música, siendo el primer cantante afroamericano que lo conseguía.
El 25 de marzo de 1983, actuó en el especial televisivo Motown 25: Yesterday, Today, Forever, donde interpretó la canción "Billie Jean" y presentó como sorpresa su paso coreográfico «moonwalk», que causó asombro y que sería imitado por los aficionados al break dance. Su actuación fue seguida por 47 millones de televidentes y fue comparada con las apariciones que realizaron Elvis Presley y The Beatles en el Ed Sullivan Show.
En 1985, junto a Lionel Richie y un extenso número de cantantes famosos, entre los que se hallan Stevie Wonder, Diana Ross, Tina Turner, Bob Dylan y Bruce Springsteen, entre otros, lanzó "USA for Africa", una producción musical que contenía el sencillo "We Are the World", que reunió millones de dólares para ayudar a la población hambrienta de Etiopía y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de la historia. En ese año, ATV Music puso a la venta los derechos de autor sobre las canciones más representativas del grupo The Beatles, compuestas en su mayoría por el dúo de compositores Lennon/McCartney. Jackson se interesó en comprar este catálogo de canciones después de haber trabajado con McCartney, a comienzos de los años 1980. Finalmente, después de diez meses de negociaciones, Michael adquirió el catálogo, luego de pagar 47 millones de dólares.
Después lanzó "Bad" (1987), su primer álbum de estudio en cinco años. Esta producción fue un gran triunfo comercial, aunque no alcanzó las ventas logradas por su anterior trabajo discográfico, "Thriller". De este disco se desprendieron siete exitosos sencillos, de los cuales cinco de ellos ("I Just Can't Stop Loving You", "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man in the Mirror" y "Dirty Diana") alcanzaron el primer puesto del Billboard Hot 100.
El 11 de septiembre de 1987 comenzó el Bad World Tour, gira que culminó el 14 de enero de 1989. Jackson ingresó al Libro Guinness de los Records cuando llenó por completo siete veces el estadio de Wembley, congregando a más de medio millón de espectadores. La gira constó de 123 conciertos y obtuvo una recaudación de 125 millones de dólares, parte de la cual donó a hospitales, orfanatos y a entidades de beneficencia.
En 1988 se presentó la película "Moonwalker", que contiene los videos musicales que acompañaron el lanzamiento de sus sencillos "Bad", "Smooth Criminal", "Speed Demon" y "Leave Me Alone". Este VHS llegó a la cima de la lista Billboard Top Music Video Cassette, que agrupaba los videos más vendidos, permaneciendo allí durante veintidós semanas consecutivas.
En marzo de 1988, compró una finca en Santa Inés, California, por diecisiete millones de dólares para construir allí su rancho "Neverland". En esta propiedad hizo que se construyera un parque de atracciones, un zoológico y un cine.
Gracias a la enorme popularidad que cosechó fue apodado «el rey del pop». Este sobrenombre lo popularizó su amiga Elizabeth Taylor, cuando en una entrega de premios lo presentó como «el auténtico rey del pop, rock y soul».
En marzo de 1991, renovó su contrato con Sony por 65 millones de dólares. En ese año publicó "Dangerous", su octavo álbum de estudio. El primer sencillo del álbum fue "Black or White", el cual alcanzó el puesto número uno del Billboard Hot 100 y permaneció allí durante siete semanas consecutivas, con un éxito similar en otras partes del mundo. El segundo sencillo fue "Remember the Time", canción que se mantuvo durante ocho semanas entre los primeros cinco puestos del Billboard Hot 100, alcanzando como máxima posición el puesto número tres. "Heal the World", el tercer sencillo, consiguió gran éxito en Europa, especialmente en el Reino Unido, donde vendió 450.000 copias y se mantuvo durante cinco semanas en el segundo puesto de las listas de éxitos en 1992. Este mismo año el cantante creó la "Heal the World Foundation" para poder ayudar a través de ella a los niños más desamparados del mundo, víctimas de la violencia, la pobreza y las enfermedades terminales.
Una de las actuaciones más aclamadas del artista fue la que realizó en el Super Bowl XXVII. Cuando se presentó en el escenario, lo hizo vestido con una chaqueta militar de color dorada y unos lentes oscuros, y permaneció casi inmóvil durante varios minutos ante la ovación del público presente. Después se quitó lentamente las gafas, para luego comenzar a cantar y bailar. En este espectáculo interpretó las canciones "Jam", "Billie Jean", "Black or White" y "Heal the World". Este segmento fue seguido en vivo por más de 135 millones de espectadores sólo en Estados Unidos. En la entrega de los Grammy de 1993, Michael Jackson recibió el premio "Living Legend" por su contribución a la música. Por su sencillo "Black or White" fue nominado como mejor vocalista de pop, mientras que por "Jam" fue nominado como mejor vocalista de R&B y mejor canción de R&B.
En 1995 publicó el álbum doble "History: Past, Present and Future, Book I". El primer disco, contenía los temas más exitosos de su carrera, mientras que el segundo compacto, contenía quince nuevas canciones. Esta producción llegó al puesto número uno del Billboard 200. El primer sencillo del disco, "Scream", grabado a dúo con su hermana Janet, alcanzó la posición número cinco del Billboard Hot 100 y fue nominado al Grammy como mejor colaboración pop. El segundo sencillo fue "You Are Not Alone", el cual ingresó al Libro Guinness de los Récords como la primera canción que debutó en el primer puesto de la lista Billboard Hot 100. El tercer sencillo fue "Earth Song", el cual consiguió gran éxito en el Reino Unido donde permaneció durante seis semanas en la cima de las listas de popularidad.
En 1997, lanzó "Blood on the Dance Floor: History in the Mix", un álbum compuesto por cinco canciones nuevas y ocho mezclas procedentes del disco History.
En octubre de 2001 publicó el álbum "Invincible", su primer trabajo discográfico en estudio en seis años. Antes del lanzamiento de este disco, en el año 2000, había ocurrido una disputa entre el cantante y su compañía discográfica: Jackson estaba a la espera del vencimiento del contrato que daba derecho a la distribución de su material a Sony para no depender de la discográfica y hacerse cargo personalmente de promover el material como quisiese y de los beneficios que traería en consecuencia, lo que vendría a ocurrir a comienzos de los años 2000. Sin embargo, debido a diversas cláusulas en el contrato, la fecha del vencimiento resultó estar a muchos años de distancia. Al tiempo que esto ocurría, Jackson se percató que el abogado que lo representó en el caso, era asimismo el representante de Sony, lo que a su parecer significaba que no tenía un abogado parcial. Sumado a esto, el músico estaba preocupado por el hecho de que su discográfica estaba presionándolo para comprar parte de sus derechos de autor. El cantante buscó una salida anticipada a su contrato:105 Justo antes de la publicación del álbum, anunció al presidente de Sony, Tommy Mottola que dejaba la discográfica. En consecuencia, dos meses antes de su publicación, la promoción de los sencillos, vídeos musicales y todo lo relacionado con el álbum fue cancelado.
En septiembre de 2001, el cantante realizó un concierto en el Madison Square Garden para celebrar su trigésimo aniversario como solista, pocos días antes de los ataques del 11 de septiembre, en ésta ocasión apareció por primera vez desde 1984 junto a sus hermanos. El recital también contó con la participación de otros intérpretes como Mýa, Usher, Whitney Houston, 'N Sync, Destiny's Child, Monica, Luther Vandross y Slash, entre muchos otros.
Con motivo del 25 aniversario de la publicación de "Thriller", el disco más vendido de la historia, el 11 de febrero de 2008 Michael lanzó "Thriller 25", contenía las nueve canciones del álbum original y seis temas inéditos: "The Girl Is Mine 2008" y "P.Y.T. (Pretty Young Thing) 2008" con Will.i.am, "Wanna Be Startin' Somethin' 2008" con Akon, "Beat It 2008" con Fergie de Black Eyed Peas, "Billie Jean 2008", una mezcla realizada por Kanye West, y una balada llamada "For all time", no editada en la versión original del álbum y mezclada nuevamente y masterizada por él mismo. El DVD adicional incluyó los videoclips de "Thriller", "Beat It" y "Billie Jean"; además de actuaciones en directo durante el especial Motown 25: Yesterday, Today, Forever de la NBC en 1983. Como conmemoración de su 50º cumpleaños, publicó el álbum recopilatorio "King of Pop", en países como Australia, Austria, Bélgica, Alemania, Hong Kong, Hungría, Japón, Países Bajos, Filipinas y el Reino Unido, para posteriormente ser publicado también en Argentina, Brasil, Chile, México, Finlandia, Francia, Grecia, Italia, Polonia, Rusia, España, Suecia, Tailandia y Turquía. Esta producción llegó a la cima de las listas de éxitos en todos los países donde fue lanzado.
El 5 de marzo de 2009, en un auditorio en Londres, ante 20 000 espectadores, Michael Jackson anunció su regreso a los escenarios con la gira "This Is It". Inicialmente, contaría con diez conciertos a celebrarse en dicha ciudad en el O2 Arena en el mes de julio. Según lo que él mismo dijo, estos conciertos serían los últimos que daría en la capital inglesa. En ellos, según el promotor de la gira Randy Philips, el artista interpretaría canciones inéditas, ya que él había compuesto y grabado nuevas canciones, tal como se afirmó tras su muerte. La expectativa aumentó la demanda del público, por lo que se agregaron cuarenta presentaciones más a las establecidas en un comienzo.
En la mañana del 25 de junio de 2009, el artista sufrió un parada cardiorrespiratoria en su mansión alquilada de Holmby Hills. Los miembros del servicio llamaron al teléfono de emergencia 911 para solicitar auxilio a las 12:21. Los paramédicos, quienes llegaron nueve minutos después, lo encontraron sin pulso ni respiración, por lo que le aplicaron reanimación cardiopulmonar y lo trasladaron al Ronald Reagan UCLA Medical Center, ubicado en Los Ángeles a la 1:14 pm. Pero a pesar de los esfuerzos de los médicos fue declarado muerto a las 2:26 pm.
El memorial público se celebró el 7 de julio de 2009 en el Staples Center de la ciudad de Los Ángeles, antes de que se realizara un servicio memorial para familiares y allegados al artista. La ceremonia pública fue seguida en directo por cerca de 2.500 millones de personas en todo el mundo. En el evento participaron los cantantes Stevie Wonder, Lionel Richie, Mariah Carey, John Mayer, Jennifer Hudson, Usher, Jermaine Jackson y Shaheen Jafargholi. Berry Gordy y Smokey Robinson dieron un discurso, mientras que Queen Latifah leyó el poema "We had him", el cual fue escrito para la ocasión por Maya Angelou.
Su funeral se celebró en privado el 3 de septiembre de 2009 en el Gran Mausoleo (Holly Terrace) situado en el cementerio Forest Lawn de Los Ángeles.
Michael Joseph Jackson nació en Gary, Indiana, el 29 de agosto de 1958 y falleció en Los Ángeles, California, el 25 de junio de 2009. Más conocido como Michael Jackson, fue un cantante, compositor, bailarín, actor, productor, empresario y filántropo estadounidense. Conocido como el «Rey del Pop», sus contribuciones a la música y el baile le hicieron una figura mundial en la cultura popular durante más de cuatro décadas. Fue incluido en el Libro Guinness de los récords en numerosas ocasiones, entre ellos por ser el artista musical más premiado de la historia, con cientos de galardones, entre ellos 15 premios Grammy; el vocalista más joven en liderar la lista de sencillos en los Estados Unidos, con 11 años de edad; el primer vocalista en entrar en la lista de sencillos directamente en el número 1, con "You are not alone"; mayor número de semanas en el número 1 de la lista de álbumes (sin incluir banda sonoras) en Estados Unidos, con "Thriller", durante 37 semanas; videoclip más exitoso, "Michael Jackson's Thriller", con alrededor de 1 millón de unidades vendidas; primer animador en ganar más de 100 millones de dólares en un año; animador mejor pagado de todos los tiempos (125 millones de dólares en la lista Forbes de 1989); y animador más exitoso de todos los tiempos.
Durante su infancia vivió en una casa en su tierra natal de Gary, Indiana, con sus padres y sus ocho hermanos. Desde temprana edad Michael demostró interés por la música, cuando cantaba en las celebraciones navideñas del jardín de infancia al que asistía. En 1964, su hermano Marlon y él se unieron a la banda musical Jackson Brothers, formada por sus hermanos mayores —Jackie, Tito, y Jermaine— donde tocaban unos pequeños bongós y panderetas. Michael destacó del resto de sus hermanos por su habilidad para cantar y bailar, y se convirtió, junto a su hermano Jermaine, en vocalista del grupo, al que posteriormente denominaron The Jackson Five.
En 1967, lanzaron el sencillo "Big Boy" con la discográfica Steeltown. Al año siguiente, recomendados por Gladys Knight y por el productor Bobby Taylor, hicieron una audición para Motown Records, en la que Berry Gordy, dueño y jefe de la discográfica, decidió contratarlos tras ver una cinta de vídeo en la que Michael hacía versiones de temas de James Brown junto a sus hermanos. Más tarde, en 1969 lanzaron el sencillo "I Want You Back", canción que alcanzó la primera posición de la lista Billboard Hot 100. Un éxito similar tuvieron sus tres siguientes sencillos, "ABC", "The Love You Save" y "I'll Be There", los cuales también llegaron a la cima de las listas de éxitos.
En 1972, a los catorce años de edad, inició su carrera en solitario, al tiempo que compatibilizaba su labor como vocalista del grupo que formaba con sus hermanos. Llegaron a los primeros puestos de la lista Billboard Hot 100 las canciones "Got to Be There" (cuarto lugar), "Ben" (primer lugar), tema central de la película del mismo nombre, y "Rockin' Robin" (segundo lugar). En junio de 1975, The Jackson 5 firmaron un contrato con Epic Records, filial de CBS Records y cambiaron su nombre por el de The Jacksons. Continuaron realizando giras de conciertos en los siguientes años y entre 1976 y 1984 lanzaron seis álbumes de estudio, para los cuales Michael escribió varias canciones, como por ejemplo "Shake Your Body (Down to the Ground)", "This Place Hotel" y "Can You Feel It".
En 1978, el cantante interpretó el papel de Espantapájaros en la película "El mago", remake del musical "El Mago de Oz", de 1939, realizada esta vez por actores de origen afroamericano. Durante el rodaje conoció al productor Quincy Jones, con quien trabajó en los siguientes años. Jones lo convenció para que produjeran juntos el siguiente álbum de estudio del artista, "Off the Wall". En 1979, se lesionó la nariz realizando una compleja rutina de baile y debió someterse a una rinoplastia, ya que además tenía problemas para respirar. Algunas de las canciones que conformaron el álbum fueron compuestas por Rod Temperton, Stevie Wonder y Paul McCartney; el disco fue publicado en 1979 y fue el primer trabajo discográfico de Jackson en contener cuatro sencillos que llegaron al Top 10 del Billboard Hot 100, entre los que se hallan "Don't Stop 'til You Get Enough" y "Rock With You". "Off the Wall" alcanzó el puesto número tres del Billboard 200 y vendió más de veinte millones de copias en todo el mundo.
En 1982, contribuyó con la canción "Someone In the Dark" al audiolibro de la película "E.T. El Extra-Terrestre", grabación por la cual recibió un premio Grammy al mejor álbum para niños. En ese mismo año, el cantante lanzó su segundo álbum con Epic, "Thriller". Este permaneció durante ochenta semanas consecutivas en el Top 10 de la lista Billboard 200, 37 de ellas en la cima de dicha publicación. Esta fue la primera producción discográfica en contener siete sencillos que alcanzaron el Top 10 de la publicación Billboard Hot 100, entre los que se hallan "Billie Jean", "Beat It," y "Wanna Be Startin' Somethin'." El éxito de "Thriller" le permitió ser el álbum más vendido de todos los tiempos, con 65 millones de copias en todo el mundo. Asimismo, obtuvo la certificación de la Recording Industry Association of America con «doble diamante». El éxito del mismo se debió en buena parte al videoclip del sencillo que da título al álbum, un cortometraje de más de 13 minutos de duración dirigido por John Landis.De hecho, los vídeos que acompañaron a las canciones "Billie Jean" y "Beat It" (especialmente ésta última) le abrieron a Jackson el acceso a MTV, por aquel entonces un nuevo canal televisivo de música, siendo el primer cantante afroamericano que lo conseguía.
El 25 de marzo de 1983, actuó en el especial televisivo Motown 25: Yesterday, Today, Forever, donde interpretó la canción "Billie Jean" y presentó como sorpresa su paso coreográfico «moonwalk», que causó asombro y que sería imitado por los aficionados al break dance. Su actuación fue seguida por 47 millones de televidentes y fue comparada con las apariciones que realizaron Elvis Presley y The Beatles en el Ed Sullivan Show.
En 1985, junto a Lionel Richie y un extenso número de cantantes famosos, entre los que se hallan Stevie Wonder, Diana Ross, Tina Turner, Bob Dylan y Bruce Springsteen, entre otros, lanzó "USA for Africa", una producción musical que contenía el sencillo "We Are the World", que reunió millones de dólares para ayudar a la población hambrienta de Etiopía y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de la historia. En ese año, ATV Music puso a la venta los derechos de autor sobre las canciones más representativas del grupo The Beatles, compuestas en su mayoría por el dúo de compositores Lennon/McCartney. Jackson se interesó en comprar este catálogo de canciones después de haber trabajado con McCartney, a comienzos de los años 1980. Finalmente, después de diez meses de negociaciones, Michael adquirió el catálogo, luego de pagar 47 millones de dólares.
Después lanzó "Bad" (1987), su primer álbum de estudio en cinco años. Esta producción fue un gran triunfo comercial, aunque no alcanzó las ventas logradas por su anterior trabajo discográfico, "Thriller". De este disco se desprendieron siete exitosos sencillos, de los cuales cinco de ellos ("I Just Can't Stop Loving You", "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man in the Mirror" y "Dirty Diana") alcanzaron el primer puesto del Billboard Hot 100.
El 11 de septiembre de 1987 comenzó el Bad World Tour, gira que culminó el 14 de enero de 1989. Jackson ingresó al Libro Guinness de los Records cuando llenó por completo siete veces el estadio de Wembley, congregando a más de medio millón de espectadores. La gira constó de 123 conciertos y obtuvo una recaudación de 125 millones de dólares, parte de la cual donó a hospitales, orfanatos y a entidades de beneficencia.
En 1988 se presentó la película "Moonwalker", que contiene los videos musicales que acompañaron el lanzamiento de sus sencillos "Bad", "Smooth Criminal", "Speed Demon" y "Leave Me Alone". Este VHS llegó a la cima de la lista Billboard Top Music Video Cassette, que agrupaba los videos más vendidos, permaneciendo allí durante veintidós semanas consecutivas.
En marzo de 1988, compró una finca en Santa Inés, California, por diecisiete millones de dólares para construir allí su rancho "Neverland". En esta propiedad hizo que se construyera un parque de atracciones, un zoológico y un cine.
Gracias a la enorme popularidad que cosechó fue apodado «el rey del pop». Este sobrenombre lo popularizó su amiga Elizabeth Taylor, cuando en una entrega de premios lo presentó como «el auténtico rey del pop, rock y soul».
En marzo de 1991, renovó su contrato con Sony por 65 millones de dólares. En ese año publicó "Dangerous", su octavo álbum de estudio. El primer sencillo del álbum fue "Black or White", el cual alcanzó el puesto número uno del Billboard Hot 100 y permaneció allí durante siete semanas consecutivas, con un éxito similar en otras partes del mundo. El segundo sencillo fue "Remember the Time", canción que se mantuvo durante ocho semanas entre los primeros cinco puestos del Billboard Hot 100, alcanzando como máxima posición el puesto número tres. "Heal the World", el tercer sencillo, consiguió gran éxito en Europa, especialmente en el Reino Unido, donde vendió 450.000 copias y se mantuvo durante cinco semanas en el segundo puesto de las listas de éxitos en 1992. Este mismo año el cantante creó la "Heal the World Foundation" para poder ayudar a través de ella a los niños más desamparados del mundo, víctimas de la violencia, la pobreza y las enfermedades terminales.
Una de las actuaciones más aclamadas del artista fue la que realizó en el Super Bowl XXVII. Cuando se presentó en el escenario, lo hizo vestido con una chaqueta militar de color dorada y unos lentes oscuros, y permaneció casi inmóvil durante varios minutos ante la ovación del público presente. Después se quitó lentamente las gafas, para luego comenzar a cantar y bailar. En este espectáculo interpretó las canciones "Jam", "Billie Jean", "Black or White" y "Heal the World". Este segmento fue seguido en vivo por más de 135 millones de espectadores sólo en Estados Unidos. En la entrega de los Grammy de 1993, Michael Jackson recibió el premio "Living Legend" por su contribución a la música. Por su sencillo "Black or White" fue nominado como mejor vocalista de pop, mientras que por "Jam" fue nominado como mejor vocalista de R&B y mejor canción de R&B.
En 1995 publicó el álbum doble "History: Past, Present and Future, Book I". El primer disco, contenía los temas más exitosos de su carrera, mientras que el segundo compacto, contenía quince nuevas canciones. Esta producción llegó al puesto número uno del Billboard 200. El primer sencillo del disco, "Scream", grabado a dúo con su hermana Janet, alcanzó la posición número cinco del Billboard Hot 100 y fue nominado al Grammy como mejor colaboración pop. El segundo sencillo fue "You Are Not Alone", el cual ingresó al Libro Guinness de los Récords como la primera canción que debutó en el primer puesto de la lista Billboard Hot 100. El tercer sencillo fue "Earth Song", el cual consiguió gran éxito en el Reino Unido donde permaneció durante seis semanas en la cima de las listas de popularidad.
En 1997, lanzó "Blood on the Dance Floor: History in the Mix", un álbum compuesto por cinco canciones nuevas y ocho mezclas procedentes del disco History.
En octubre de 2001 publicó el álbum "Invincible", su primer trabajo discográfico en estudio en seis años. Antes del lanzamiento de este disco, en el año 2000, había ocurrido una disputa entre el cantante y su compañía discográfica: Jackson estaba a la espera del vencimiento del contrato que daba derecho a la distribución de su material a Sony para no depender de la discográfica y hacerse cargo personalmente de promover el material como quisiese y de los beneficios que traería en consecuencia, lo que vendría a ocurrir a comienzos de los años 2000. Sin embargo, debido a diversas cláusulas en el contrato, la fecha del vencimiento resultó estar a muchos años de distancia. Al tiempo que esto ocurría, Jackson se percató que el abogado que lo representó en el caso, era asimismo el representante de Sony, lo que a su parecer significaba que no tenía un abogado parcial. Sumado a esto, el músico estaba preocupado por el hecho de que su discográfica estaba presionándolo para comprar parte de sus derechos de autor. El cantante buscó una salida anticipada a su contrato:105 Justo antes de la publicación del álbum, anunció al presidente de Sony, Tommy Mottola que dejaba la discográfica. En consecuencia, dos meses antes de su publicación, la promoción de los sencillos, vídeos musicales y todo lo relacionado con el álbum fue cancelado.
En septiembre de 2001, el cantante realizó un concierto en el Madison Square Garden para celebrar su trigésimo aniversario como solista, pocos días antes de los ataques del 11 de septiembre, en ésta ocasión apareció por primera vez desde 1984 junto a sus hermanos. El recital también contó con la participación de otros intérpretes como Mýa, Usher, Whitney Houston, 'N Sync, Destiny's Child, Monica, Luther Vandross y Slash, entre muchos otros.
Con motivo del 25 aniversario de la publicación de "Thriller", el disco más vendido de la historia, el 11 de febrero de 2008 Michael lanzó "Thriller 25", contenía las nueve canciones del álbum original y seis temas inéditos: "The Girl Is Mine 2008" y "P.Y.T. (Pretty Young Thing) 2008" con Will.i.am, "Wanna Be Startin' Somethin' 2008" con Akon, "Beat It 2008" con Fergie de Black Eyed Peas, "Billie Jean 2008", una mezcla realizada por Kanye West, y una balada llamada "For all time", no editada en la versión original del álbum y mezclada nuevamente y masterizada por él mismo. El DVD adicional incluyó los videoclips de "Thriller", "Beat It" y "Billie Jean"; además de actuaciones en directo durante el especial Motown 25: Yesterday, Today, Forever de la NBC en 1983. Como conmemoración de su 50º cumpleaños, publicó el álbum recopilatorio "King of Pop", en países como Australia, Austria, Bélgica, Alemania, Hong Kong, Hungría, Japón, Países Bajos, Filipinas y el Reino Unido, para posteriormente ser publicado también en Argentina, Brasil, Chile, México, Finlandia, Francia, Grecia, Italia, Polonia, Rusia, España, Suecia, Tailandia y Turquía. Esta producción llegó a la cima de las listas de éxitos en todos los países donde fue lanzado.
El 5 de marzo de 2009, en un auditorio en Londres, ante 20 000 espectadores, Michael Jackson anunció su regreso a los escenarios con la gira "This Is It". Inicialmente, contaría con diez conciertos a celebrarse en dicha ciudad en el O2 Arena en el mes de julio. Según lo que él mismo dijo, estos conciertos serían los últimos que daría en la capital inglesa. En ellos, según el promotor de la gira Randy Philips, el artista interpretaría canciones inéditas, ya que él había compuesto y grabado nuevas canciones, tal como se afirmó tras su muerte. La expectativa aumentó la demanda del público, por lo que se agregaron cuarenta presentaciones más a las establecidas en un comienzo.
En la mañana del 25 de junio de 2009, el artista sufrió un parada cardiorrespiratoria en su mansión alquilada de Holmby Hills. Los miembros del servicio llamaron al teléfono de emergencia 911 para solicitar auxilio a las 12:21. Los paramédicos, quienes llegaron nueve minutos después, lo encontraron sin pulso ni respiración, por lo que le aplicaron reanimación cardiopulmonar y lo trasladaron al Ronald Reagan UCLA Medical Center, ubicado en Los Ángeles a la 1:14 pm. Pero a pesar de los esfuerzos de los médicos fue declarado muerto a las 2:26 pm.
El memorial público se celebró el 7 de julio de 2009 en el Staples Center de la ciudad de Los Ángeles, antes de que se realizara un servicio memorial para familiares y allegados al artista. La ceremonia pública fue seguida en directo por cerca de 2.500 millones de personas en todo el mundo. En el evento participaron los cantantes Stevie Wonder, Lionel Richie, Mariah Carey, John Mayer, Jennifer Hudson, Usher, Jermaine Jackson y Shaheen Jafargholi. Berry Gordy y Smokey Robinson dieron un discurso, mientras que Queen Latifah leyó el poema "We had him", el cual fue escrito para la ocasión por Maya Angelou.
Su funeral se celebró en privado el 3 de septiembre de 2009 en el Gran Mausoleo (Holly Terrace) situado en el cementerio Forest Lawn de Los Ángeles.
Diego Luna
Diego Dionisio Luna Alexander nació en la Ciudad de México el 29 de diciembre de 1979; es hijo del escenógrafo Alejandro Luna y de la fallecida diseñadora de vestuario inglesa Fiona Alexander quien murió en un accidente automovilístico cuando él tenía 2 años.
Inició su carrera en el cine a los 8 años con el cortometraje "El último fin de báter". El año siguiente participó en su primera telenovela "El abuelo y yo" al lado de Gael García Bernal. En 1995 trabajó en la telenovela "El premio mayor" en donde hizo el papel de hijo de Carlos Bonavides (Huicho Domínguez) y Laura León. Alternó el cine y la televisión durante el resto de la década y en 2001 saltó al estrellato con Gael en la película "Y tu mamá también", la cual se convirtió en un éxito internacional. Esta cinta catapultó su carrera y desde entonces ha filmado en México, en los EE. UU. y España con actores como Sean Penn, James Franco, Salma Hayek, Kevin Costner, Tom Hanks, John C. Reilly, Jesús Ochoa, Penélope Cruz y Katy Perry; y en las telenovelas mexicanas con Gonzalo Vega, Gael García Bernal, Ludwika Paleta, Sergio Goyri, Laura León, Rebeca Jones, y Sasha Sokol.
En 2006, Diego estrenó en México su primer largometraje local desde "Nicotina" (2003), en el cual comparte protagonismo con la actriz brasileña Alicia Braga, se trata de "Solo Dios sabe", que relata la historia de amor de un periodista y una estudiante. Luna, que perdió a su madre cuando era pequeño, le ha dedicado a ella esta producción.
Diego recorrió muchas partes del país con la obra teatral "Las obras completas de William Shakespeare (Abreviadas)" junto a los actores Jesús Ochoa, Rodrigo Murray, siendo un éxito en taquilla y recuperando rápidamente su inversión. En cada función se hicieron 104 cambios de vestuario.
"Festen" fue otra obra de gran éxito que protagonizó este actor, junto a Diana Bracho y José María Yazpik la cual estuvo basada en un polémico y trágico filme de 1998.
En 2007 se estrenó la opera prima de Diego, un documental sobre Julio César Chávez. El 5 de febrero de 2008 contrae nupcias por lo civil con la también actriz y sobrina de la cantante Thalía, Camila Sodi con quien en agosto de 2008 tuvo su primer hijo.
Ha participado en los videoclips "The One That Got Away", de Katy Perry (2011) y "Baile de los Pobres", de Calle 13 (2010).
Su participación en telenovelas incluye: "Gritos de muerte y libertad" (2010), "Los Plateados" (2005-2006), "El alma herida" (2003-2004), "La vida en el espejo" (1999), "El amor de mi vida" (1998), "El premio mayor" (1995), "Ángeles sin paraíso" (1992) y "El abuelo y yo" (1992).
En el cine se cuentan "El libro de la vida" (2014), "César Chávez" (2014), "Elysium" (2013), "Contraband" (2012), "Casa de mi padre" (2012), "In the Playground" (2009), "Solo quiero caminar" (2008), "Milk" (2008), "Rudo y Cursi" (2008), "Mister Lonely" (2007), "El Búfalo de la Noche" (2007), "Toto Toto" (2006), "Amapola" (2005), "Tu vida en 65 minutos" (2005), "Solo Dios sabe" (2005), "Criminal" (2004), "Dirty Dancing: Havana Nights" (2004), "The Terminal" (2004), "Nicotina" (2003), "Soldados de Salamina" (2003), "Open Range" (2003), "Carambola" (2003), "Vampires: Los Muertos" (2002), "¡Fidel!" (2002), "Ciudades oscuras" (2002), "Frida" (2002), "Y tu mamá también" (2001), "Atlético San Pancho" (2001), "Todos los aviones del mundo" (2001), "El Cometa" (1999), "Un dulce olor a muerte" (1999), "Todo el poder" (1999), "Un hilito de sangre" (1995), "Morena" (1995), "Ámbar" (1994), y "El último fin de año" (1991).
Diego Dionisio Luna Alexander nació en la Ciudad de México el 29 de diciembre de 1979; es hijo del escenógrafo Alejandro Luna y de la fallecida diseñadora de vestuario inglesa Fiona Alexander quien murió en un accidente automovilístico cuando él tenía 2 años.
Inició su carrera en el cine a los 8 años con el cortometraje "El último fin de báter". El año siguiente participó en su primera telenovela "El abuelo y yo" al lado de Gael García Bernal. En 1995 trabajó en la telenovela "El premio mayor" en donde hizo el papel de hijo de Carlos Bonavides (Huicho Domínguez) y Laura León. Alternó el cine y la televisión durante el resto de la década y en 2001 saltó al estrellato con Gael en la película "Y tu mamá también", la cual se convirtió en un éxito internacional. Esta cinta catapultó su carrera y desde entonces ha filmado en México, en los EE. UU. y España con actores como Sean Penn, James Franco, Salma Hayek, Kevin Costner, Tom Hanks, John C. Reilly, Jesús Ochoa, Penélope Cruz y Katy Perry; y en las telenovelas mexicanas con Gonzalo Vega, Gael García Bernal, Ludwika Paleta, Sergio Goyri, Laura León, Rebeca Jones, y Sasha Sokol.
En 2006, Diego estrenó en México su primer largometraje local desde "Nicotina" (2003), en el cual comparte protagonismo con la actriz brasileña Alicia Braga, se trata de "Solo Dios sabe", que relata la historia de amor de un periodista y una estudiante. Luna, que perdió a su madre cuando era pequeño, le ha dedicado a ella esta producción.
Diego recorrió muchas partes del país con la obra teatral "Las obras completas de William Shakespeare (Abreviadas)" junto a los actores Jesús Ochoa, Rodrigo Murray, siendo un éxito en taquilla y recuperando rápidamente su inversión. En cada función se hicieron 104 cambios de vestuario.
"Festen" fue otra obra de gran éxito que protagonizó este actor, junto a Diana Bracho y José María Yazpik la cual estuvo basada en un polémico y trágico filme de 1998.
En 2007 se estrenó la opera prima de Diego, un documental sobre Julio César Chávez. El 5 de febrero de 2008 contrae nupcias por lo civil con la también actriz y sobrina de la cantante Thalía, Camila Sodi con quien en agosto de 2008 tuvo su primer hijo.
Ha participado en los videoclips "The One That Got Away", de Katy Perry (2011) y "Baile de los Pobres", de Calle 13 (2010).
Su participación en telenovelas incluye: "Gritos de muerte y libertad" (2010), "Los Plateados" (2005-2006), "El alma herida" (2003-2004), "La vida en el espejo" (1999), "El amor de mi vida" (1998), "El premio mayor" (1995), "Ángeles sin paraíso" (1992) y "El abuelo y yo" (1992).
En el cine se cuentan "El libro de la vida" (2014), "César Chávez" (2014), "Elysium" (2013), "Contraband" (2012), "Casa de mi padre" (2012), "In the Playground" (2009), "Solo quiero caminar" (2008), "Milk" (2008), "Rudo y Cursi" (2008), "Mister Lonely" (2007), "El Búfalo de la Noche" (2007), "Toto Toto" (2006), "Amapola" (2005), "Tu vida en 65 minutos" (2005), "Solo Dios sabe" (2005), "Criminal" (2004), "Dirty Dancing: Havana Nights" (2004), "The Terminal" (2004), "Nicotina" (2003), "Soldados de Salamina" (2003), "Open Range" (2003), "Carambola" (2003), "Vampires: Los Muertos" (2002), "¡Fidel!" (2002), "Ciudades oscuras" (2002), "Frida" (2002), "Y tu mamá también" (2001), "Atlético San Pancho" (2001), "Todos los aviones del mundo" (2001), "El Cometa" (1999), "Un dulce olor a muerte" (1999), "Todo el poder" (1999), "Un hilito de sangre" (1995), "Morena" (1995), "Ámbar" (1994), y "El último fin de año" (1991).
Daniel Radcliffe
Daniel Jacob Radcliffe nació en Fulham, Londres, el 23 de julio de 1989; es el único hijo de Alan George Radcliffe, un agente literario, y Marcia Jeannine Gresham .
Radcliffe expresó su deseo de actuar a la edad de cinco años y seis meses; sin embargo, su carrera profesional no comenzó hasta cinco años después, aunque ya había actuado en algunas obras escolares y solía representar escenas de las películas de James Bond. A los 9 años le llegó la oportunidad de encauzar su vocación por las artes dramáticas ya que un agente de casting amigo de su familia sugirió que audicionara para un papel en televisión; tras cinco audiciones consiguió el papel y en diciembre de 1999 hizo su debut en "David Copperfield" para la cadena televisiva BBC; allí, Radcliffe dio vida al protagonista en su etapa infantil. La película –dividida en dos partes– contó con la participación de Maggie Smith e Imelda Staunton, conocidas intérpretes británicas con las cuales luego trabajaría en la saga Harry Potter.
Su siguiente trabajo llegó en 2000 con "El sastre de Panamá", donde interpretó a Mark, el hijo mayor del matrimonio al que dan vida Geoffrey Rush y Jamie Lee Curtis. Durante el rodaje de ese pequeño papel, Lee Curtis se enteró de que la película Harry Potter y la piedra filosofal se hallaba en etapa de pre-producción y animó al muchacho a presentarse a las audiciones. Sus padres pensaron que sería un proceso demasiado duro y frustrante en caso de fracasar, así que no se lo permitieron. En agosto de 2000 –después de varias audiciones por las que pasaron cerca de cuarenta mil aspirantes– Radcliffe consiguió el papel protagónico en el largometraje dirigido por Chris Columbus. J. K. Rowling, autora de las novelas en que se basan las películas, declaró sentirse contenta por la elección del joven: «Luego de ver la prueba de cámara de Dan Radcliffe no puedo pensar que hubiesen encontrado un mejor Harry para tal película».
Desde que se anunció su participación en la serie cinematográfica, Radcliffe ha participado en todas las adaptaciones de las novelas de J. K. Rowling, siendo las dos primeras "Harry Potter y la piedra filosofal" (2001, Chris Columbus) y "Harry Potter y la cámara secreta" (2002, Chris Columbus). Al llegar la tercera cinta se produjo un cambio en la dirección y comenzaron los rumores sobre el posible reemplazo de Radcliffe y los co-protagonistas, Rupert Grint y Emma Watson, debido a su avanzada edad.
"Harry Potter y el prisionero de Azkaban" (2004) puso al actor bajo las órdenes del realizador mexicano Alfonso Cuarón, con quien manifestó sentirse a gusto trabajando ya que lo ayudó a expresar en su actuación la transición que sus personajes experimentaban; para lograrlo, el nuevo director le indicó que viera la película "Los 400 golpes" de François Truffaut y que escuchara música de bandas como Sex Pistols ya que eso le ayudaría a exteriorizar el estado de rebeldía que Harry experimentaba en su paso a la adolescencia. Además, esta cinta le permitió trabajar con el actor Gary Oldman, uno de sus intérpretes favoritos.
"Harry Potter y el cáliz de fuego" (2005, Mike Newell) fue su siguiente participación en la serie, entrega en la cual su personaje se veía inmerso de lleno en los problemas de la adolescencia al mismo tiempo que se enfrentaba a la resurrección de su enemigo y a la muerte de un compañero de escuela. "Harry Potter y la Orden del Fénix" (2007, David Yates) es, según declaraciones del actor, su película favorita por varias razones, entre ellas por haber trabajado con Yates, por las exigencias actorales que supuso el proyecto y por el elenco con el cual compartió pantalla. Su interpretación recibió algunos comentarios elogiosos que destacaron su maduración como actor frente a sus anteriores trabajos. En marzo de 2007 Daniel confirmó su participación en las restantes adaptaciones, "Harry Potter y el misterio del príncipe" (2009) y "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte", cuya primera parte fue estrenada el 19 de noviembre de 2010 a nivel mundial, mientras que la segunda entrega lo hizo el 15 de julio del 2011, todas ellas bajo la dirección de David Yates.
En diciembre de 2002, Daniel Radcliffe recibió una invitación para participar como invitado en la obra "The Play What I Wrote", que se llevó a cabo en un teatro del distrito West End y que fue dirigida por Kenneth Branagh. En julio de 2006, bajo fuertes rumores, la publicista de Radcliffe confirmó la participación del actor en la obra de teatro "Equus" de Peter Shaffer; su personaje sería Alan Stang, un chico que acaba en un psiquiátrico después de herir a seis caballos. La pieza, un oscuro drama psicológico sobre la pasión y el poder castrador que la sociedad ejerce sobre un individuo en desarrollo, había causado algo de revuelo en su estreno de 1973 por su temática y sus escenas impactantes. Según algunos tabloides ingleses, la elección de este papel causó numerosas críticas de los padres de los seguidores de Harry Potter, en especial cuando se hicieron públicas las primeras fotografías promocionales de la obra en las que Daniel aparecía semidesnudo con la actriz Joanna Christie; además, otras exigencias del libreto como el tener que fumar, insultar y hacer un desnudo frontal también espolearon las opiniones negativas. No obstante, tanto la publicista de Radcliffe como el actor declararon que la elección del papel no fue hecha para alejarse del personaje Harry Potter sino para expandir la carrera del actor. Tiempo después, el actor manifestó sus deseos de volver a trabajar en Broadway y declaró que estaba tomando clases de canto para una posible obra musical. En octubre de 2009 se confirmó que Radcliffe aparecería en la obra "How to Succeed in Business Without Really Trying", interpretando a un limpiaventanas que acaba dirigiendo una importante empresa.
En el año 2013. Radcliffe volvió al teatro con la comedia obscura "The Cripple of Inishmaan" de "Martin McDonagh", interpretando al personaje "Cripple" Billy Claven.
Entre el rodaje de la cuarta y quinta película de "Harry Potter", Radcliffe decidió trasladarse a Australia para filmar una película independiente, "December Boys", del realizador australiano Rob Hardy. Warner Bros Independent renombró la cinta como "Un verano para toda la vida" para su distribución en algunos países de Latinoamérica.
En 2012 interpretó a Arthur Kipps en la película "La dama de negro", un remake de la película homónima de 1989 a su vez, basado en una novela de Susan Hill.
Daniel Jacob Radcliffe nació en Fulham, Londres, el 23 de julio de 1989; es el único hijo de Alan George Radcliffe, un agente literario, y Marcia Jeannine Gresham .
Radcliffe expresó su deseo de actuar a la edad de cinco años y seis meses; sin embargo, su carrera profesional no comenzó hasta cinco años después, aunque ya había actuado en algunas obras escolares y solía representar escenas de las películas de James Bond. A los 9 años le llegó la oportunidad de encauzar su vocación por las artes dramáticas ya que un agente de casting amigo de su familia sugirió que audicionara para un papel en televisión; tras cinco audiciones consiguió el papel y en diciembre de 1999 hizo su debut en "David Copperfield" para la cadena televisiva BBC; allí, Radcliffe dio vida al protagonista en su etapa infantil. La película –dividida en dos partes– contó con la participación de Maggie Smith e Imelda Staunton, conocidas intérpretes británicas con las cuales luego trabajaría en la saga Harry Potter.
Su siguiente trabajo llegó en 2000 con "El sastre de Panamá", donde interpretó a Mark, el hijo mayor del matrimonio al que dan vida Geoffrey Rush y Jamie Lee Curtis. Durante el rodaje de ese pequeño papel, Lee Curtis se enteró de que la película Harry Potter y la piedra filosofal se hallaba en etapa de pre-producción y animó al muchacho a presentarse a las audiciones. Sus padres pensaron que sería un proceso demasiado duro y frustrante en caso de fracasar, así que no se lo permitieron. En agosto de 2000 –después de varias audiciones por las que pasaron cerca de cuarenta mil aspirantes– Radcliffe consiguió el papel protagónico en el largometraje dirigido por Chris Columbus. J. K. Rowling, autora de las novelas en que se basan las películas, declaró sentirse contenta por la elección del joven: «Luego de ver la prueba de cámara de Dan Radcliffe no puedo pensar que hubiesen encontrado un mejor Harry para tal película».
Desde que se anunció su participación en la serie cinematográfica, Radcliffe ha participado en todas las adaptaciones de las novelas de J. K. Rowling, siendo las dos primeras "Harry Potter y la piedra filosofal" (2001, Chris Columbus) y "Harry Potter y la cámara secreta" (2002, Chris Columbus). Al llegar la tercera cinta se produjo un cambio en la dirección y comenzaron los rumores sobre el posible reemplazo de Radcliffe y los co-protagonistas, Rupert Grint y Emma Watson, debido a su avanzada edad.
"Harry Potter y el prisionero de Azkaban" (2004) puso al actor bajo las órdenes del realizador mexicano Alfonso Cuarón, con quien manifestó sentirse a gusto trabajando ya que lo ayudó a expresar en su actuación la transición que sus personajes experimentaban; para lograrlo, el nuevo director le indicó que viera la película "Los 400 golpes" de François Truffaut y que escuchara música de bandas como Sex Pistols ya que eso le ayudaría a exteriorizar el estado de rebeldía que Harry experimentaba en su paso a la adolescencia. Además, esta cinta le permitió trabajar con el actor Gary Oldman, uno de sus intérpretes favoritos.
"Harry Potter y el cáliz de fuego" (2005, Mike Newell) fue su siguiente participación en la serie, entrega en la cual su personaje se veía inmerso de lleno en los problemas de la adolescencia al mismo tiempo que se enfrentaba a la resurrección de su enemigo y a la muerte de un compañero de escuela. "Harry Potter y la Orden del Fénix" (2007, David Yates) es, según declaraciones del actor, su película favorita por varias razones, entre ellas por haber trabajado con Yates, por las exigencias actorales que supuso el proyecto y por el elenco con el cual compartió pantalla. Su interpretación recibió algunos comentarios elogiosos que destacaron su maduración como actor frente a sus anteriores trabajos. En marzo de 2007 Daniel confirmó su participación en las restantes adaptaciones, "Harry Potter y el misterio del príncipe" (2009) y "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte", cuya primera parte fue estrenada el 19 de noviembre de 2010 a nivel mundial, mientras que la segunda entrega lo hizo el 15 de julio del 2011, todas ellas bajo la dirección de David Yates.
En diciembre de 2002, Daniel Radcliffe recibió una invitación para participar como invitado en la obra "The Play What I Wrote", que se llevó a cabo en un teatro del distrito West End y que fue dirigida por Kenneth Branagh. En julio de 2006, bajo fuertes rumores, la publicista de Radcliffe confirmó la participación del actor en la obra de teatro "Equus" de Peter Shaffer; su personaje sería Alan Stang, un chico que acaba en un psiquiátrico después de herir a seis caballos. La pieza, un oscuro drama psicológico sobre la pasión y el poder castrador que la sociedad ejerce sobre un individuo en desarrollo, había causado algo de revuelo en su estreno de 1973 por su temática y sus escenas impactantes. Según algunos tabloides ingleses, la elección de este papel causó numerosas críticas de los padres de los seguidores de Harry Potter, en especial cuando se hicieron públicas las primeras fotografías promocionales de la obra en las que Daniel aparecía semidesnudo con la actriz Joanna Christie; además, otras exigencias del libreto como el tener que fumar, insultar y hacer un desnudo frontal también espolearon las opiniones negativas. No obstante, tanto la publicista de Radcliffe como el actor declararon que la elección del papel no fue hecha para alejarse del personaje Harry Potter sino para expandir la carrera del actor. Tiempo después, el actor manifestó sus deseos de volver a trabajar en Broadway y declaró que estaba tomando clases de canto para una posible obra musical. En octubre de 2009 se confirmó que Radcliffe aparecería en la obra "How to Succeed in Business Without Really Trying", interpretando a un limpiaventanas que acaba dirigiendo una importante empresa.
En el año 2013. Radcliffe volvió al teatro con la comedia obscura "The Cripple of Inishmaan" de "Martin McDonagh", interpretando al personaje "Cripple" Billy Claven.
Entre el rodaje de la cuarta y quinta película de "Harry Potter", Radcliffe decidió trasladarse a Australia para filmar una película independiente, "December Boys", del realizador australiano Rob Hardy. Warner Bros Independent renombró la cinta como "Un verano para toda la vida" para su distribución en algunos países de Latinoamérica.
En 2012 interpretó a Arthur Kipps en la película "La dama de negro", un remake de la película homónima de 1989 a su vez, basado en una novela de Susan Hill.
Luis Miguel
Luis Miguel Gallego Basteri nació en San Juan, Puerto Rico, el 19 de abril de 1970 durante una breve estancia de sus padres en el país.Es el mayor de los tres hijos de la pareja formada por el cantante español Luisito Rey (Luis Gallego Sánchez) y la actriz italiana Marcela Basteri, sus hermanos son Alejandro (dos años menor) y Sergio. Debutó como cantante exitosamente en la boda de la hija del entonces presidente de México José López Portillo en 1981, el éxito en esta actuación fue tan notorio, que un mes después Luis Rey conversó con ejecutivos de la sede mexicana de la disquera EMI que le ofrecieron el deseado contrato discográfico a su hijo en 1982. En esta nueva etapa, Luis Miguel pudo grabar su primer álbum en 1982, a los 12 años de edad, titulado "1+1=2 enamorados", luego edita el álbum "Directo al corazón"». Este seria el comienzo de su trayectoria artística.
Luis Miguel se enfocaen el pop español influyente, el director de Hispavox de trayectoria en el estilo, Honorio Herrero compone en un estilo disco de moda las canciones de su tercer y cuarto álbum, pero el álbum siguiente "Palabra de Honor" de 1984 con la balada famosa que le da el nombre al disco resultó todo un éxito y contó con un tema de Juan Carlos Calderon (su futuro productor) el que hizo a dúo con Sheena Easton. Su actuación conjunta con Sheena Easton, en el Festival de Viña del Mar (Chile) de ese año, le hace ganar su primer premio en el exterior: la Antorcha de Plata. El segundo lo obtiene como participante del Festival de la Canción de San Remo (Italia), con el tema "Noi ragazzi di oggi" (Los muchachos de hoy).
La música que cantó Luis Miguel más recordada y la más importante de la década es la del compositor español Juan Carlos Calderon, el que además le produce e instrumenta desde que se conocen cuando retorna a dicho país en el año 1986, también es la que más vendió, sus tres álbumes de balada española pop correspondientes: "Soy como quiero ser", "Busca una mujer" y "20 años" con sus singles (Eres tú, Fría como el viento, Esa niña, Culpable o no, Un hombre busca una mujer, La incondicional, Separados, Entrégate, Tengo todo excepto a ti, Amante del amor, Hoy el aire huele a ti. Más allá de todo)
En 1987, debido a problemas con su disquera EMI, debuta con Warner Music al presentar su noveno álbum de estudio titulado "Soy como quiero ser", iniciando así su colaboración con el músico, productor y compositor español Juan Carlos Calderón, autor de la canción que le dio su primer premio Grammy. Este disco le hace merecedor de cinco discos de platino y ocho de oro en el ámbito internacional. El 25 de noviembre de 1988 lanza al mercado el álbum "Busca una mujer", cuyo primer sencillo, "La incondicional", se mantuvo siete meses en el primer lugar de diversas listas de popularidad. De este trabajo se extraen siete sencillos que ocuparán el número uno en las listas Billboard Hot Latin Tracks durante más de un año.
Corre 1990, y su obra "20 años" vende en tan sólo una semana más de 600.000 copias. Seis sencillos del álbum entran simultáneamente en el Top 100 de México. Gana dos Antorchas de Plata en el Festival de Viña del Mar. Ese mismo año recibe el premio Excelencia Europea en España y su primer World Music Award en Mónaco, siendo el primer latinoamericano en recibir dicho reconocimiento como Best Selling Artist. A su regreso a nuestro país logra récords en ventas con sus interpretaciones de música latinoamericana antigua principalmente de boleros producidas y muy bien instrumentadas con estilos jasisticos pop, por el mítico bolerista clásico mexicano Armando Manzanero, extrema ensayos y mejora expresividad en su canto .Sus álbumes: "Romance", "Segundo Romance", "Romances", "Mis Romances", "Mis boleros favoritos", y "México en la piel".
A sus 23 años, el 22 de junio de 1993 repite como productor con el disco "Aries", con el cual retorna a los géneros de la balada y el pop latino, ambos caracterizados por un estilo propio que conserva hasta el día de hoy y que ha sido la marca de identidad del cantante, por este disco recibe su segundo Grammy (Best Latin Pop Album). Gana dos premios Lo Nuestro en las categorías de Pop Artist of the Year y Best Pop Album, los premios Billboard al Mejor Artista Masculino del Año y Mejor Álbum del Año, y consigue más de cuarenta discos de platino y seis discos de oro en el mundo. Por ese mismo año inicia una gira aún más extensa por toda América. Es también el primer cantante latino que consigue un lleno absoluto en el Madison Square Garden de Nueva York y agota las entradas cuatro veces consecutivas en el Universal Amphitheater de Los Ángeles, repitiendo este hecho también con tres fechas en el Knight Center de Miami.
El 30 de agosto de 1994 sale al mercado "Segundo romance", que entra directamente en la lista de los «Top 200» mejores de Billboard en el 27, puesto de entrada más alto jamás conseguido por un álbum en español hasta ese momento. En este año bate su propio récord presentando dieciséis conciertos consecutivos en el Auditorio Nacional de México, y ocupa el tercer lugar mundial entre los cantantes que más entradas han vendido sucesivamente en un mismo recinto. Sus contactos en el medio artístico influyen para que sea tomado en cuenta para grabar «Come fly with me» a dúo con Frank Sinatra para el álbum Sinatra: Duets II, el último que realizó. También Luis Miguel, a consecuencia de ello es uno de los elegidos para participar en el programa especial de televisión Sinatra: Duets para lanzar este álbum.
El 17 de octubre de 1995 lanza al mercado su primer álbum en vivo, titulado "El concierto", grabado durante sus presentaciones en el Auditorio Nacional, y en formatos de CD, casete, Laser Disc y Home Video rompe récords de venta. En este disco doble, debuta en el género ranchero al cantar los temas "El rey", "Si nos dejan", "La media vuelta" y "Amanecí en tus brazos"; acompañado de la agrupación Mariachi 2000 y del trompetista mexicano Cutberto Pérez. Un año después, en 1996, Walt Disney Studios le invita a grabar "Sueña", versión en español del tema principal de la cinta de dibujos animados de este estudio "El Jorobado de Notre Dame", y que fue incluida en su siguiente álbum, "Nada es igual". Ya antes, su éxito «No sé tú» es convertido en el tema central de la película "Speechless".
De Nada es igual vende 1.300.000 copias y recibe 30 discos de platino. El segundo sencillo de este álbum, "Dáme", se coloca en primer lugar en todas las emisoras de habla española en los Estados Unidos, además de México, Centroamérica, Sudamérica y España. En septiembre es honrado por el comité organizador de The Hollywood Walk Of Fame con una estrella en la avenida de Hollywood Boulevard.
El 14 de septiembre de 1999 trabaja en un nuevo material discográfico titulado "Amarte es un placer", en el cual colabora desde su fase de producción e interviene como autor y arreglista de varias canciones. El disco contó con la participación de los compositores Armando Manzanero y Juan Carlos Calderón. Para el 19 de julio de 1999 lanza "Sol, arena y mar", primer sencillo, que en su primera semana alcanza el primer lugar en Argentina, Chile y México. El resultado es que obtuvo tres Grammy.
El 30 de septiembre de 2003 y el intérprete lanza su primer disco con temas originales desde hace cuatro años. Lo titula "33", en alusión a su edad, y el primer sencillo es "Te necesito". Cancún recibió al mexicano para el lanzamiento, y la nueva gira internacional daría inicio en Las Vegas pocos días más tarde. En el año 2004 presenta su primera producción con mariachi. Se trata de un homenaje a su patria titulado "México en la piel". Este disco logra vender tan sólo en México casi un millón de copias. El 14 de noviembre de 2006 presenta su álbum "Navidades" el cual recopila 11 temas navideños, originarios de EE.UU. versionados al español. El 6 de mayo de 2008 Luis Miguel lanzó su nuevo álbum, titulado "Cómplices" que contiene doce temas inéditos del compositor español Manuel Alejandro, cuya producción nuevamente estuvo a cargo de Luis Miguel, como en muchos de sus anteriores y exitosos trabajos.
A fines de 2014, Luis Miguel ha presentado su nueva canción en cuatro años "Déjà vu" durante su gira en Estados Unidos, en la previa de su nuevo álbum.
Luis Miguel Gallego Basteri nació en San Juan, Puerto Rico, el 19 de abril de 1970 durante una breve estancia de sus padres en el país.Es el mayor de los tres hijos de la pareja formada por el cantante español Luisito Rey (Luis Gallego Sánchez) y la actriz italiana Marcela Basteri, sus hermanos son Alejandro (dos años menor) y Sergio. Debutó como cantante exitosamente en la boda de la hija del entonces presidente de México José López Portillo en 1981, el éxito en esta actuación fue tan notorio, que un mes después Luis Rey conversó con ejecutivos de la sede mexicana de la disquera EMI que le ofrecieron el deseado contrato discográfico a su hijo en 1982. En esta nueva etapa, Luis Miguel pudo grabar su primer álbum en 1982, a los 12 años de edad, titulado "1+1=2 enamorados", luego edita el álbum "Directo al corazón"». Este seria el comienzo de su trayectoria artística.
Luis Miguel se enfocaen el pop español influyente, el director de Hispavox de trayectoria en el estilo, Honorio Herrero compone en un estilo disco de moda las canciones de su tercer y cuarto álbum, pero el álbum siguiente "Palabra de Honor" de 1984 con la balada famosa que le da el nombre al disco resultó todo un éxito y contó con un tema de Juan Carlos Calderon (su futuro productor) el que hizo a dúo con Sheena Easton. Su actuación conjunta con Sheena Easton, en el Festival de Viña del Mar (Chile) de ese año, le hace ganar su primer premio en el exterior: la Antorcha de Plata. El segundo lo obtiene como participante del Festival de la Canción de San Remo (Italia), con el tema "Noi ragazzi di oggi" (Los muchachos de hoy).
La música que cantó Luis Miguel más recordada y la más importante de la década es la del compositor español Juan Carlos Calderon, el que además le produce e instrumenta desde que se conocen cuando retorna a dicho país en el año 1986, también es la que más vendió, sus tres álbumes de balada española pop correspondientes: "Soy como quiero ser", "Busca una mujer" y "20 años" con sus singles (Eres tú, Fría como el viento, Esa niña, Culpable o no, Un hombre busca una mujer, La incondicional, Separados, Entrégate, Tengo todo excepto a ti, Amante del amor, Hoy el aire huele a ti. Más allá de todo)
En 1987, debido a problemas con su disquera EMI, debuta con Warner Music al presentar su noveno álbum de estudio titulado "Soy como quiero ser", iniciando así su colaboración con el músico, productor y compositor español Juan Carlos Calderón, autor de la canción que le dio su primer premio Grammy. Este disco le hace merecedor de cinco discos de platino y ocho de oro en el ámbito internacional. El 25 de noviembre de 1988 lanza al mercado el álbum "Busca una mujer", cuyo primer sencillo, "La incondicional", se mantuvo siete meses en el primer lugar de diversas listas de popularidad. De este trabajo se extraen siete sencillos que ocuparán el número uno en las listas Billboard Hot Latin Tracks durante más de un año.
Corre 1990, y su obra "20 años" vende en tan sólo una semana más de 600.000 copias. Seis sencillos del álbum entran simultáneamente en el Top 100 de México. Gana dos Antorchas de Plata en el Festival de Viña del Mar. Ese mismo año recibe el premio Excelencia Europea en España y su primer World Music Award en Mónaco, siendo el primer latinoamericano en recibir dicho reconocimiento como Best Selling Artist. A su regreso a nuestro país logra récords en ventas con sus interpretaciones de música latinoamericana antigua principalmente de boleros producidas y muy bien instrumentadas con estilos jasisticos pop, por el mítico bolerista clásico mexicano Armando Manzanero, extrema ensayos y mejora expresividad en su canto .Sus álbumes: "Romance", "Segundo Romance", "Romances", "Mis Romances", "Mis boleros favoritos", y "México en la piel".
A sus 23 años, el 22 de junio de 1993 repite como productor con el disco "Aries", con el cual retorna a los géneros de la balada y el pop latino, ambos caracterizados por un estilo propio que conserva hasta el día de hoy y que ha sido la marca de identidad del cantante, por este disco recibe su segundo Grammy (Best Latin Pop Album). Gana dos premios Lo Nuestro en las categorías de Pop Artist of the Year y Best Pop Album, los premios Billboard al Mejor Artista Masculino del Año y Mejor Álbum del Año, y consigue más de cuarenta discos de platino y seis discos de oro en el mundo. Por ese mismo año inicia una gira aún más extensa por toda América. Es también el primer cantante latino que consigue un lleno absoluto en el Madison Square Garden de Nueva York y agota las entradas cuatro veces consecutivas en el Universal Amphitheater de Los Ángeles, repitiendo este hecho también con tres fechas en el Knight Center de Miami.
El 30 de agosto de 1994 sale al mercado "Segundo romance", que entra directamente en la lista de los «Top 200» mejores de Billboard en el 27, puesto de entrada más alto jamás conseguido por un álbum en español hasta ese momento. En este año bate su propio récord presentando dieciséis conciertos consecutivos en el Auditorio Nacional de México, y ocupa el tercer lugar mundial entre los cantantes que más entradas han vendido sucesivamente en un mismo recinto. Sus contactos en el medio artístico influyen para que sea tomado en cuenta para grabar «Come fly with me» a dúo con Frank Sinatra para el álbum Sinatra: Duets II, el último que realizó. También Luis Miguel, a consecuencia de ello es uno de los elegidos para participar en el programa especial de televisión Sinatra: Duets para lanzar este álbum.
El 17 de octubre de 1995 lanza al mercado su primer álbum en vivo, titulado "El concierto", grabado durante sus presentaciones en el Auditorio Nacional, y en formatos de CD, casete, Laser Disc y Home Video rompe récords de venta. En este disco doble, debuta en el género ranchero al cantar los temas "El rey", "Si nos dejan", "La media vuelta" y "Amanecí en tus brazos"; acompañado de la agrupación Mariachi 2000 y del trompetista mexicano Cutberto Pérez. Un año después, en 1996, Walt Disney Studios le invita a grabar "Sueña", versión en español del tema principal de la cinta de dibujos animados de este estudio "El Jorobado de Notre Dame", y que fue incluida en su siguiente álbum, "Nada es igual". Ya antes, su éxito «No sé tú» es convertido en el tema central de la película "Speechless".
De Nada es igual vende 1.300.000 copias y recibe 30 discos de platino. El segundo sencillo de este álbum, "Dáme", se coloca en primer lugar en todas las emisoras de habla española en los Estados Unidos, además de México, Centroamérica, Sudamérica y España. En septiembre es honrado por el comité organizador de The Hollywood Walk Of Fame con una estrella en la avenida de Hollywood Boulevard.
El 14 de septiembre de 1999 trabaja en un nuevo material discográfico titulado "Amarte es un placer", en el cual colabora desde su fase de producción e interviene como autor y arreglista de varias canciones. El disco contó con la participación de los compositores Armando Manzanero y Juan Carlos Calderón. Para el 19 de julio de 1999 lanza "Sol, arena y mar", primer sencillo, que en su primera semana alcanza el primer lugar en Argentina, Chile y México. El resultado es que obtuvo tres Grammy.
El 30 de septiembre de 2003 y el intérprete lanza su primer disco con temas originales desde hace cuatro años. Lo titula "33", en alusión a su edad, y el primer sencillo es "Te necesito". Cancún recibió al mexicano para el lanzamiento, y la nueva gira internacional daría inicio en Las Vegas pocos días más tarde. En el año 2004 presenta su primera producción con mariachi. Se trata de un homenaje a su patria titulado "México en la piel". Este disco logra vender tan sólo en México casi un millón de copias. El 14 de noviembre de 2006 presenta su álbum "Navidades" el cual recopila 11 temas navideños, originarios de EE.UU. versionados al español. El 6 de mayo de 2008 Luis Miguel lanzó su nuevo álbum, titulado "Cómplices" que contiene doce temas inéditos del compositor español Manuel Alejandro, cuya producción nuevamente estuvo a cargo de Luis Miguel, como en muchos de sus anteriores y exitosos trabajos.
A fines de 2014, Luis Miguel ha presentado su nueva canción en cuatro años "Déjà vu" durante su gira en Estados Unidos, en la previa de su nuevo álbum.
Elijah Wood
Elijah Jordan Wood nació en Cedar Rapids, Iowa el 28 de enero de 1981; tiene ascendencia inglesa, austriaca, alemana y danesa.2 Es el segundo de los tres hijos de Warren Wood y Debra Krause.
Wood comenzó e hizo publicidad local antes de la mudanza con su familia a Los Ángeles en 1988. Allí consiguió su primer trabajo: un pequeño papel en un vídeo de Paula Abdul dirigido por David Fincher: "Forever Your Girl". Su siguiente trabajo fue al año siguiente en "Volver al futuro parte 2" (1989). En 1992, interpretó al extrovertido hijo de Jamie Lee Curtis en "Eternamente joven", protagonizada por Mel Gibson y bajo la dirección de Steve Miner. En 1993 protagonizó la película "Las aventuras de Huckleberry Finn". Más tarde, apareció en el videoclip "Ridiculous Thoughts", de The Cranberries, en 1995.
En el año 2001 su carrera cambio completamente al ser elegido para el papel de Frodo Bolsón en la trilogía de Peter Jackson sobre "El Señor de los Anillos" rodada conjuntamente en Nueva Zelanda en los años precedentes. Era la película más esperada de Wood, coprotagonizada por Ian Mckellen, Viggo Mortensen, Sean Bean, Liv Tyler, Sean Astin, Christopher Lee, Billy Boyd y Dominic Monaghan, John Rhys-Davies, Orlando Bloom, Cate Blanchett, Ian Holm y Andy Serkis.
Un año más tarde, en 2002, se estrenó "El Señor de los Anillos: las dos torres", segunda entrega de la serie. La película recibió críticas favorables y fue un gigantesco éxito de taquilla, ingresando más de 926 millones de dólares en todo el mundo, superando a su predecesora, que había ingresado más de 871 millones. En 2003, Wood apareció también en la tercera y última entrega de la serie, "El Señor de los Anillos: el retorno del Rey", que supero el éxito de taquilla de las dos primeras.
En 2011 trabajó en su primera serie de televisión, titulada "Wilfred", una serie de humor negro y remake de una homónima australiana, donde Ryan (Elijah) ve al perro de su vecina como un humano, siendo el único en hacerlo.
Participó en el cortometraje "Fight for Your Right (Revisited)" de los Beastie Boys. Hizo también la voz de Wirt en la miniserie animada "Over the garden wall" producida por Cartoon Network.
Elijah Jordan Wood nació en Cedar Rapids, Iowa el 28 de enero de 1981; tiene ascendencia inglesa, austriaca, alemana y danesa.2 Es el segundo de los tres hijos de Warren Wood y Debra Krause.
Wood comenzó e hizo publicidad local antes de la mudanza con su familia a Los Ángeles en 1988. Allí consiguió su primer trabajo: un pequeño papel en un vídeo de Paula Abdul dirigido por David Fincher: "Forever Your Girl". Su siguiente trabajo fue al año siguiente en "Volver al futuro parte 2" (1989). En 1992, interpretó al extrovertido hijo de Jamie Lee Curtis en "Eternamente joven", protagonizada por Mel Gibson y bajo la dirección de Steve Miner. En 1993 protagonizó la película "Las aventuras de Huckleberry Finn". Más tarde, apareció en el videoclip "Ridiculous Thoughts", de The Cranberries, en 1995.
En el año 2001 su carrera cambio completamente al ser elegido para el papel de Frodo Bolsón en la trilogía de Peter Jackson sobre "El Señor de los Anillos" rodada conjuntamente en Nueva Zelanda en los años precedentes. Era la película más esperada de Wood, coprotagonizada por Ian Mckellen, Viggo Mortensen, Sean Bean, Liv Tyler, Sean Astin, Christopher Lee, Billy Boyd y Dominic Monaghan, John Rhys-Davies, Orlando Bloom, Cate Blanchett, Ian Holm y Andy Serkis.
Un año más tarde, en 2002, se estrenó "El Señor de los Anillos: las dos torres", segunda entrega de la serie. La película recibió críticas favorables y fue un gigantesco éxito de taquilla, ingresando más de 926 millones de dólares en todo el mundo, superando a su predecesora, que había ingresado más de 871 millones. En 2003, Wood apareció también en la tercera y última entrega de la serie, "El Señor de los Anillos: el retorno del Rey", que supero el éxito de taquilla de las dos primeras.
En 2011 trabajó en su primera serie de televisión, titulada "Wilfred", una serie de humor negro y remake de una homónima australiana, donde Ryan (Elijah) ve al perro de su vecina como un humano, siendo el único en hacerlo.
Participó en el cortometraje "Fight for Your Right (Revisited)" de los Beastie Boys. Hizo también la voz de Wirt en la miniserie animada "Over the garden wall" producida por Cartoon Network.
Eddy Valenzuela
Eddy Valenzuela Tena, nacido en Ignacio Allende, municipio de Zaragoza en el estado de Chihuahua, actual ganador de la Academia Kids; desde los tres años mostró afición por el canto, al pasar de los años reafirmó su gusto por la música. Participó en "Pequeños Gigantes 2", donde obtuvo el segundo lugar.
Cabe señalar que cuando dieron el veredicto en ese concurso, varios resultaron sorprendidos pues opinaban que Eddy tenía mejor voz que la ganadora, la misma conductora del programa Galilea Montijo, se mostró sorprendida del resultado ante las cámaras.
Las ganas por triunfar de Eddy lo hizo seguir buscando oportunidades y fue cuando audicionó para la "Academia Kids", como los grandes no se quedó en el camino y aunque tropezó, siguió en busca del triunfo y ahora su talento fue reconocido por el apoyo de miles de seguidores que votaron por él. Sus padres Rigo y Mayra, siempre han sido los pilares más importantes en la vida de Eddy.
Cuando dieron el veredicto en "Pequeños Gigantes" y como todo un caballero norteño aceptó el triunfo de su adversaria, Kenia Feria, al ser entrevistado por Galilea Montijo, dijo: “pos, que muchas gracias por haberme dejado llegar hasta acá, que tiene que ganó Kenia... pos, tiene una excelente voz”. En ese momento arrancó el llanto de varias famosas quienes reconocieron el talento y carisma del chihuahuense.
Ahora es el ganador del famoso programa “La Academia Kids”, concurso de canto que acaparó la atención de millones de televidentes desde la primera emisión, rompiendo records de audiencia.
El 16 de octubre de 2014 Eddy Valenzuela presentó su disco, titulado "Corre Muy Deprisa", en el programa Hechos AM. El ganador de la pasada edición de La Academia Kids Lala, se dijo contento por su nueva producción discográfica y agradeció a Azteca Records. "Corre Muy Deprisa" contiene 10 temas, dos de ellos inéditos; es una producción juvenil con un estilo contemporáneo, pero dirigida a toda la familia, además incluye un DVD, con las participaciones de Eddy en La Academia Kids Lala.
Eddy también aprovechó para mencionar que participará en "MAME", obra musical que se estrenará el próximo martes 21 de octubre.
Eddy Valenzuela Tena, nacido en Ignacio Allende, municipio de Zaragoza en el estado de Chihuahua, actual ganador de la Academia Kids; desde los tres años mostró afición por el canto, al pasar de los años reafirmó su gusto por la música. Participó en "Pequeños Gigantes 2", donde obtuvo el segundo lugar.
Cabe señalar que cuando dieron el veredicto en ese concurso, varios resultaron sorprendidos pues opinaban que Eddy tenía mejor voz que la ganadora, la misma conductora del programa Galilea Montijo, se mostró sorprendida del resultado ante las cámaras.
Las ganas por triunfar de Eddy lo hizo seguir buscando oportunidades y fue cuando audicionó para la "Academia Kids", como los grandes no se quedó en el camino y aunque tropezó, siguió en busca del triunfo y ahora su talento fue reconocido por el apoyo de miles de seguidores que votaron por él. Sus padres Rigo y Mayra, siempre han sido los pilares más importantes en la vida de Eddy.
Cuando dieron el veredicto en "Pequeños Gigantes" y como todo un caballero norteño aceptó el triunfo de su adversaria, Kenia Feria, al ser entrevistado por Galilea Montijo, dijo: “pos, que muchas gracias por haberme dejado llegar hasta acá, que tiene que ganó Kenia... pos, tiene una excelente voz”. En ese momento arrancó el llanto de varias famosas quienes reconocieron el talento y carisma del chihuahuense.
Ahora es el ganador del famoso programa “La Academia Kids”, concurso de canto que acaparó la atención de millones de televidentes desde la primera emisión, rompiendo records de audiencia.
El 16 de octubre de 2014 Eddy Valenzuela presentó su disco, titulado "Corre Muy Deprisa", en el programa Hechos AM. El ganador de la pasada edición de La Academia Kids Lala, se dijo contento por su nueva producción discográfica y agradeció a Azteca Records. "Corre Muy Deprisa" contiene 10 temas, dos de ellos inéditos; es una producción juvenil con un estilo contemporáneo, pero dirigida a toda la familia, además incluye un DVD, con las participaciones de Eddy en La Academia Kids Lala.
Eddy también aprovechó para mencionar que participará en "MAME", obra musical que se estrenará el próximo martes 21 de octubre.
Leonardo Di Caprio
Leonardo Wilhelm DiCaprio nació en Los Ángeles, California el 11 de noviembre de 1974.
DiCaprio comenzó su carrera apareciendo en comerciales de televisión antes de actuar en roles recurrentes en series de televisión como en Santa Bárbara y Los problemas crecen a principios de los años 1990. Hizo su debut fílmico en la comedia de ciencia ficción y terror Critters 3 en 1991 y recibió elogios de la crítica por su actuación en Vida de este chico, en 1993. DiCaprio obtuvo reconocimiento por sus trabajos posteriores en papeles como en ¿A quién ama Gilbert Grape? (1993) y La habitación de Marvin (1996), así como en papeles principales en Diario de un rebelde (1995) y Romeo + Julieta (1996), antes de alcanzar la fama mundial por la película de James Cameron de 1997, Titanic.
Desde el año 2000, DiCaprio ha sido nominado a varios premios por su trabajo en películas como Atrápame si puedes (2002), Gangs of New York (2002), El aviador (2004), Diamante de sangre (2006), Infiltrados (2006), Revolutionary Road (2008), Django Unchained (2012) y El lobo de Wall Street (2013). Sus películas Shutter Island (2010) y Origen (2010) se encuentran entre los mayores éxitos comerciales de su carrera.3 DiCaprio es dueño de una compañía de producción llamada Appian Way Productions, cuyas producciones incluyen las películas Gardener of Eden (2007) y Orphan (2009). Ecologista comprometido, DiCaprio ha recibido elogios de los grupos ambientalistas por su activismo.
Su debut fílmico fue en la película de ciencia ficción y terror Critters 3, en la que interpretó al hijastro de un malvado propietario. Lanzada en 1991,15 se convirtió en un miembro habitual en el elenco de la sitcom de la ABC Growing Pains, interpretando a Luke Brower, un niño sin hogar que es acogido por la familia Seaver. DiCaprio alcanzó el éxito en la pantalla grande en 1992, cuando fue seleccionado por Robert De Niro entre 400 jóvenes actores para interpretar el papel principal en This Boy's Life, co-protagonizada por Ellen Barkin y el propio De Niro.
Más tarde, en 1993, DiCaprio actuó como el hermano con discapacidad mental de Johnny Depp en ¿A quién ama Gilbert Grape?, una odisea cómica-trágica acerca de una disfuncional familia de Iowa. El director Lasse Hallström admitió que estaba inicialmente en busca de un actor menos atractivo, pero se decidió por DiCaprio ya que se había convertido en «el [actor] más observador» entre todos los que audicionaron. Con un presupuesto de 110 millones USD, la película se convirtió en un éxito financiero y crítico, resultando en un total de 91 millones USD en la taquilla y produciendo varios elogios para DiCaprio, quien fue galardonado con el National Board of Review en la categoría de mejor actor de reparto, y nominado para un Premio Óscar y Globo de Oro por su interpretación. Janet Maslin de New York Times elogió la actuación de DiCaprio, escribiendo que «el verdadero espectáculo en la película proviene del Sr. DiCaprio, quien hace de los tics de Arnie tan sorprendentes y vívidos que al principio es difícil de ver. La actuación tiene una fuerte y desesperada intensidad de principio a fin».
En 1995, Rápida y mortal de Sam Raimi, un western en el que apareció junto a Gene Hackman, Sharon Stone y Russell Crowe, en el que interpretó al hijo de Hackman, Kid. La película recaudó 185 millones USD en los Estados Unidos, y recibió críticas mixtas de los críticos. Jonathan Rosenbaum de Chicago Reader, observó que «Raimi trata de hacer un Sergio Leone, y aunque Rápida y mortal es muy agradable en algunos puntos, no se presentan como muy convincentes».20 Después, DiCaprio protagonizó Total Eclipse, un relato novelado de la relación homosexual entre Arthur Rimbaud y Paul Verlaine, interpretado por David Thewlis.
DiCaprio apareció junto con varios de sus amigos, incluyendo Tobey Maguire en Don's Plum del director R.D. Robb. Cuando Robb decidió ampliar su cinta en blanco y negro a un largometraje, DiCaprio y Maguire trataron de impedir su estreno, ya que argumentaban que no tenían la intención estrenarla en el cine. Sin embargo, la película finalmente se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2001, donde fue bien recibida por los críticos, con el escritor de Time Out New York Mike D'Angelo calificándola como «la mejor película en Berlín».
En 1996, DiCaprio apareció junto con Claire Danes en la película de Baz Luhrmann Romeo + Julieta, una modernización abreviada de la obra de William Shakespeare, aunque mantiene el diálogo original del libro. El proyecto fue una de las primeras películas en darle el estatus de «estrella», recaudando en taquilla un total de 147 millones USD.
En 1997, DiCaprio protagonizó la película de James Cameron de 1997, Titanic junto a Kate Winslet. Interpretó a un chico de veinte años de edad llamado Jack Dawson, un hombre pobre de Wisconsin que gana dos entradas de tercera clase en el RMS Titanic, DiCaprio inicialmente se negó a interpretar al personaje, pero finalmente se animó a seguir el papel de Cameron, quien creía firmemente en su capacidad interpretativa. Contra toda expectativa, la película se convirtió en la película más taquillera —sólo superada en 2010 por la película de Cameron Avatar—, recaudó más de 1 843 millones USD en taquilla en todo el mundo, y transformó a DiCaprio en una súper estrella del cine comercial, con un gran número de fans, ya sean adolescentes o mujeres jóvenes en general, lo que se conocería como «Leo-Mania». Fue nominado para la mayoría de los premios «importantes», incluyendo una segunda nominación a los Globos de Oro. Tras el éxito de Titanic, DiCaprio dijo en 2000 que no tenía «ninguna relación conmigo durante todo este fenómeno Titanic y lo que mi cara se convirtió en todo el mundo [...] no voy a tratar de llegar a ese estado de la popularidad otra vez. No es algo que voy a tratar de lograr tampoco».
El primer proyecto de DiCaprio en 2002 fue la película de crimen-comedia Atrápame si puedes, basada en la vida de Frank Abagnale Jr., quien antes de cumplir los 19 años usó su encanto, confianza, y varias identidades diferentes, para hacer millones en la década de 1960 utilizando cheques falsos. Dirigida por Steven Spielberg y co-protagonizada por Tom Hanks y Christopher Walken, la película fue filmada en 147 ubicaciones diferentes en sólo 52 días, por lo que es la «filmación de una película más aventurera» que DiCaprio había experimentado. Atrápame si puedes recibió críticas favorables y demostró ser un éxito internacional, con un total de 351 millones USD en todo el mundo. Roger Ebert elogió su actuación y señaló que «DiCaprio, que en las últimas películas ha interpretado a personajes oscuros y problemáticos, es ventoso y encantador aquí, interpretando a un chico que descubre lo que es bueno, y lo hace». Al año siguiente, DiCaprio obtuvo su tercera nominación al Globo de Oro por su trabajo en la película.
También en 2002, DiCaprio apareció en Gangs of New York de Martin Scorsese, una película histórica ambientada en medio del siglo XIX en el distrito Five Points de la ciudad de Nueva York. Scorsese inicialmente «luchaba» por vender su idea acerca de realizar la película hasta que DiCaprio se interesó en interpretar al protagonista Ámsterdam Vallon y, por lo tanto, Miramax Films se involucró con la financiación del proyecto. La producción de la película estuvo plagada de presupuestos caros y disputas entre productores y director, lo que resultó en ocho meses de rodaje y con 103 millones USD, la película más cara Scorsese había hecho nunca. Tras su lanzamiento, Gangs of New York se convirtió en un éxito financiero y crítico. La actuación de DiCaprio fue bien recibida, pero se mantuvo eclipsada por la interpretación de Daniel Day-Lewis por la mayoría de los críticos.
En The Departed de Scorsese, interpretó a Billy Costigan, un policía estatal que trabaja infiltrado en la mafia irlandesa de Boston. Tuvo revisiones muy positivas y se convirtió en una de las películas más valoradas de 2006. El mismo año, fue nominado dos veces en la categoría de Mejor Actor por Diamante de sangre y The Departed en los Globos de Oro y recibió dos nominaciones a los Premios del Sindicato de Actores, una al Mejor Actor por Diamante de sangre y otra al Mejor Actor de Reparto por The Departed. Obtuvo una nominación al Óscar al mejor actor por Diamante de sangre.
En en la cinta de ciencia ficción Inception, dirigida y producida por Christopher Nolan, inspirada en la experiencia del sueño lúcido e incubación del sueño, DiCaprio interpreta al personaje de Dominick "Dom" Cobb, un «extractor» que entra en los sueños de otros para obtener información. Cobb se le promete una oportunidad de recuperar su antigua vida, a cambio de sembrar una idea en la mente de un objetivo corporativo.60 DiCaprio, el primer actor que decidió participar en la película, estuvo «intrigado por este concepto—la noción de robar sueños y cómo este personaje va a abrir su mundo de sueños y al final afectar su vida real».
En 2011 DiCaprio también protagoniza J. Edgar de Clint Eastwood, una película biográfica sobre J. Edgar Hoover, el controvertido primer director del FBI. En 2012 DiCaprio interpreta el papel del villano "Monsieur" Calvin J. Candie en la película de Quentin Tarantino, Django Unchained .
DiCaprio trabaja de nuevo con Scorsese interpretando a Jordan Belfort en la película The Wolf of Wall Street estrenada en diciembre de 2013, recibiendo críticas favorables, y siendo galardonado con el Globo de Oro al mejor actor de comedia. Actualmente se encuentra filmando la cinta The Revenant donde dará vida a Hugh Glass bajo la dirección de Alejandro González Iñárritu.
Leonardo Wilhelm DiCaprio nació en Los Ángeles, California el 11 de noviembre de 1974.
DiCaprio comenzó su carrera apareciendo en comerciales de televisión antes de actuar en roles recurrentes en series de televisión como en Santa Bárbara y Los problemas crecen a principios de los años 1990. Hizo su debut fílmico en la comedia de ciencia ficción y terror Critters 3 en 1991 y recibió elogios de la crítica por su actuación en Vida de este chico, en 1993. DiCaprio obtuvo reconocimiento por sus trabajos posteriores en papeles como en ¿A quién ama Gilbert Grape? (1993) y La habitación de Marvin (1996), así como en papeles principales en Diario de un rebelde (1995) y Romeo + Julieta (1996), antes de alcanzar la fama mundial por la película de James Cameron de 1997, Titanic.
Desde el año 2000, DiCaprio ha sido nominado a varios premios por su trabajo en películas como Atrápame si puedes (2002), Gangs of New York (2002), El aviador (2004), Diamante de sangre (2006), Infiltrados (2006), Revolutionary Road (2008), Django Unchained (2012) y El lobo de Wall Street (2013). Sus películas Shutter Island (2010) y Origen (2010) se encuentran entre los mayores éxitos comerciales de su carrera.3 DiCaprio es dueño de una compañía de producción llamada Appian Way Productions, cuyas producciones incluyen las películas Gardener of Eden (2007) y Orphan (2009). Ecologista comprometido, DiCaprio ha recibido elogios de los grupos ambientalistas por su activismo.
Su debut fílmico fue en la película de ciencia ficción y terror Critters 3, en la que interpretó al hijastro de un malvado propietario. Lanzada en 1991,15 se convirtió en un miembro habitual en el elenco de la sitcom de la ABC Growing Pains, interpretando a Luke Brower, un niño sin hogar que es acogido por la familia Seaver. DiCaprio alcanzó el éxito en la pantalla grande en 1992, cuando fue seleccionado por Robert De Niro entre 400 jóvenes actores para interpretar el papel principal en This Boy's Life, co-protagonizada por Ellen Barkin y el propio De Niro.
Más tarde, en 1993, DiCaprio actuó como el hermano con discapacidad mental de Johnny Depp en ¿A quién ama Gilbert Grape?, una odisea cómica-trágica acerca de una disfuncional familia de Iowa. El director Lasse Hallström admitió que estaba inicialmente en busca de un actor menos atractivo, pero se decidió por DiCaprio ya que se había convertido en «el [actor] más observador» entre todos los que audicionaron. Con un presupuesto de 110 millones USD, la película se convirtió en un éxito financiero y crítico, resultando en un total de 91 millones USD en la taquilla y produciendo varios elogios para DiCaprio, quien fue galardonado con el National Board of Review en la categoría de mejor actor de reparto, y nominado para un Premio Óscar y Globo de Oro por su interpretación. Janet Maslin de New York Times elogió la actuación de DiCaprio, escribiendo que «el verdadero espectáculo en la película proviene del Sr. DiCaprio, quien hace de los tics de Arnie tan sorprendentes y vívidos que al principio es difícil de ver. La actuación tiene una fuerte y desesperada intensidad de principio a fin».
En 1995, Rápida y mortal de Sam Raimi, un western en el que apareció junto a Gene Hackman, Sharon Stone y Russell Crowe, en el que interpretó al hijo de Hackman, Kid. La película recaudó 185 millones USD en los Estados Unidos, y recibió críticas mixtas de los críticos. Jonathan Rosenbaum de Chicago Reader, observó que «Raimi trata de hacer un Sergio Leone, y aunque Rápida y mortal es muy agradable en algunos puntos, no se presentan como muy convincentes».20 Después, DiCaprio protagonizó Total Eclipse, un relato novelado de la relación homosexual entre Arthur Rimbaud y Paul Verlaine, interpretado por David Thewlis.
DiCaprio apareció junto con varios de sus amigos, incluyendo Tobey Maguire en Don's Plum del director R.D. Robb. Cuando Robb decidió ampliar su cinta en blanco y negro a un largometraje, DiCaprio y Maguire trataron de impedir su estreno, ya que argumentaban que no tenían la intención estrenarla en el cine. Sin embargo, la película finalmente se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2001, donde fue bien recibida por los críticos, con el escritor de Time Out New York Mike D'Angelo calificándola como «la mejor película en Berlín».
En 1996, DiCaprio apareció junto con Claire Danes en la película de Baz Luhrmann Romeo + Julieta, una modernización abreviada de la obra de William Shakespeare, aunque mantiene el diálogo original del libro. El proyecto fue una de las primeras películas en darle el estatus de «estrella», recaudando en taquilla un total de 147 millones USD.
En 1997, DiCaprio protagonizó la película de James Cameron de 1997, Titanic junto a Kate Winslet. Interpretó a un chico de veinte años de edad llamado Jack Dawson, un hombre pobre de Wisconsin que gana dos entradas de tercera clase en el RMS Titanic, DiCaprio inicialmente se negó a interpretar al personaje, pero finalmente se animó a seguir el papel de Cameron, quien creía firmemente en su capacidad interpretativa. Contra toda expectativa, la película se convirtió en la película más taquillera —sólo superada en 2010 por la película de Cameron Avatar—, recaudó más de 1 843 millones USD en taquilla en todo el mundo, y transformó a DiCaprio en una súper estrella del cine comercial, con un gran número de fans, ya sean adolescentes o mujeres jóvenes en general, lo que se conocería como «Leo-Mania». Fue nominado para la mayoría de los premios «importantes», incluyendo una segunda nominación a los Globos de Oro. Tras el éxito de Titanic, DiCaprio dijo en 2000 que no tenía «ninguna relación conmigo durante todo este fenómeno Titanic y lo que mi cara se convirtió en todo el mundo [...] no voy a tratar de llegar a ese estado de la popularidad otra vez. No es algo que voy a tratar de lograr tampoco».
El primer proyecto de DiCaprio en 2002 fue la película de crimen-comedia Atrápame si puedes, basada en la vida de Frank Abagnale Jr., quien antes de cumplir los 19 años usó su encanto, confianza, y varias identidades diferentes, para hacer millones en la década de 1960 utilizando cheques falsos. Dirigida por Steven Spielberg y co-protagonizada por Tom Hanks y Christopher Walken, la película fue filmada en 147 ubicaciones diferentes en sólo 52 días, por lo que es la «filmación de una película más aventurera» que DiCaprio había experimentado. Atrápame si puedes recibió críticas favorables y demostró ser un éxito internacional, con un total de 351 millones USD en todo el mundo. Roger Ebert elogió su actuación y señaló que «DiCaprio, que en las últimas películas ha interpretado a personajes oscuros y problemáticos, es ventoso y encantador aquí, interpretando a un chico que descubre lo que es bueno, y lo hace». Al año siguiente, DiCaprio obtuvo su tercera nominación al Globo de Oro por su trabajo en la película.
También en 2002, DiCaprio apareció en Gangs of New York de Martin Scorsese, una película histórica ambientada en medio del siglo XIX en el distrito Five Points de la ciudad de Nueva York. Scorsese inicialmente «luchaba» por vender su idea acerca de realizar la película hasta que DiCaprio se interesó en interpretar al protagonista Ámsterdam Vallon y, por lo tanto, Miramax Films se involucró con la financiación del proyecto. La producción de la película estuvo plagada de presupuestos caros y disputas entre productores y director, lo que resultó en ocho meses de rodaje y con 103 millones USD, la película más cara Scorsese había hecho nunca. Tras su lanzamiento, Gangs of New York se convirtió en un éxito financiero y crítico. La actuación de DiCaprio fue bien recibida, pero se mantuvo eclipsada por la interpretación de Daniel Day-Lewis por la mayoría de los críticos.
En The Departed de Scorsese, interpretó a Billy Costigan, un policía estatal que trabaja infiltrado en la mafia irlandesa de Boston. Tuvo revisiones muy positivas y se convirtió en una de las películas más valoradas de 2006. El mismo año, fue nominado dos veces en la categoría de Mejor Actor por Diamante de sangre y The Departed en los Globos de Oro y recibió dos nominaciones a los Premios del Sindicato de Actores, una al Mejor Actor por Diamante de sangre y otra al Mejor Actor de Reparto por The Departed. Obtuvo una nominación al Óscar al mejor actor por Diamante de sangre.
En en la cinta de ciencia ficción Inception, dirigida y producida por Christopher Nolan, inspirada en la experiencia del sueño lúcido e incubación del sueño, DiCaprio interpreta al personaje de Dominick "Dom" Cobb, un «extractor» que entra en los sueños de otros para obtener información. Cobb se le promete una oportunidad de recuperar su antigua vida, a cambio de sembrar una idea en la mente de un objetivo corporativo.60 DiCaprio, el primer actor que decidió participar en la película, estuvo «intrigado por este concepto—la noción de robar sueños y cómo este personaje va a abrir su mundo de sueños y al final afectar su vida real».
En 2011 DiCaprio también protagoniza J. Edgar de Clint Eastwood, una película biográfica sobre J. Edgar Hoover, el controvertido primer director del FBI. En 2012 DiCaprio interpreta el papel del villano "Monsieur" Calvin J. Candie en la película de Quentin Tarantino, Django Unchained .
DiCaprio trabaja de nuevo con Scorsese interpretando a Jordan Belfort en la película The Wolf of Wall Street estrenada en diciembre de 2013, recibiendo críticas favorables, y siendo galardonado con el Globo de Oro al mejor actor de comedia. Actualmente se encuentra filmando la cinta The Revenant donde dará vida a Hugh Glass bajo la dirección de Alejandro González Iñárritu.
Chayanne
Elmer Figueroa Arce nació en Río Piedras, Puerto Rico el 28 de junio de 1968), conocido por su nombre artístico de Chayanne.
Ha vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo, está casado con la abogada venezolana Marilisa Maronesse, Miss Venezuela Latina 1988. Tiene dos hijos, Lorenzo Valentino e Isadora Sofía.
Comenzó a utilizar el nombre artístico "Chayanne" cuando tenía tan solo 9 años de edad; proviene de una serie de televisión de 1955 llamada Cheyenne, que su madre veía.Tras la separación del grupo «Los Chicos», en 1983, conoce al empresario puertorriqueño Gustavo Sánchez, quien se convirtió en su manager durante casi 15 años, viajan a México, para iniciar grabaciones. En 1984 lanza al mercado su álbum debut como solista, bajo la casa disquera RCA, titulado "Chayanne es mi nombre", incursiona en la radio con temas como ...Y qué culpa tengo yo, filmando su primer video, "Chayanne es mi nombre" y de "Dos en dos", los cuales tuvieron éxito principalmente en Centroamérica.
En 1986 continúa su carrera y publica "Sangre latina", bajo el sello musical de RCA y promociona temas como: "Vuelve", "Una foto para dos" y "Jana" lo que le permitió seguir creciendo en su carrera de forma muy alentadora.
En 1987 y debido al éxito que obtuvo en sus primeros años, recibe un contrato para firmar con CBS (Sony Music actualmente) y graba su primer disco homónimo "Chayanne", con el cual se dio a conocer en toda Latinoamérica, con canciones como: "Fiesta en América", con la que comienza a marcar un estilo único, debido a su baile y coreografía, y se unieron a esta "Digo no" y "Violeta", también promociona baladas como "Peligro de amor", "Para tenerte otra vez", "Te deseo" y "Emociones cuantas emociones" El éxito de este álbum llevaría a editar una versión para el mercado en portugués.
El 1 de noviembre de 1988 lanza al mercado su segundo disco homónimo "Chayanne", con el cual tendría gran éxito, con canciones que se colocarían en los primeros lugares, como "Tu pirata soy yo", "Fuiste un trozo de hielo en la escarcha", "Fantasías", "Palo bonito" , y "Este ritmo se baila así", canción con la que gana un premio MTV a mejor video musical en 1989 y con la cual graba su primer comercial para Pepsi.
El 7 de agosto de 1990 lanza al mercado su quinto disco "Tiempo de vals" con el que empieza a dar un giro a su carrera dirigiéndose a personas más adultas, y promociona canciones como "Completamente enamorados", "Daría cualquier cosa", "Soleil, Soleil", "Tiempo de vals" y "La fuerza de amar" que conseguirían ser #1 en diversos países de Latinoamérica. Con "Simon Sez", sería la segunda ocasión en grabar un comercial para Pepsi.
El 28 de julio de 1992 lanza al mercado "Provócame", disco con el que cambia su imagen a una más atrevida y madura, pelo rizado un poco más largo, barba, patillas largas, botas, chaqueta de cuero, dimensionando un momento importante en su carrera, y colocándolo como un 'sex-symbol latino. Se coloca en los primeros lugares en la música en Latinoamérica con temas como "Provócame", "El centro de mi corazón", "Isla desnuda", "Mi primer amor", "Mimí", "Socca Dance", "El arte de amar", "Todo el mundo necesita un beso" y "Éxtasis".
El 27 de septiembre de 1994 lanza al mercado su séptimo disco de estudio: "Influencias", donde versiona temas famosos de cantantes latinos como: José José, Camilo Sesto, Juan Gabriel, Roberto Carlos, Sandro, Rubén Bladés, y José Feliciano. Durante este proceso, termina su relación profesional con Gustavo Sánchez, y se retira de los escenarios por un tiempo.
El 17 de septiembre de 1996 regresa para grabar su octavo larga duración, con su propio equipo de producción: CHAF Enterprises Inc; con el disco "Volver a nacer", con el cual se vuelve a colocar en los primeros lugares de la música latina, promociona canciones como "Sólo traigo mi ritmo", "Volver a nacer", "Solamente tu amor", "Tal vez es amor", "Baila, baila", "Sólo pienso en ti", "Guajira" y "Entre mis recuerdos".
El 29 de septiembre de 1998 lanza al mercado su noveno disco "Atado a tu amor" siendo el disco más vendido en su carrera, con el que se da a conocer en muchos países de Europa, como Italia, Portugal y Turquía, pero se consolida especialmente en España, país donde coloca varios números 1, como "Salomé" que también se coloca como gran éxito en Latinoamérica o "Enamorado". Las baladas "Dejaría todo", "Atado a tu amor", y "Pienso en ti" igualmente logran posicionarse dentro de las carteleras musicales de Latinoámerica. Además, el tema de su reciente película en Hollywood 'Dance With Me'; "Refugio de amor (You Are My Home)", un dueto con Vanessa L. Williams, alcanza gran popularidad.
El 3 de octubre de 2000 Chayanne lanza al mercado su disco "Simplemente" y continua con su exitosa carrera, debido a temas como "Simplemente", "Yo te amo", "Candela", "Ay, mamá", "Mariana Mambo", "Boom Boom" y el bonus track "Vivo (Alive)", y otras más. Interpretó la canción "Donde va tu sueño", de la versión para el publico hispano de la película infanti Atlantis: el imperio perdido (2001). El 19 de marzo de 2002 sale a la venta su primer disco de "Grandes éxitos" con los temas más importantes de su carrera desde 1987 hasta la fecha, además de tres canciones inéditas entre ellas "Y tú te vas" (Ganadora de un premio Billboard Latino), y " Torero" cuyos videoclips fueron grabados en Argentina y que se convertirían rápidamente en número 1, además de la canción "Quisiera ser".
El 26 de agosto de 2003 sale a la venta "Sincero", donde Chayanne incursiona en nuevos ritmos promocionando canciones como "Sentada aquí en mi alma", "Caprichosa", "Un siglo sin ti" (firmada por Franco de Vita), "Cuidarte el alma", "Santa Sofía" y " Vaiven", sencillo promocionado en España. El 29 de marzo de 2005 saca al mercado el segundo álbum recopilatorio: "Desde Siempre" compuesto de canciones románticas famosas de su carrera, como: "Fuiste un trozo de hielo en la escarcha", "Daría cualquier cosa", "El centro de mi corazón", "Solamente tu amor", entre otros y un cover de Franco de Vita: "Contra vientos y mareas". Ese mismo año publica su nuevo trabajo discográfico: "Cautivo", cuyos temas promocionados fueron: "No te preocupes por mi", "Te echo de menos" y "No se por que".
El 10 de abril de 2007 sale a la venta "Mi tiempo", décimo quinto disco en la carrera de Chayanne, se promocionan sencillos como "Si nos quedara poco tiempo", el cual obtuvo el #1 en varios países, "Lola", "Tengo miedo" e "Indispensable". El 9 de septiembre de 2008 sale al mercado su disco de grandes éxitos "De piel a piel". En 2007 graba su primer disco en directo titulado: "Vivo"; ejecutado en un concierto en el estadio de River Plate en Argentina y es lanzado al mercado el 28 de octubre de 2008. El 23 de febrero de 2010 sale a la venta su disco de estudio "No hay imposibles", donde la canción: "Me enamoré de ti" (lanzado el lunes 12 de octubre de 2009 en las radioemisoras latinoamericanas y españolas) es el tema principal de la telenovela mexicana de Televisa Corazón salvaje (2009-2010). Otros temas promocionados del álbum fueron: "Si no estás", "Me pierdo contigo", "Tu boca".
El 7 de febrero de 2012, lanza al mercado un nuevo disco en vivo "A solas con Chayanne", grabado durante un concierto realizado en el Auditorio Nacional de México los días jueves 9 y viernes 10 de junio de 2011 en la gira No hay imposibles. El lunes 29 de agosto de 2011 lanza el sencillo "Amorcito corazón" (versión de la canción de Pedro Infante) que fue tema principal de la telenovela de Televisa del mismo nombre (2011-2012). El vídeoclip "Amorcito corazón" fue filmado en la colonia San Rafael en la ciudad de México, D.F., México en color blanco y negro y fue dirigido por Gustavo Garzón fue estrenado en el canal de Youtube de VEVO el lunes 3 de octubre de 2011 y canal de Ritmoson Latino y HTV.
"En todo estaré" 2014 es el siguiente álbum de Chayanne publicado luego de cuatro de años de su último trabajo en estudio. En este disco Chayanne, ha coescrito alguno de los temas, contado además con la colaboración de grandes compositores, como Franco de Vita, Estéfano y Vladimir Dotel. El sencillo promocional es: "Humanos a Marte" que cuenta además con una versión Remix junto al cantante puertorriqueño Yandel del ex dúo "Wisin & Yandel". Como parte de la extensa gira promocional para presentar este nuevo álbum, Chayanne estará en Argentina, Chile, México, España, Estados Unidos, y Puerto Rico.
Elmer Figueroa Arce nació en Río Piedras, Puerto Rico el 28 de junio de 1968), conocido por su nombre artístico de Chayanne.
Ha vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo, está casado con la abogada venezolana Marilisa Maronesse, Miss Venezuela Latina 1988. Tiene dos hijos, Lorenzo Valentino e Isadora Sofía.
Comenzó a utilizar el nombre artístico "Chayanne" cuando tenía tan solo 9 años de edad; proviene de una serie de televisión de 1955 llamada Cheyenne, que su madre veía.Tras la separación del grupo «Los Chicos», en 1983, conoce al empresario puertorriqueño Gustavo Sánchez, quien se convirtió en su manager durante casi 15 años, viajan a México, para iniciar grabaciones. En 1984 lanza al mercado su álbum debut como solista, bajo la casa disquera RCA, titulado "Chayanne es mi nombre", incursiona en la radio con temas como ...Y qué culpa tengo yo, filmando su primer video, "Chayanne es mi nombre" y de "Dos en dos", los cuales tuvieron éxito principalmente en Centroamérica.
En 1986 continúa su carrera y publica "Sangre latina", bajo el sello musical de RCA y promociona temas como: "Vuelve", "Una foto para dos" y "Jana" lo que le permitió seguir creciendo en su carrera de forma muy alentadora.
En 1987 y debido al éxito que obtuvo en sus primeros años, recibe un contrato para firmar con CBS (Sony Music actualmente) y graba su primer disco homónimo "Chayanne", con el cual se dio a conocer en toda Latinoamérica, con canciones como: "Fiesta en América", con la que comienza a marcar un estilo único, debido a su baile y coreografía, y se unieron a esta "Digo no" y "Violeta", también promociona baladas como "Peligro de amor", "Para tenerte otra vez", "Te deseo" y "Emociones cuantas emociones" El éxito de este álbum llevaría a editar una versión para el mercado en portugués.
El 1 de noviembre de 1988 lanza al mercado su segundo disco homónimo "Chayanne", con el cual tendría gran éxito, con canciones que se colocarían en los primeros lugares, como "Tu pirata soy yo", "Fuiste un trozo de hielo en la escarcha", "Fantasías", "Palo bonito" , y "Este ritmo se baila así", canción con la que gana un premio MTV a mejor video musical en 1989 y con la cual graba su primer comercial para Pepsi.
El 7 de agosto de 1990 lanza al mercado su quinto disco "Tiempo de vals" con el que empieza a dar un giro a su carrera dirigiéndose a personas más adultas, y promociona canciones como "Completamente enamorados", "Daría cualquier cosa", "Soleil, Soleil", "Tiempo de vals" y "La fuerza de amar" que conseguirían ser #1 en diversos países de Latinoamérica. Con "Simon Sez", sería la segunda ocasión en grabar un comercial para Pepsi.
El 28 de julio de 1992 lanza al mercado "Provócame", disco con el que cambia su imagen a una más atrevida y madura, pelo rizado un poco más largo, barba, patillas largas, botas, chaqueta de cuero, dimensionando un momento importante en su carrera, y colocándolo como un 'sex-symbol latino. Se coloca en los primeros lugares en la música en Latinoamérica con temas como "Provócame", "El centro de mi corazón", "Isla desnuda", "Mi primer amor", "Mimí", "Socca Dance", "El arte de amar", "Todo el mundo necesita un beso" y "Éxtasis".
El 27 de septiembre de 1994 lanza al mercado su séptimo disco de estudio: "Influencias", donde versiona temas famosos de cantantes latinos como: José José, Camilo Sesto, Juan Gabriel, Roberto Carlos, Sandro, Rubén Bladés, y José Feliciano. Durante este proceso, termina su relación profesional con Gustavo Sánchez, y se retira de los escenarios por un tiempo.
El 17 de septiembre de 1996 regresa para grabar su octavo larga duración, con su propio equipo de producción: CHAF Enterprises Inc; con el disco "Volver a nacer", con el cual se vuelve a colocar en los primeros lugares de la música latina, promociona canciones como "Sólo traigo mi ritmo", "Volver a nacer", "Solamente tu amor", "Tal vez es amor", "Baila, baila", "Sólo pienso en ti", "Guajira" y "Entre mis recuerdos".
El 29 de septiembre de 1998 lanza al mercado su noveno disco "Atado a tu amor" siendo el disco más vendido en su carrera, con el que se da a conocer en muchos países de Europa, como Italia, Portugal y Turquía, pero se consolida especialmente en España, país donde coloca varios números 1, como "Salomé" que también se coloca como gran éxito en Latinoamérica o "Enamorado". Las baladas "Dejaría todo", "Atado a tu amor", y "Pienso en ti" igualmente logran posicionarse dentro de las carteleras musicales de Latinoámerica. Además, el tema de su reciente película en Hollywood 'Dance With Me'; "Refugio de amor (You Are My Home)", un dueto con Vanessa L. Williams, alcanza gran popularidad.
El 3 de octubre de 2000 Chayanne lanza al mercado su disco "Simplemente" y continua con su exitosa carrera, debido a temas como "Simplemente", "Yo te amo", "Candela", "Ay, mamá", "Mariana Mambo", "Boom Boom" y el bonus track "Vivo (Alive)", y otras más. Interpretó la canción "Donde va tu sueño", de la versión para el publico hispano de la película infanti Atlantis: el imperio perdido (2001). El 19 de marzo de 2002 sale a la venta su primer disco de "Grandes éxitos" con los temas más importantes de su carrera desde 1987 hasta la fecha, además de tres canciones inéditas entre ellas "Y tú te vas" (Ganadora de un premio Billboard Latino), y " Torero" cuyos videoclips fueron grabados en Argentina y que se convertirían rápidamente en número 1, además de la canción "Quisiera ser".
El 26 de agosto de 2003 sale a la venta "Sincero", donde Chayanne incursiona en nuevos ritmos promocionando canciones como "Sentada aquí en mi alma", "Caprichosa", "Un siglo sin ti" (firmada por Franco de Vita), "Cuidarte el alma", "Santa Sofía" y " Vaiven", sencillo promocionado en España. El 29 de marzo de 2005 saca al mercado el segundo álbum recopilatorio: "Desde Siempre" compuesto de canciones románticas famosas de su carrera, como: "Fuiste un trozo de hielo en la escarcha", "Daría cualquier cosa", "El centro de mi corazón", "Solamente tu amor", entre otros y un cover de Franco de Vita: "Contra vientos y mareas". Ese mismo año publica su nuevo trabajo discográfico: "Cautivo", cuyos temas promocionados fueron: "No te preocupes por mi", "Te echo de menos" y "No se por que".
El 10 de abril de 2007 sale a la venta "Mi tiempo", décimo quinto disco en la carrera de Chayanne, se promocionan sencillos como "Si nos quedara poco tiempo", el cual obtuvo el #1 en varios países, "Lola", "Tengo miedo" e "Indispensable". El 9 de septiembre de 2008 sale al mercado su disco de grandes éxitos "De piel a piel". En 2007 graba su primer disco en directo titulado: "Vivo"; ejecutado en un concierto en el estadio de River Plate en Argentina y es lanzado al mercado el 28 de octubre de 2008. El 23 de febrero de 2010 sale a la venta su disco de estudio "No hay imposibles", donde la canción: "Me enamoré de ti" (lanzado el lunes 12 de octubre de 2009 en las radioemisoras latinoamericanas y españolas) es el tema principal de la telenovela mexicana de Televisa Corazón salvaje (2009-2010). Otros temas promocionados del álbum fueron: "Si no estás", "Me pierdo contigo", "Tu boca".
El 7 de febrero de 2012, lanza al mercado un nuevo disco en vivo "A solas con Chayanne", grabado durante un concierto realizado en el Auditorio Nacional de México los días jueves 9 y viernes 10 de junio de 2011 en la gira No hay imposibles. El lunes 29 de agosto de 2011 lanza el sencillo "Amorcito corazón" (versión de la canción de Pedro Infante) que fue tema principal de la telenovela de Televisa del mismo nombre (2011-2012). El vídeoclip "Amorcito corazón" fue filmado en la colonia San Rafael en la ciudad de México, D.F., México en color blanco y negro y fue dirigido por Gustavo Garzón fue estrenado en el canal de Youtube de VEVO el lunes 3 de octubre de 2011 y canal de Ritmoson Latino y HTV.
"En todo estaré" 2014 es el siguiente álbum de Chayanne publicado luego de cuatro de años de su último trabajo en estudio. En este disco Chayanne, ha coescrito alguno de los temas, contado además con la colaboración de grandes compositores, como Franco de Vita, Estéfano y Vladimir Dotel. El sencillo promocional es: "Humanos a Marte" que cuenta además con una versión Remix junto al cantante puertorriqueño Yandel del ex dúo "Wisin & Yandel". Como parte de la extensa gira promocional para presentar este nuevo álbum, Chayanne estará en Argentina, Chile, México, España, Estados Unidos, y Puerto Rico.
Henry Thomas
Henry Jackson Thomas, Jr. nació el 9 de septiembre de 1971 en, San Antonio, Texas. Recordado por su papel como Elliot en la película E.T., el extraterrestre (1982) de Steven Spielberg. Estudió en el East Central High School y en el Blinn College. Debutó en 1981 en el filme Raggedy man, de Jack Fisk y participó en la película The Steeler and the Pittsburgh Kid (1981). Al año siguiente fue elegido para el film E.T., el extraterrestre, actuando el rol de un niño que hace amistad con un extraterrestre. El film resultó un éxito de taquilla y promocionó su carrera.
De regreso en San Antonio, participó en una serie de comerciales para televisión, mientras seguía sus estudios en el colegio. En los años siguientes de la década de 1980 actuó en las películas Misunderstood (1984), Cloak & Dagger (1984), Frog Dreaming (1986), Murder One (1988) y Valmont (1989), de Miloš Forman.
En la década de 1990, ya adolescente, participó en las películas para televisión Psicosis IV - El comienzo (1990) donde interpreta el papel como Norman Bates joven, A Taste for Killing (1992), Beyond Obsession (1994), Indictment: The McMartin Trial (1995), que le valió una nominación al premio Globo de Oro, Riders of the Purple Sage (1996), Moby Dick (1998) y Happy Face Murders (1999).
Para la pantalla grande actuó en Fuego en el cielo (1993), Curse of the Starving Class (1994), Leyendas de pasión (1994), Bombshell (1996), Hijacking Hollywood (1997), Niagara, Niagara (1997), Suicide Kings (1997), Moby Dick (1998) y Fever (1999).
En la década de 2000 ha participado en A Good Baby (2000), All the Pretty Horses (2000), The Quickie (2001), Dead in the Water (2002), I'm with Lucy (2002), Gangs of New York (2002), I Capture the Castle (2003), Briar Patch (2003), 11:14 (2003), Honey Baby (2003), Dead Birds (2004), The Hard Easy (2005), Desperation (2006) (película para TV), The Last Sin (2007), Paranormal Activity (2007), Suffering Man's Charity (2007) y Red Velvet (2009).
También participó en dos series de televisión, Masters of Horror (2005) y Without a Trace (2007–2008)
Estuvo casado con la actriz Kelly Hill (2000- 2002). Está actualmente casado con la actriz alemana Marie Zielcke, con quien tiene una hija, Hazel. Vive en la ciudad de Los Angeles.
Henry Jackson Thomas, Jr. nació el 9 de septiembre de 1971 en, San Antonio, Texas. Recordado por su papel como Elliot en la película E.T., el extraterrestre (1982) de Steven Spielberg. Estudió en el East Central High School y en el Blinn College. Debutó en 1981 en el filme Raggedy man, de Jack Fisk y participó en la película The Steeler and the Pittsburgh Kid (1981). Al año siguiente fue elegido para el film E.T., el extraterrestre, actuando el rol de un niño que hace amistad con un extraterrestre. El film resultó un éxito de taquilla y promocionó su carrera.
De regreso en San Antonio, participó en una serie de comerciales para televisión, mientras seguía sus estudios en el colegio. En los años siguientes de la década de 1980 actuó en las películas Misunderstood (1984), Cloak & Dagger (1984), Frog Dreaming (1986), Murder One (1988) y Valmont (1989), de Miloš Forman.
En la década de 1990, ya adolescente, participó en las películas para televisión Psicosis IV - El comienzo (1990) donde interpreta el papel como Norman Bates joven, A Taste for Killing (1992), Beyond Obsession (1994), Indictment: The McMartin Trial (1995), que le valió una nominación al premio Globo de Oro, Riders of the Purple Sage (1996), Moby Dick (1998) y Happy Face Murders (1999).
Para la pantalla grande actuó en Fuego en el cielo (1993), Curse of the Starving Class (1994), Leyendas de pasión (1994), Bombshell (1996), Hijacking Hollywood (1997), Niagara, Niagara (1997), Suicide Kings (1997), Moby Dick (1998) y Fever (1999).
En la década de 2000 ha participado en A Good Baby (2000), All the Pretty Horses (2000), The Quickie (2001), Dead in the Water (2002), I'm with Lucy (2002), Gangs of New York (2002), I Capture the Castle (2003), Briar Patch (2003), 11:14 (2003), Honey Baby (2003), Dead Birds (2004), The Hard Easy (2005), Desperation (2006) (película para TV), The Last Sin (2007), Paranormal Activity (2007), Suffering Man's Charity (2007) y Red Velvet (2009).
También participó en dos series de televisión, Masters of Horror (2005) y Without a Trace (2007–2008)
Estuvo casado con la actriz Kelly Hill (2000- 2002). Está actualmente casado con la actriz alemana Marie Zielcke, con quien tiene una hija, Hazel. Vive en la ciudad de Los Angeles.
Este viaje es un camino brillante, lleno de éxitos, pero también con algunos tropiezos. Eso es lo que forma a los ejemplos a seguir: caer y saber levantarse. Eso los acerca más a nosotros. Eso es lo que nos hace sentir, vibrar y emocionarnos, no importa la época.
Por eso son estrellas, porque su brillo seguirá y permanecerá por siempre.
Por eso son estrellas, porque su brillo seguirá y permanecerá por siempre.
Breve Retablo Cinematográfico
En el umbral de los tiempos Dios creó al hombre a su imagen y semejanza, le dio inteligencia, voz, sentimientos y la capacidad para expresarse.
La palabra fue tal vez el primer signo de expresión humana, y a partir de ahí los seres humanos hemos desarrollado esa facultad divina para comunicarnos y transmitir ideas, sentimientos, pensamientos y los hechos ciertos de la historia.
Libros, pinturas, fotografías, programas televisivos, emisiones radiofónicas, transmisión en vivo y a todo el mundo a través de Internet, uso de redes sociales o sesiones cinematográficas, todo es conocimiento a nuestro alcance.
En el campo específico del cine el panorama es prácticamente ilimitado; el único freno es nuestra propia imaginación. Así, a lo largo de su historia, el firmamento cinematográfico ha sido engalanado por las más diversas historias, siendo el género épico bíblico uno de sus pilares fundamentales.
Como definición de este género se puede decir que “es aquel que presenta pasajes o relatos de la Biblia que hablan de los principales acontecimientos o personajes consignados en el Antiguo y Nuevo Testamento”, aunque también existen producciones noveladas que se ubican dentro de algún contexto bíblico determinado.
Fueron estas producciones las que ayudaron al cine norteamericano a recuperar los mercados perdidos durante la Segunda Guerra Mundial y la posguerra.
¿Quién no recuerda en su niñez aquellas tardes encantadoras cuando, acompañados por nuestros padres o abuelos admirábamos en imponentes pantallas las penurias sufridas por el pueblo de Israel bajo el dominio egipcio hasta su liberación bajo el mando de Moisés, o los milagros de Nuestro Señor Jesucristo, o las terribles persecuciones de los primeros cristianos en el antiguo Imperio Romano? Todos, grandes y pequeños hemos admirado partes de la Historia Sagrada y por consiguiente, todos nosotros somos poseedores de un legado fílmico invaluable.
La palabra fue tal vez el primer signo de expresión humana, y a partir de ahí los seres humanos hemos desarrollado esa facultad divina para comunicarnos y transmitir ideas, sentimientos, pensamientos y los hechos ciertos de la historia.
Libros, pinturas, fotografías, programas televisivos, emisiones radiofónicas, transmisión en vivo y a todo el mundo a través de Internet, uso de redes sociales o sesiones cinematográficas, todo es conocimiento a nuestro alcance.
En el campo específico del cine el panorama es prácticamente ilimitado; el único freno es nuestra propia imaginación. Así, a lo largo de su historia, el firmamento cinematográfico ha sido engalanado por las más diversas historias, siendo el género épico bíblico uno de sus pilares fundamentales.
Como definición de este género se puede decir que “es aquel que presenta pasajes o relatos de la Biblia que hablan de los principales acontecimientos o personajes consignados en el Antiguo y Nuevo Testamento”, aunque también existen producciones noveladas que se ubican dentro de algún contexto bíblico determinado.
Fueron estas producciones las que ayudaron al cine norteamericano a recuperar los mercados perdidos durante la Segunda Guerra Mundial y la posguerra.
¿Quién no recuerda en su niñez aquellas tardes encantadoras cuando, acompañados por nuestros padres o abuelos admirábamos en imponentes pantallas las penurias sufridas por el pueblo de Israel bajo el dominio egipcio hasta su liberación bajo el mando de Moisés, o los milagros de Nuestro Señor Jesucristo, o las terribles persecuciones de los primeros cristianos en el antiguo Imperio Romano? Todos, grandes y pequeños hemos admirado partes de la Historia Sagrada y por consiguiente, todos nosotros somos poseedores de un legado fílmico invaluable.
Para su mejor comprensión, este género cinematográfico puede ser dividido en tres corrientes fácilmente identificables: en la primera encontramos aquellas cintas que nos ubican en el Antiguo Testamento y que nos relatan pasajes históricos sobre el peregrinar de las Doce Tribus de Israel.
Entre las más destacadas se encuentran “Los Diez Mandamientos” (The Ten Commandments), dirigida en 1956 por Cecil B. DeMille y protagonizada por Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Edward G. Robinson, Yvonne DeCarlo, Vincent Price y John Carradine. En esta producción se cuenta la historia de Moisés, quien encabeza la liberación del pueblo judío del yugo egipcio que culmina con su partida hacia la Tierra Prometida y el otorgamiento del Decálogo (10 Mandamientos) en lo alto del Monte Sinaí.
“El Rey David” (King David), dirigida en 1985 por Bruce Beresford y protagonizada por Richard Gere, Alice Krige y Edward Woodward. En esta cinta se narra la famosa historia del enfrentamiento de David, un joven pastor, y Goliat, un gigante que peleaba al lado de los Filisteos y que es vencido.
Dentro de este apartado tiene también que mencionarse la superproducción de dibujos animados “El Príncipe de Egipto” (The Prince of Egypt) dirigida en 1998 por Brenda Chapman, Steve Hickner y Simon Wells, producida por la división de animación de los estudios Dreamworks SKG. Esta es la versión animada de “Los Diez Mandamientos” para la cual prestaron sus voces Val Kilmer (Moisés), Ralph Fiennes (Ramsés), Sandra Bullock, Michelle Pfeiffer, Danny Glover y Jeff Goldblum. Y en esta nueva década se han sumado las cintas “Noé”, de Darren Aronofsky y “Príncipes y Dioses”, del británico Ridley Scott.
Entre las más destacadas se encuentran “Los Diez Mandamientos” (The Ten Commandments), dirigida en 1956 por Cecil B. DeMille y protagonizada por Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Edward G. Robinson, Yvonne DeCarlo, Vincent Price y John Carradine. En esta producción se cuenta la historia de Moisés, quien encabeza la liberación del pueblo judío del yugo egipcio que culmina con su partida hacia la Tierra Prometida y el otorgamiento del Decálogo (10 Mandamientos) en lo alto del Monte Sinaí.
“El Rey David” (King David), dirigida en 1985 por Bruce Beresford y protagonizada por Richard Gere, Alice Krige y Edward Woodward. En esta cinta se narra la famosa historia del enfrentamiento de David, un joven pastor, y Goliat, un gigante que peleaba al lado de los Filisteos y que es vencido.
Dentro de este apartado tiene también que mencionarse la superproducción de dibujos animados “El Príncipe de Egipto” (The Prince of Egypt) dirigida en 1998 por Brenda Chapman, Steve Hickner y Simon Wells, producida por la división de animación de los estudios Dreamworks SKG. Esta es la versión animada de “Los Diez Mandamientos” para la cual prestaron sus voces Val Kilmer (Moisés), Ralph Fiennes (Ramsés), Sandra Bullock, Michelle Pfeiffer, Danny Glover y Jeff Goldblum. Y en esta nueva década se han sumado las cintas “Noé”, de Darren Aronofsky y “Príncipes y Dioses”, del británico Ridley Scott.
La segunda corriente de este género se basa en el Nuevo Testamento; es decir, las cintas abarcan la vida y obra de Jesús de Nazaret desde su Nacimiento hasta su Pasión, Muerte y Resurrección. Este apartado incluye verdaderas obras amestras tanto en su concepción técnica como artística. Además, es uno de los géneros más emotivos y que llevan al público a la reflexión. Dentro de las cintas más representativas encontramos:
“Rey de Reyes” (King of Kings), dirigida en 1961 por Nicholas Ray y protagonizada por Jeffrey Hunter, Sioblan McKeena, Robert Ryan, Viveca Lindfors y Rip Torn; “La Más Grande Historia Jamás Contada” (The Greatest Story Ever Told), impresionante cinta dirigida por George Stevens en 1965 estelarizada por Max Von Sodow, Dorothy Maguire, Claude Rains, Sidney Poitier, Donald Pleasence, Roddy McDowall, Shelly Winters, Telly Savalas y Angela Landsbury.
Atención especial merece la superproducción del italiano Franco Zeffirelli “Jesús de Nazaret” (Jesús of Nazaret) cuyo trabajo inició en 1969 y concluyó a principios de 1972 y en donde se presenta en su totalidad la vida de Jesucristo (“La Vida de Jesús” y “La Pasión de Cristo”), interpretado en forma magistral por Robert Powell.
Mención aparte merece el trabajo realizado por el actor y director Mel Gibson en “La Pasión de Cristo” (The Passion of the Christ), producción del año 2004 en donde conjuga de manera única el latín y el araméo para estructurar los diálogos interpretados por el elenco encabezado de manera impresionante por Jim Cavizel, Mónica Bellucci, Maia Morgenstern y Sergio Rubini. En esta versión realista, directa y visualmente envolvente se retrata la vida de Jesucristo en una serie de flashbacks hasta concluir con su Pasión, Muerte y Resurrección. A esta cinta el mismísimo Papa Juan Pablo II le dio su aprobación mencionando que era “un verdadero ejercicio espiritual”. En mi opinión, a pesar de la crudeza de sus imágenes, es el mejor acercamiento fílmico a la vida de Nuestro Señor.
El punto polémico sobre el tema lo encabezan “El Evangelio Según San Mateo” (Il Vangelo Secondo Mateo), cinta italiana de 1964 de Pier Paolo Pasolini en donde Enrique Irazoqui, y Margherite Caruso presentan un personaje más humano, más apegado al hecho histórico y con locaciones realistas, fuera del esplendor de Hollywood. Y por supuesto no puede quedar fuera Martin Scorsese, quien en 1988 dirigió “La Última Tentación de Cristo” (The Last Temptation of Christ), profunda y vigorosa interpretación de la vida de Jesús, basada en la novela del griego Nikos Kazantzakis en donde se presenta un Jesucristo (Willem Dafoe) en términos muy humanos, atormentado por la duda y la culpabilidad, quien finalmente reúne el entendimiento y el valor para llevar a término su impresionante acto de amor y de fe.
“Rey de Reyes” (King of Kings), dirigida en 1961 por Nicholas Ray y protagonizada por Jeffrey Hunter, Sioblan McKeena, Robert Ryan, Viveca Lindfors y Rip Torn; “La Más Grande Historia Jamás Contada” (The Greatest Story Ever Told), impresionante cinta dirigida por George Stevens en 1965 estelarizada por Max Von Sodow, Dorothy Maguire, Claude Rains, Sidney Poitier, Donald Pleasence, Roddy McDowall, Shelly Winters, Telly Savalas y Angela Landsbury.
Atención especial merece la superproducción del italiano Franco Zeffirelli “Jesús de Nazaret” (Jesús of Nazaret) cuyo trabajo inició en 1969 y concluyó a principios de 1972 y en donde se presenta en su totalidad la vida de Jesucristo (“La Vida de Jesús” y “La Pasión de Cristo”), interpretado en forma magistral por Robert Powell.
Mención aparte merece el trabajo realizado por el actor y director Mel Gibson en “La Pasión de Cristo” (The Passion of the Christ), producción del año 2004 en donde conjuga de manera única el latín y el araméo para estructurar los diálogos interpretados por el elenco encabezado de manera impresionante por Jim Cavizel, Mónica Bellucci, Maia Morgenstern y Sergio Rubini. En esta versión realista, directa y visualmente envolvente se retrata la vida de Jesucristo en una serie de flashbacks hasta concluir con su Pasión, Muerte y Resurrección. A esta cinta el mismísimo Papa Juan Pablo II le dio su aprobación mencionando que era “un verdadero ejercicio espiritual”. En mi opinión, a pesar de la crudeza de sus imágenes, es el mejor acercamiento fílmico a la vida de Nuestro Señor.
El punto polémico sobre el tema lo encabezan “El Evangelio Según San Mateo” (Il Vangelo Secondo Mateo), cinta italiana de 1964 de Pier Paolo Pasolini en donde Enrique Irazoqui, y Margherite Caruso presentan un personaje más humano, más apegado al hecho histórico y con locaciones realistas, fuera del esplendor de Hollywood. Y por supuesto no puede quedar fuera Martin Scorsese, quien en 1988 dirigió “La Última Tentación de Cristo” (The Last Temptation of Christ), profunda y vigorosa interpretación de la vida de Jesús, basada en la novela del griego Nikos Kazantzakis en donde se presenta un Jesucristo (Willem Dafoe) en términos muy humanos, atormentado por la duda y la culpabilidad, quien finalmente reúne el entendimiento y el valor para llevar a término su impresionante acto de amor y de fe.
Y por último, la tercera corriente del género se refiere a aquellas cintas basadas en personajes no necesariamente históricos, situados en el contexto de los tiempos de Jesús o de los primeros cristianos de Roma.
Ejemplos notables de este apartado son “¿Quo Vadis?” (Quo Vadis?), dirigida en 1951 por Mervyn LeRoy y cuyos protagonistas son Robert Taylor, Deborah Kerr y Peter Ustinov. En esta cinta se presenta la persecución de que fueron objeto los primeros cristianos durante la época del Emperador Nerón.
“El Manto Sagrado” (The Robe), dirigida por Henry Koster en 1953 y que lleva en los estelares a Richard Burton, Jean Simmons, Michael Rennie y Dawn Addams. La cinta cuenta la conversión del tribuno romano Galio al cristianismo; “El Cáliz de Plata” (The Silver Chalice), de 1954. En esta película el director Víctor Saville recurre a las actuaciones de Paul Newman, Natalie Wood, Pier Angeli, Jack Palance y Lorne Greene para contarnos la historia de un esclavo griego liberado por el Apóstol Lucas que, tras convertirse a las nacientes enseñanzas del cristianismo, fabrica el caliz de donde Jesús bebe el vino durante la última cena.
Y por supuesto, un referente obligado en la historia del cine es “Ben-Hur” (Ben-Hur), cinta por demás espectacular dirigida por William Wyler y Andrew Marton en 1959 donde se realiza una fiel adaptación de la novela homónima de Lewis Wallace que trata acerca de un aristócrata judío que es perseguido en forma implacable por los romanos y termina como seguidor de Cristo. Los papeles estelares corren a cargo de Charlton Heston, Stephen Boyd, Martha Scott y Jack Hawkins.
Ejemplos notables de este apartado son “¿Quo Vadis?” (Quo Vadis?), dirigida en 1951 por Mervyn LeRoy y cuyos protagonistas son Robert Taylor, Deborah Kerr y Peter Ustinov. En esta cinta se presenta la persecución de que fueron objeto los primeros cristianos durante la época del Emperador Nerón.
“El Manto Sagrado” (The Robe), dirigida por Henry Koster en 1953 y que lleva en los estelares a Richard Burton, Jean Simmons, Michael Rennie y Dawn Addams. La cinta cuenta la conversión del tribuno romano Galio al cristianismo; “El Cáliz de Plata” (The Silver Chalice), de 1954. En esta película el director Víctor Saville recurre a las actuaciones de Paul Newman, Natalie Wood, Pier Angeli, Jack Palance y Lorne Greene para contarnos la historia de un esclavo griego liberado por el Apóstol Lucas que, tras convertirse a las nacientes enseñanzas del cristianismo, fabrica el caliz de donde Jesús bebe el vino durante la última cena.
Y por supuesto, un referente obligado en la historia del cine es “Ben-Hur” (Ben-Hur), cinta por demás espectacular dirigida por William Wyler y Andrew Marton en 1959 donde se realiza una fiel adaptación de la novela homónima de Lewis Wallace que trata acerca de un aristócrata judío que es perseguido en forma implacable por los romanos y termina como seguidor de Cristo. Los papeles estelares corren a cargo de Charlton Heston, Stephen Boyd, Martha Scott y Jack Hawkins.
Con historias emotivas y llenas de contenido humano, moral y espiritual, este género se ha posicionado y mantenido a lo largo de la historia como uno de los favoritos de grandes y pequeños.
The Doors; Leyendas del Rock
The Doors fue una banda de rock estadounidense, formada en Los Ángeles (California), en julio del año 1965 y disuelta en el año 1973. Junto a Jefferson Airplane, Grateful Dead y Pink Floyd, se convirtió en uno de los máximos exponentes de la psicodelia de los años 60. El grupo es considerado uno de los más influyentes en la historia del rock.
En 1964 Jim Morrison se encontraba en la playa de Venice, California, y encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, Ray Manzarek, quien era cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual conversación y Morrison aprovechó para leerle a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir. Ray (fanático del blues y rock de la época) le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidieron formar una banda.
Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychodelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997.
Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción se abrieran por completo, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception.
Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychodelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997.
Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción se abrieran por completo, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception.
The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto, enfatizando también el hecho de haber sido influidos por diferentes grupos de rock de la época, así como el destacado género del blues. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso piano Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.
Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors.
Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go. El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción: "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you" ("¿Padre? Sí hijo?, Quiero matarte", "¿Madre? Quiero tener sexo contigo").
Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors.
Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go. El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción: "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you" ("¿Padre? Sí hijo?, Quiero matarte", "¿Madre? Quiero tener sexo contigo").
El LP homónimo de The Doors, lanzado en enero de 1967, causó sensación en los círculos musicales. En este disco aparecían muchas de las grandes canciones de su repertorio, incluyendo el drama musical, "The End". La banda, habiendo tocado las canciones durante los dos años anteriores y teniendo sistematizada las mismas, grabó el álbum en un par de días, a finales de agosto y principios de septiembre de 1966, casi enteramente en vivo en el estudio y muchas canciones en una sola toma. Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales.
Su segundo single, "Light My Fire", puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima sino hasta julio.
En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD "The Doors Soundstage Performances" a principios de los años 2000.
Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol", aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el "Show de Ed Sullivan" los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de "higher", y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, "We just did the Ed Sullivan Show" (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, "People Are Strange", el cual repitieron para el Show del DJ "Murray The K" el 22 de septiembre.
Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó "Light My Fire" y "Moonlight Drive" en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes.
Su segundo single, "Light My Fire", puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima sino hasta julio.
En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD "The Doors Soundstage Performances" a principios de los años 2000.
Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol", aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el "Show de Ed Sullivan" los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de "higher", y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, "We just did the Ed Sullivan Show" (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, "People Are Strange", el cual repitieron para el Show del DJ "Murray The K" el 22 de septiembre.
Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó "Light My Fire" y "Moonlight Drive" en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes.
Strange Days fue el segundo LP de The Doors, lanzado en septiembre de 1967. Recibió un disco de oro y llegó al #3 del Billboard. Strange Days consta parcialmente de canciones que no se incluyeron en el trabajo debut. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como "Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End".
El álbum también incluye "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en "Strange Days".
El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la Rolling Stone. "People Are Strange" llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y "Love Me Two Times" la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors después del éxito de su álbum de debut.
Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo.
La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single "Hello, I Love You" fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción "The Unknown Soldier", del cual dirigieron otro videoclip, y "Not to Touch the Earth", extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live.
Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda tocó algunos conciertos más en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes.
El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, "Touch Me (The Doors)" (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el # 3 en los Estados Unidos.
Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison.
El álbum también incluye "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en "Strange Days".
El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la Rolling Stone. "People Are Strange" llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y "Love Me Two Times" la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors después del éxito de su álbum de debut.
Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo.
La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single "Hello, I Love You" fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción "The Unknown Soldier", del cual dirigieron otro videoclip, y "Not to Touch the Earth", extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live.
Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda tocó algunos conciertos más en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes.
El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, "Touch Me (The Doors)" (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el # 3 en los Estados Unidos.
Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison.
El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6.900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fans estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:
“Ahora escuchenme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse.
Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, vengan a L.A., salgan de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Están listos, están listos, están listos, están listos, están listos, están listos, están listos?
¡Ahora escuchenme! Yo solía pensar que todo esto era una gran broma. Solía pensar que era algo para reirse. Entonces estas últimas noches conocí a algunas personas que estaban haciendo algo ¡Estaban tratando de cambiar el mundo! ¡Yo quiero unirme a ese viaje! Quiero cambiar el mundo. Cambiarlo. Siiiiií... cambiarlo.
Después de unos minutos Morrison cambió el tono:
Ahora escuchenme no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. ¡Estoy hablando de divertirse! ¡Estoy hablando de bailar! ¡Quiero ver a todos de pie y bailando! ¡Quiero verlos bailando en la calle este verano! Quiero verlos divirtiéndose. Quiero verlos correr por ahí. Quiero verlos pintando la ciudad. Quiero verlos haciendo ruido. Quiero verlos gritar. Quiero ver diversión. ¡¡¡Quiero ver su diversión !!!.
La grabación se acerca su final con las siguientes palabras:
¡CUALQUIER COSA QUE QUIERAN HACER! ¡HAGANLO, HAGANLO, HAGANLO, HAGANLO!
El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco."
Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: "Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío... y a eso le puse fin en una gloriosa tarde".
Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como "Jim Morrison y The Doors", Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como "The Doors". Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca se sentía cómodo en una situación social a menos que éste u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo. Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía, y después de su muerte los miembros de la banda se negaron a reemplazarlo.
En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto a su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del "Rey Lagarto", que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de Absolutely Live, lanzado en 1970. El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre e incluye una versión completa de "The Celebration of the Lizard".
La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, The Soft Parade, incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre.
El grupo continuó con su gira en el Teatro del Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el The Aquarius Theatre en Hollywood el 21 de julio y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien. El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más "Blues", con canciones como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue", y "Who Do You Love". Todavía su voz no perdía su poder, y la banda todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de "When the Music's Over" y "Celebration of the Lizard".
“Ahora escuchenme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse.
Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, vengan a L.A., salgan de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Están listos, están listos, están listos, están listos, están listos, están listos, están listos?
¡Ahora escuchenme! Yo solía pensar que todo esto era una gran broma. Solía pensar que era algo para reirse. Entonces estas últimas noches conocí a algunas personas que estaban haciendo algo ¡Estaban tratando de cambiar el mundo! ¡Yo quiero unirme a ese viaje! Quiero cambiar el mundo. Cambiarlo. Siiiiií... cambiarlo.
Después de unos minutos Morrison cambió el tono:
Ahora escuchenme no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. ¡Estoy hablando de divertirse! ¡Estoy hablando de bailar! ¡Quiero ver a todos de pie y bailando! ¡Quiero verlos bailando en la calle este verano! Quiero verlos divirtiéndose. Quiero verlos correr por ahí. Quiero verlos pintando la ciudad. Quiero verlos haciendo ruido. Quiero verlos gritar. Quiero ver diversión. ¡¡¡Quiero ver su diversión !!!.
La grabación se acerca su final con las siguientes palabras:
¡CUALQUIER COSA QUE QUIERAN HACER! ¡HAGANLO, HAGANLO, HAGANLO, HAGANLO!
El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco."
Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: "Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío... y a eso le puse fin en una gloriosa tarde".
Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como "Jim Morrison y The Doors", Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como "The Doors". Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca se sentía cómodo en una situación social a menos que éste u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo. Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía, y después de su muerte los miembros de la banda se negaron a reemplazarlo.
En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto a su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del "Rey Lagarto", que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de Absolutely Live, lanzado en 1970. El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre e incluye una versión completa de "The Celebration of the Lizard".
La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, The Soft Parade, incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre.
El grupo continuó con su gira en el Teatro del Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el The Aquarius Theatre en Hollywood el 21 de julio y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien. El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más "Blues", con canciones como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue", y "Who Do You Love". Todavía su voz no perdía su poder, y la banda todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de "When the Music's Over" y "Celebration of the Lizard".
Su cuarto álbum, The Soft Parade, estrenado en julio, distanció aún más al grupo del "underground", con canciones extremadamente pop, y con arreglos en el metal muy al estilo de Las Vegas (en el single "Touch Me" participó el saxofonista Curtis Amy). Los excesos con el alcohol de Morrison lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación se estiraban por semanas, cuando antiguamente duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse.
Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de metal y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido.
Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor inglés Tom Baker.
El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues", caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el #4 en los Estados Unidos.
Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como Jethro Tull, Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron presentadas en el documental de 1995 Message to Love.
El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación.
El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer.
Durante la última actuación pública de The Doors, en el "Warehouse" en Nueva Orleans, Luisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio "música de cóctel" renunció a la producción del álbum y dejó el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción "The Changeling" es considerada la más subestimada de la banda. "Riders On The Storm", se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas.
Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de metal y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido.
Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor inglés Tom Baker.
El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues", caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el #4 en los Estados Unidos.
Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como Jethro Tull, Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron presentadas en el documental de 1995 Message to Love.
El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación.
El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer.
Durante la última actuación pública de The Doors, en el "Warehouse" en Nueva Orleans, Luisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio "música de cóctel" renunció a la producción del álbum y dejó el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción "The Changeling" es considerada la más subestimada de la banda. "Riders On The Storm", se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas.
En 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, en marzo. Lo había visitado el verano pasado y, por un tiempo, pareció contento con escribir y explorar la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso en mayo. El 16 de junio hizo sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata, The Lost Paris Tapes.
Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición.
Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira.
Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y The Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia.
Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60.
En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con "The End" usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.
Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición.
Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira.
Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y The Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia.
Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60.
En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con "The End" usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.
En 1991, el director Oliver Stone estrenó su película The Doors protagonizada por Val Kilmer como Jim Morrison, y algunos cameos de Krieger y Densmore. Algunos que habían sido mencionados para interpretar a Morrison fueron John Travolta, Jason Patric, Keanu Reeves, Michael O' Keefe, Gregory Harrison, Michael Hutchence (INXS) y Bono (U2). Aunque todo el mundo quedó impresionado por la imitación de Kilmer, el filme contenía numerosas equivocaciones. Los miembros de la banda criticaron el retrato de Stone a Morrison, que lo hacía parecer en ocasiones un psicópata fuera de control, en lugar del poeta rockero y sentimental que fue.
En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada "The Doors of the 21st Century". La nueva alineación estaba conformada por Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera de la banda de Krieger en el bajo. En su primer concierto dieron a conocer que el baterista John Densmore no iba a tocar. Luego se supo que no estaba capacitado para tocar porque sufría de tinnitus. Densmore fue reemplazado originalmente por Stewart Copeland, antes miembro de The Police, pero Copeland se rompió el brazo en una caída de su bicicleta. Finalmente fue reemplazado por Ty Dennis, el baterista de la banda de Krieger.
Luego Densmore reclamó que él nunca fue invitado a tomar parte de la nueva reunión del grupo. En febrero de 2003, emitió una orden legal para evitar que sus ex compañeros usaran el nombre de "The Doors of the 21st Century". Su moción fue denegada en mayo de ese año, aunque Manzarek públicamente declaró que Densmore seguía invitado a formar parte del grupo. Más tarde se supo que la familia de Morrison, junto con Densmore, continuaron buscando la manera de evitar que usaran el nombre The Doors. En julio de 2005, la banda se cambió el nombre a "D21C". Ahora tocan bajo el nombre de Riders on the Storm, el cual también es el nombre de una banda tributo del noreste de Estados Unidos. Están autorizados a tocar bajo nombres como "antiguos Doors", y "miembros de The Doors". Densmore ha estado firme en impedir la licencia de canciones de The Doors para su uso en comerciales de TV, incluyendo una oferta de 15 millones de dólares por parte de Cadillac para usar "Break on Through (to the Other Side)", diciendo que esta sería una violación al espíritu en cual la música fue creada. Densmore escribió acerca de esto para el diario The Nation:
La gente perdía la virginidad con esta música, se colocaban por primera vez con esta música. Tengo gente que dice que hubo jóvenes que murieron en Vietnam escuchando esta música, otra gente dice que conocen a alguien que no cometió suicidio por esta música. En el escenario, cuando tocábamos estas canciones, se sentían misteriosas y mágicas. Eso no está a la venta.
Manzarek y Krieger mantenieron en seguir de giras de la reunión de The Doors, y que otorgar licencias para hacer publicidad con la música es salvar a The Doors de caer en la historia. Manzarek fue citado diciendo:
Estamos quedándonos viejos. Deberíamos, los tres, estar tocando estas canciones porque, hey, el final está siempre cerca. Morrison era un poeta, y después de todo, un poeta quiere que sus palabras sean escuchadas.
The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sin embargo, algunos miembros de "la clase dirigente" sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo:
Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estás haciendo algo.
Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo.
Una ola de actividades se anunciarón para 2006 con motivo del 40 aniversario del primer álbum de la banda. Vio la luz otro box-set de las grabaciones de estudio, un libro: The Doors by The Doors y el inicio de la producción de un documental autorizado acerca del grupo. The Doors junto con Grateful Dead y Joan Báez recibieron un premio por su éxito en la edición 2007 de los Grammy Awards.
A principios de enero del 2012 sale a la luz un tema inédito, She Smells So Nice, el cual será añadido en la reedición del álbum L.A. Woman cuya venta está prevista para el 24 de enero de ese mismo año.
En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada "The Doors of the 21st Century". La nueva alineación estaba conformada por Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera de la banda de Krieger en el bajo. En su primer concierto dieron a conocer que el baterista John Densmore no iba a tocar. Luego se supo que no estaba capacitado para tocar porque sufría de tinnitus. Densmore fue reemplazado originalmente por Stewart Copeland, antes miembro de The Police, pero Copeland se rompió el brazo en una caída de su bicicleta. Finalmente fue reemplazado por Ty Dennis, el baterista de la banda de Krieger.
Luego Densmore reclamó que él nunca fue invitado a tomar parte de la nueva reunión del grupo. En febrero de 2003, emitió una orden legal para evitar que sus ex compañeros usaran el nombre de "The Doors of the 21st Century". Su moción fue denegada en mayo de ese año, aunque Manzarek públicamente declaró que Densmore seguía invitado a formar parte del grupo. Más tarde se supo que la familia de Morrison, junto con Densmore, continuaron buscando la manera de evitar que usaran el nombre The Doors. En julio de 2005, la banda se cambió el nombre a "D21C". Ahora tocan bajo el nombre de Riders on the Storm, el cual también es el nombre de una banda tributo del noreste de Estados Unidos. Están autorizados a tocar bajo nombres como "antiguos Doors", y "miembros de The Doors". Densmore ha estado firme en impedir la licencia de canciones de The Doors para su uso en comerciales de TV, incluyendo una oferta de 15 millones de dólares por parte de Cadillac para usar "Break on Through (to the Other Side)", diciendo que esta sería una violación al espíritu en cual la música fue creada. Densmore escribió acerca de esto para el diario The Nation:
La gente perdía la virginidad con esta música, se colocaban por primera vez con esta música. Tengo gente que dice que hubo jóvenes que murieron en Vietnam escuchando esta música, otra gente dice que conocen a alguien que no cometió suicidio por esta música. En el escenario, cuando tocábamos estas canciones, se sentían misteriosas y mágicas. Eso no está a la venta.
Manzarek y Krieger mantenieron en seguir de giras de la reunión de The Doors, y que otorgar licencias para hacer publicidad con la música es salvar a The Doors de caer en la historia. Manzarek fue citado diciendo:
Estamos quedándonos viejos. Deberíamos, los tres, estar tocando estas canciones porque, hey, el final está siempre cerca. Morrison era un poeta, y después de todo, un poeta quiere que sus palabras sean escuchadas.
The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sin embargo, algunos miembros de "la clase dirigente" sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo:
Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estás haciendo algo.
Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo.
Una ola de actividades se anunciarón para 2006 con motivo del 40 aniversario del primer álbum de la banda. Vio la luz otro box-set de las grabaciones de estudio, un libro: The Doors by The Doors y el inicio de la producción de un documental autorizado acerca del grupo. The Doors junto con Grateful Dead y Joan Báez recibieron un premio por su éxito en la edición 2007 de los Grammy Awards.
A principios de enero del 2012 sale a la luz un tema inédito, She Smells So Nice, el cual será añadido en la reedición del álbum L.A. Woman cuya venta está prevista para el 24 de enero de ese mismo año.
El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. Manzarek aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); Krieger, del flamenco y Densmore del jazz junto con aportes latinos. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues.
La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego la música tratando de representar la vida común y siempre tratar de aprovecharla. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche. El nombre forma parte de la cita de William Blake " cuando las puertas de la percepción sean depuradas, todo se reflejara ante el hombre tal cual es: infinito"
La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego la música tratando de representar la vida común y siempre tratar de aprovecharla. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche. El nombre forma parte de la cita de William Blake " cuando las puertas de la percepción sean depuradas, todo se reflejara ante el hombre tal cual es: infinito"
The Doors (enero de 1967)
Strange Days (septiembre de 1967)
Waiting for the Sun (julio de 1968)
The Soft Parade (junio de 1969)
Morrison Hotel (febrero de 1970)
L.A. Woman (abril de 1971)
Other Voices (octubre de 1971)
Full Circle (agosto de 1972)
An American Prayer (noviembre de 1978)
Strange Days (septiembre de 1967)
Waiting for the Sun (julio de 1968)
The Soft Parade (junio de 1969)
Morrison Hotel (febrero de 1970)
L.A. Woman (abril de 1971)
Other Voices (octubre de 1971)
Full Circle (agosto de 1972)
An American Prayer (noviembre de 1978)
Referencias
http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Discograf%C3%ADa_de_The_Doors
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-6675/reparto/
http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Discograf%C3%ADa_de_The_Doors
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-6675/reparto/
«Skeleton Crew»; Una Inquietante Antología
El poder de la imaginación es la fuente que alimenta a las musas que de vez en cuando anidan en la mente de los escritores. Cuando llegan, pueden provocar la creación de las más diversas manifestaciones literarias. Y las hay de todo tipo: infantiles, románticas, aventureras, científicas, poéticas e inquietantes amantes del suspenso; estas últimas parecen ser las favoritas de Stephen King, autor eminentemente dedicado a la perfección del género.
En «Skeleton Crew» King nos presenta una serie de cuentos cortos e inquietantes a la vez, capaces de quitarle el sueño a cualquiera, imprimiendo en cada página situaciones que erizan el cabello, pero escritos de forma tan amena y en un estilo tan cautivante que resulta imposible dejar de leerlos.
En «Skeleton Crew» King nos presenta una serie de cuentos cortos e inquietantes a la vez, capaces de quitarle el sueño a cualquiera, imprimiendo en cada página situaciones que erizan el cabello, pero escritos de forma tan amena y en un estilo tan cautivante que resulta imposible dejar de leerlos.
“La Niebla” es el primero de los relatos. Imaginémonos en el interior de un supermercado, la rutina nos hace recorrer de forma automática los pasillos; de pronto un gran pájaro prehistórico irrumpe batiendo sus alas, tirando latas de piña y frascos de salsa de tomate a su paso. El caos empieza a imperar y para colmo al intentar salir nos damos cuenta de que un gran número de monstruos prehistóricos rodean el local.
“El Mono” es la continuación de este viaje. La muerte es el invitado no deseado para cualquier ser humano; es un personaje apocalíptico representado por la señora de la guadaña. Un pequeño mono de juguete parece ser la encarnación de este oscuro personaje; cada vez que sus címbalos se escuchan, algo sucede. El pequeño artefacto parece tener vida propia y la capacidad para disponer de la existencia de los demás. Pero no hay que tener miedo, esos simpáticos e inofensivos juguetes sólo los encuentras en cada tienda departamental, y si tienes suerte lo podrás adquirir en el lugar más cercano a tu hogar.
“El Atajo de la Señora Todd”. Las veredas en el bosque siempre parecen conducir al misterio, a lo desconocido. ¿Quién no ha sido atraído de forma irresistible ante la presencia de un atajo? Esos caminos rodeados por el bosque siempre guardan algún misterio, y siempre terminamos recordando la primera vez, nuestra primera aventura por la vereda perdida.
“La Expedición”. Este relato narra las experiencias de una familia en su primer viaje a Marte; pero también habla acerca de la curiosidad, ese pequeño duende que siempre ronda nuestro ser. Aquí se cuentan las aventuras y tropiezos del descubrimiento del tele transportador; y acerca de la eternidad, ese espacio insondable, pero real.
“Sobreviviente”. ¿Hasta qué punto puede un paciente soportar un shock traumático debido a las amputaciones? ¿Hasta qué punto querría el paciente sobrevivir? En esta historia un joven náufrago, abandonado en una isla desierta, es orillado a sobrevivir de una forma inverosímil: consumiéndose a sí mismo. Pero, ¿cuánto tiempo podría resistir en esta situación?
“La Abuela. En este espeluznante relato vuelven a cobrar vida todos nuestros temores infantiles. Una casona distante, una noche de tormenta y un pequeño niño al cuidado de una anciana terrible y misteriosa.
“La Balada del Proyectil Flexible”. La locura es una especie de suicidio mental. La demencia es como un proyectil flexible dirigido en contra de nuestra cordura. Este extraño personaje, capaz de desquiciar a cualquiera, es el invitado de honor en el último relato de esta obra, en la cual este prolífico escritor norteamericano nacido en Bangor, Maine, nos ofrece atmósferas opresivas, situaciones sobrecogedoras y emociones incontrolables.
Esas son las características de esta antología. Sí te atreves a leerla busca un lugar iluminado, cierra bien puertas y ventanas y, si la lectura es en la noche… espero que tengas un sueño placentero, si te atreves a cerrar los ojos.
La Niña Que Sacó a su Madre de la Cárcel
Tres días después de que los gendarmes se llevaron a su mamá, Toñita fue a buscarla a donde le dijeron que podía encontrarla, a la comisaría.
No conocía las calles. Nunca había salido de su inmundo y pantanoso barrio de
Atlampa, campamento de barracas hechas con piedras, palos viejos y láminas oxidadas de botes de petróleo.
Era muy pequeñita — apenas tenía diez años — pero muy animosa y llena de una gracia que fluía de sus gestos por encima de sus andrajos y de su mugre.
Temerosa salió de su casucha, atravesó los llanos manchados de charcas hediondas y sembrados de desechos; cruzó los terraplenes de unas vías de ferrocarril y, después de pasar un puente de madera, se encontró en la primera calle de la urbe. Se asustó — tanto automóvil y tanta gente la llenaron de angustia —. De pronto no supo qué hacer, pero reflexionó, y lo primero que se le ocurrió fue hablarle a un transeúnte.
No conocía las calles. Nunca había salido de su inmundo y pantanoso barrio de
Atlampa, campamento de barracas hechas con piedras, palos viejos y láminas oxidadas de botes de petróleo.
Era muy pequeñita — apenas tenía diez años — pero muy animosa y llena de una gracia que fluía de sus gestos por encima de sus andrajos y de su mugre.
Temerosa salió de su casucha, atravesó los llanos manchados de charcas hediondas y sembrados de desechos; cruzó los terraplenes de unas vías de ferrocarril y, después de pasar un puente de madera, se encontró en la primera calle de la urbe. Se asustó — tanto automóvil y tanta gente la llenaron de angustia —. De pronto no supo qué hacer, pero reflexionó, y lo primero que se le ocurrió fue hablarle a un transeúnte.
— Señor, señor — le dijo —, ¿dónde esté la comisaría?
El transeúnte la miró. Tan pequeñita .tan bonita y tan sucia. Le dio lastima.
— ¿Para qué quieres ir a la comisaría?
—Voy a buscar a mi mamá.
—Ven yo te llevaré— le dijo —.Y la cogió de la mano llevándola por calles y más calles hasta la puerta de la Sexta demarcación—.Aquí es— le dijo—.Pregúntale a ese señor dónde puedes encontrar a tu mamá y toma estos diez centavos.
La niña se quedó parada, atónita, en la puerta de aquel antro. No se atrevió a entrar. Un gendarme de guardia que daba vueltas en el pasillo, se acercó y le preguntó de mal modo:
— ¿Qué quieres aquí, Escuintla?
— Vengo a buscar a mi mamá.
— Entra a esa pieza y allí pregunta.
El gendarme siguió dando vueltas por el pasillo y la niña quiso entrar a la pieza señalada, pero no pudo. Se resolvió a Jalar del rebozo a una mujer, que volvió la cabeza, malhumorada.
El transeúnte la miró. Tan pequeñita .tan bonita y tan sucia. Le dio lastima.
— ¿Para qué quieres ir a la comisaría?
—Voy a buscar a mi mamá.
—Ven yo te llevaré— le dijo —.Y la cogió de la mano llevándola por calles y más calles hasta la puerta de la Sexta demarcación—.Aquí es— le dijo—.Pregúntale a ese señor dónde puedes encontrar a tu mamá y toma estos diez centavos.
La niña se quedó parada, atónita, en la puerta de aquel antro. No se atrevió a entrar. Un gendarme de guardia que daba vueltas en el pasillo, se acercó y le preguntó de mal modo:
— ¿Qué quieres aquí, Escuintla?
— Vengo a buscar a mi mamá.
— Entra a esa pieza y allí pregunta.
El gendarme siguió dando vueltas por el pasillo y la niña quiso entrar a la pieza señalada, pero no pudo. Se resolvió a Jalar del rebozo a una mujer, que volvió la cabeza, malhumorada.
— Señora, señora, súbame en sus brazos, quiero ver a mi mamá.
La mujer creyó que la mamá dé la niña estaba entre aquella bola de gente; té tomó en brazos y la levantó.
— No está — dijo la pequeña.
— Pero a ver, chula. ¡Pobrecita! ¡Si tu madre ha de estar presa!
—SÍ, se la trajeron presa.
— ¿Desde cuándo?
—Desde hace tres días.
—Ah, bueno —dijo la mujer—, ora verás. Y abriéndose paso entre la gente que se agolpaba contra la barandilla de aquella oficina policiaca dijo dirigiéndose a uno de los escribientes en un tono y con unos modos que demostraban la costumbre de hablar con aquella clase de empleados.
-- A ver usted, ese del bigote, ¡búsqueme ahí en el libro a la de esta criatura! A ver, ¿cómo se llama tu mamá, niña?
—Crescencia López.
—Crescencia López -repitió la mujer-. ¡Ahí ha de estar! (Hablaba con autoridad, acompañando sus palabras de gestos bruscos.)
El oficial de guardia echó una mirada furibunda a la vieja y empezó a buscar en un gran libro, siguiendo con los ojos y con el dedo Índice largas columnas de nombres.
—Crescencia López. ¡En el Carmen! —dijo el oficial cerrando el libro.
— ¡Ora sí que estuvo buena! —Dijo la vieja—. ¡Pero la hemos de encontrar!
Era muy tarde, cerca del oscurecer, cuando salieron de la comisaría, y Toñita no sabía cómo volver a su casa. Se lo dijo a la mujer.
—No te apures, chula, ora te vas conmigo a mi casa, y mañana muy temprano le seguimos pedaleando.
La mujer creyó que la mamá dé la niña estaba entre aquella bola de gente; té tomó en brazos y la levantó.
— No está — dijo la pequeña.
— Pero a ver, chula. ¡Pobrecita! ¡Si tu madre ha de estar presa!
—SÍ, se la trajeron presa.
— ¿Desde cuándo?
—Desde hace tres días.
—Ah, bueno —dijo la mujer—, ora verás. Y abriéndose paso entre la gente que se agolpaba contra la barandilla de aquella oficina policiaca dijo dirigiéndose a uno de los escribientes en un tono y con unos modos que demostraban la costumbre de hablar con aquella clase de empleados.
-- A ver usted, ese del bigote, ¡búsqueme ahí en el libro a la de esta criatura! A ver, ¿cómo se llama tu mamá, niña?
—Crescencia López.
—Crescencia López -repitió la mujer-. ¡Ahí ha de estar! (Hablaba con autoridad, acompañando sus palabras de gestos bruscos.)
El oficial de guardia echó una mirada furibunda a la vieja y empezó a buscar en un gran libro, siguiendo con los ojos y con el dedo Índice largas columnas de nombres.
—Crescencia López. ¡En el Carmen! —dijo el oficial cerrando el libro.
— ¡Ora sí que estuvo buena! —Dijo la vieja—. ¡Pero la hemos de encontrar!
Era muy tarde, cerca del oscurecer, cuando salieron de la comisaría, y Toñita no sabía cómo volver a su casa. Se lo dijo a la mujer.
—No te apures, chula, ora te vas conmigo a mi casa, y mañana muy temprano le seguimos pedaleando.
Toñita se había encontrado a su ángel custodio.
Era un ángel disfrazado con unas enaguas de percal, muy remendadas, un saquito de manta y un reboso que había perdido su color primitivo para adquirir el aspecto de un trapo de basurero. Tenía una cara achatada, picada de viruelas y una boca terrible, terrible por lo fea y por las palabrotas que de ella salían a cada instante por cualquier motivo y contra todo el mundo. La única señal por la, cual se podía sospechar origen celeste, era porque como los ángeles, andaba sin zapatos. También tenía otra señal que podía traicionar su origen divino: la grandeza de su alma, alma atravesada, sin temores, sin vacilaciones, pasional y generosa, sanguinaria y compasiva. ¿Luzbel? No, ¡qué va! Refugio, una pelada que mal comía de lavar suelos.
Con este ángel de la guarda salió Toñita de la comisaría y no paró hasta Peralvillo, en un miserable tugurio, donde la vieja le dio café con leche y la acostó en un camastro.
A la mañana siguiente, muy temprano, ya estaban en El, Carmen.
Allí se encontraba Crescencia López, pero como no era día de visita, no podían verla.
—Qué visita ni que visita —dijo la Refugio con voz áspera dirigiéndose a un grupo de empleados—, aquí no venimos a vesitar a naiden, nomás quiero que se la enseñen a esta inocente que anda sin madre desde hace cuatro días. ¿Qué no tienen alma? ¿No ven cómo está la criatura de tanto llorar?
—Quítese, quítese de aquí —dijo uno de los empleados y no siga molestando porque la metemos a la cárcel a usted también. La vieja iba a contestar con una insolencia, pero se contuvo; se contuvo porque miró a la niña y comprendió que si la encarcelaban, la criatura iba a quedarse otra vez sola. Refugio se pasaba la mayor parte de los días en las comisarías por injurias a la autoridad. Era una mujer que nunca media sus palabras y no le tenía miedo a los gendarmes, ni a la cárcel, ni a nada; pero el amor a Toñita la había amansado un poco. Salió mascullando insolencias.
Volvieron, al día siguiente. Tampoco pudieron ver a la prisionera.
Y sin verla se pasó una semana, al fin de la cual Refugio perdió la paciencia y se desató en improperios contra todos los empleados de la comisarla. Estas catilinarias de Refugio eran feroces. Se hizo un lío. Refugio fue cogida por los gendarmes para meterla a la cárcel, pero Toñita intervino y al cabo de muchas discusiones y lágrimas se dejó en paz a las pobres mujeres y se les dijo que a la prisionera se la habían llevado ya a Belén.
— ¡A Belén, a Belén! ¡De allí no la saca naiden!
Vueltas y más vueltas a la cárcel durante un mes. Ya "hacían vereda" de Peralvillo a Belén, como decía la vieja.
Era un ángel disfrazado con unas enaguas de percal, muy remendadas, un saquito de manta y un reboso que había perdido su color primitivo para adquirir el aspecto de un trapo de basurero. Tenía una cara achatada, picada de viruelas y una boca terrible, terrible por lo fea y por las palabrotas que de ella salían a cada instante por cualquier motivo y contra todo el mundo. La única señal por la, cual se podía sospechar origen celeste, era porque como los ángeles, andaba sin zapatos. También tenía otra señal que podía traicionar su origen divino: la grandeza de su alma, alma atravesada, sin temores, sin vacilaciones, pasional y generosa, sanguinaria y compasiva. ¿Luzbel? No, ¡qué va! Refugio, una pelada que mal comía de lavar suelos.
Con este ángel de la guarda salió Toñita de la comisaría y no paró hasta Peralvillo, en un miserable tugurio, donde la vieja le dio café con leche y la acostó en un camastro.
A la mañana siguiente, muy temprano, ya estaban en El, Carmen.
Allí se encontraba Crescencia López, pero como no era día de visita, no podían verla.
—Qué visita ni que visita —dijo la Refugio con voz áspera dirigiéndose a un grupo de empleados—, aquí no venimos a vesitar a naiden, nomás quiero que se la enseñen a esta inocente que anda sin madre desde hace cuatro días. ¿Qué no tienen alma? ¿No ven cómo está la criatura de tanto llorar?
—Quítese, quítese de aquí —dijo uno de los empleados y no siga molestando porque la metemos a la cárcel a usted también. La vieja iba a contestar con una insolencia, pero se contuvo; se contuvo porque miró a la niña y comprendió que si la encarcelaban, la criatura iba a quedarse otra vez sola. Refugio se pasaba la mayor parte de los días en las comisarías por injurias a la autoridad. Era una mujer que nunca media sus palabras y no le tenía miedo a los gendarmes, ni a la cárcel, ni a nada; pero el amor a Toñita la había amansado un poco. Salió mascullando insolencias.
Volvieron, al día siguiente. Tampoco pudieron ver a la prisionera.
Y sin verla se pasó una semana, al fin de la cual Refugio perdió la paciencia y se desató en improperios contra todos los empleados de la comisarla. Estas catilinarias de Refugio eran feroces. Se hizo un lío. Refugio fue cogida por los gendarmes para meterla a la cárcel, pero Toñita intervino y al cabo de muchas discusiones y lágrimas se dejó en paz a las pobres mujeres y se les dijo que a la prisionera se la habían llevado ya a Belén.
— ¡A Belén, a Belén! ¡De allí no la saca naiden!
Vueltas y más vueltas a la cárcel durante un mes. Ya "hacían vereda" de Peralvillo a Belén, como decía la vieja.
Finalmente, un viernes a temprana hora, pudo saber que la madre de Toñita iba a ser juzgada esa misma mañana. Rápida se dirigió a la Sala Segunda. Entraron. Ahí estaba la pobre Crescencia López, demacrada, llorosa, en medio de gendarmes y ante su juez. Toñita la vio, y desprendiéndose de la mano de su ángel tutelar, corrió por en medio de la sala gritando: ¡Mamacita! ¡Mamacita!
— ¿Es esa niña su hija?—pregunto el juez.
—Sí, señor, es mi hijita. Ella es la que le dije a usted que había visto todo.
—A ver, niña —dijo el juez—, cuéntame cómo fue el pleito de tu mamá,
La niña se quedó suspensa, con sus grandes y bellos ojos abiertos, muy abiertos, y dijo haciendo un gesto lleno de gracia:
—No señor, mi mamá no se pelió: la bañaron, y también a mi hermanito.
—A ver, cuéntame cómo estuvo.
La niña contó.
—Mi mama y yo estábamos sentadas calentándonos al sol encima de una piedras; mi mamacita tenía a mi hermano dormido en las piernas cuando llegó una mujer con dos baldes de agua, y con uno la baño, todita y también a mi hermano. Mi mamá se levanto y la mujer quería bañarla otra vez con el otro balde de agua. Entonces me dijo: toma, Toñita, tenme a tu hermano. Y se agacho al suelo, cogió un palo y le dijo a la otra mujer: ¡no me bañe porque le pego! Pero la mujer no le hizo caso: agarró el balde, y cuando se lo iba a aventar a la cabeza a mi mamá le dio de palos. Luego vinieron muchos gendarmes y se llevaron a mi mamá a la comisaría. Todo esto dicho con voz suave y acompañado con graciosos ademanes.
— Figúrese usted, señor, que mi hermanito con la mojada que llevo, se enfermó, le dio pulmonía y se murió.
La pobre acusada que no había vuelto a saber nada de sus hijos, al oírlas palabras de Toñita. Lanzó un grito:
— ¡Juanito! ¿Pero es cierto Toñita?
— Sí, mamacita: Juanito ya se murió.
La madre lloró amargamente.
La niña corrió a refugiarse en el regazo materno y desde allí te dijo al juez:
— Señor, nadie vio 1o que había pasado. Estibamos sólitas y toda la gente que se amontonó cuando llegaron los gendarmes dijeron puras mentiras y yo quería encontrar a mi mamá para llevármela a mi casa.
¿Ya me la puedo llevar, señor?
El juez escuchaba con atención, y los testigos que habían declarado en contra de Crescencia López se inquietaron. En la sala se tuvo el presentimiento de una absolución.
Y así fue. El juez dijo: No hay delito que perseguir. Crescencia López queda en libertad. Se levantó, bajó las gradas de la plataforma y, cogiendo a la niña en brazos, le dijo:
— Ya te puedes llevar a tu mamá.
Toñita cogió a su mamá por las faldas y tirando de ellas, sacó a su mamá de la cárcel, mientras el ángel tutelar, con la arrogancia propia de un espíritu celeste envalentonando por terrenal espíritu del alcohol, se acercó al juez y le dijo vaporizándole el rostro con el tufo del tequila:
-- ¡Hasta que me encontré un hombre con los pantalones en su lugar!
— ¿Es esa niña su hija?—pregunto el juez.
—Sí, señor, es mi hijita. Ella es la que le dije a usted que había visto todo.
—A ver, niña —dijo el juez—, cuéntame cómo fue el pleito de tu mamá,
La niña se quedó suspensa, con sus grandes y bellos ojos abiertos, muy abiertos, y dijo haciendo un gesto lleno de gracia:
—No señor, mi mamá no se pelió: la bañaron, y también a mi hermanito.
—A ver, cuéntame cómo estuvo.
La niña contó.
—Mi mama y yo estábamos sentadas calentándonos al sol encima de una piedras; mi mamacita tenía a mi hermano dormido en las piernas cuando llegó una mujer con dos baldes de agua, y con uno la baño, todita y también a mi hermano. Mi mamá se levanto y la mujer quería bañarla otra vez con el otro balde de agua. Entonces me dijo: toma, Toñita, tenme a tu hermano. Y se agacho al suelo, cogió un palo y le dijo a la otra mujer: ¡no me bañe porque le pego! Pero la mujer no le hizo caso: agarró el balde, y cuando se lo iba a aventar a la cabeza a mi mamá le dio de palos. Luego vinieron muchos gendarmes y se llevaron a mi mamá a la comisaría. Todo esto dicho con voz suave y acompañado con graciosos ademanes.
— Figúrese usted, señor, que mi hermanito con la mojada que llevo, se enfermó, le dio pulmonía y se murió.
La pobre acusada que no había vuelto a saber nada de sus hijos, al oírlas palabras de Toñita. Lanzó un grito:
— ¡Juanito! ¿Pero es cierto Toñita?
— Sí, mamacita: Juanito ya se murió.
La madre lloró amargamente.
La niña corrió a refugiarse en el regazo materno y desde allí te dijo al juez:
— Señor, nadie vio 1o que había pasado. Estibamos sólitas y toda la gente que se amontonó cuando llegaron los gendarmes dijeron puras mentiras y yo quería encontrar a mi mamá para llevármela a mi casa.
¿Ya me la puedo llevar, señor?
El juez escuchaba con atención, y los testigos que habían declarado en contra de Crescencia López se inquietaron. En la sala se tuvo el presentimiento de una absolución.
Y así fue. El juez dijo: No hay delito que perseguir. Crescencia López queda en libertad. Se levantó, bajó las gradas de la plataforma y, cogiendo a la niña en brazos, le dijo:
— Ya te puedes llevar a tu mamá.
Toñita cogió a su mamá por las faldas y tirando de ellas, sacó a su mamá de la cárcel, mientras el ángel tutelar, con la arrogancia propia de un espíritu celeste envalentonando por terrenal espíritu del alcohol, se acercó al juez y le dijo vaporizándole el rostro con el tufo del tequila:
-- ¡Hasta que me encontré un hombre con los pantalones en su lugar!
Autor: Gerardo Murillo "Dr. Atl"