100 Razones Para No Conciliar el Sueño
Cuando estudiaba la preparatoria y a veces nos reuníamos los viernes por la tarde o noche en mi casa o en casa de algún compañero era costumbre el rentar algunas películas, comprar la necesaria dotación de papitas, refrescos y demás botanas y pasar una excelente velada. Esa costumbre la seguí con mis amigos de la universidad y cuando se trataba de películas “de miedo” todo era mucho mejor. Y es que a veces el clima ayuda, es decir, una tarde nublada, viento, una buena pantalla, oscurecer la sala y acomodarnos ya sea en un sillón o de plano en la alfombra y disfrutar, sentir los nervios de punta, sentir que el cabello se eriza por el temor y brincar de cuando en cuando del susto.
¿Masoquismo...? No, la verdad no, y todo tiene una sencilla explicación: al ser humano le gusta sentir emociones “fuertes” que lo reten, y por eso este tipo de películas son de las más solicitadas por los amantes del cine, independientemente de la edad. Leonardo García Tsao comenta en su libro «Cómo acercarse al cine» que “si el cine se compara con frecuencia con el sueño, el de horror es el equivalente a la pesadilla. Sociológicamente, es interesante comprobar cómo los miedos colectivos de una sociedad se reflejan en el cine de horror”. Y nada más real que esto. Al ser humano le gusta el miedo, lo sobrenatural, todo aquello que se salga del concepto de “normalidad”.
Este género, he de admitirlo, es uno de mis favoritos, por eso me di a la tarea de buscar entre los críticos y expertos en cine que han publicado listas acerca de las mejores cintas de terror y encontrar las coincidencias para tener un listado acerca de las 100 mejores razones para no poder conciliar el sueño. Todos estos filmes son un motivo para mantener encendidas las luces y volverse amigo de la cafetera... Disfrútenlas.
¿Masoquismo...? No, la verdad no, y todo tiene una sencilla explicación: al ser humano le gusta sentir emociones “fuertes” que lo reten, y por eso este tipo de películas son de las más solicitadas por los amantes del cine, independientemente de la edad. Leonardo García Tsao comenta en su libro «Cómo acercarse al cine» que “si el cine se compara con frecuencia con el sueño, el de horror es el equivalente a la pesadilla. Sociológicamente, es interesante comprobar cómo los miedos colectivos de una sociedad se reflejan en el cine de horror”. Y nada más real que esto. Al ser humano le gusta el miedo, lo sobrenatural, todo aquello que se salga del concepto de “normalidad”.
Este género, he de admitirlo, es uno de mis favoritos, por eso me di a la tarea de buscar entre los críticos y expertos en cine que han publicado listas acerca de las mejores cintas de terror y encontrar las coincidencias para tener un listado acerca de las 100 mejores razones para no poder conciliar el sueño. Todos estos filmes son un motivo para mantener encendidas las luces y volverse amigo de la cafetera... Disfrútenlas.
1. «El Exorcista» (The Exorcist, William Friedkin, 1973)
2. «La Profecía» (The Omen, Richard Donner, 1976)
3. «Juegos Diabólicos» (Poltergeist, Tobe Hooper, 1982)
4. «El resplandor» (The Shining, Stanley Kubrick, 1980)
5. «Alien» (Alien, Ridley Scott, 1979)
6. «Terror en Amityville» (The Amityville Horror, Stuart Rosenberg, 1979)
7. «Pesadilla en la Calle del Infierno» (A Nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984)
8. «Tiburón» (Jaws, Steven Spielberg, 1975)
9. «El Silencio de los Inocentes» (The Silence of the Lambs, Jonathan Demme, 1991)
10. «Drácula» (Bram Stoker’s Dracula, Francis Ford Coppola, 1992)
2. «La Profecía» (The Omen, Richard Donner, 1976)
3. «Juegos Diabólicos» (Poltergeist, Tobe Hooper, 1982)
4. «El resplandor» (The Shining, Stanley Kubrick, 1980)
5. «Alien» (Alien, Ridley Scott, 1979)
6. «Terror en Amityville» (The Amityville Horror, Stuart Rosenberg, 1979)
7. «Pesadilla en la Calle del Infierno» (A Nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984)
8. «Tiburón» (Jaws, Steven Spielberg, 1975)
9. «El Silencio de los Inocentes» (The Silence of the Lambs, Jonathan Demme, 1991)
10. «Drácula» (Bram Stoker’s Dracula, Francis Ford Coppola, 1992)
11. «Siniestro» (Sinister, Scott Derrikson, 2012)
12. «El Orfanato» (Juan Antonio Bayona, 2007)
13. «Los Creyentes» (The Believers, John Schlesinger, 1987)
14. «Juegos Diabólicos II» (Poltergeist II: The Other Side, Brian Gibson, 1986)
15. «Psicosis» (Psycho, Alfred Hitchcock, 1960)
16. «El Bebé de Rosemary» (Rosemary’s Baby, Roman Polanski, 1968)
17. «Amityville: La Posesión» (Amityville II: The Possesion, Damiano Damiani, 1982)
18. «Halloween» (Halloween, John Carpenter, 1978)
19. «Entrevista con el Vampiro» (Interview with the Vampire, Neil Jordan, 1994)
20. «Un Hombre Lobo Americano en Londres» (An American Werewolf in London, John Landis, 1981)
12. «El Orfanato» (Juan Antonio Bayona, 2007)
13. «Los Creyentes» (The Believers, John Schlesinger, 1987)
14. «Juegos Diabólicos II» (Poltergeist II: The Other Side, Brian Gibson, 1986)
15. «Psicosis» (Psycho, Alfred Hitchcock, 1960)
16. «El Bebé de Rosemary» (Rosemary’s Baby, Roman Polanski, 1968)
17. «Amityville: La Posesión» (Amityville II: The Possesion, Damiano Damiani, 1982)
18. «Halloween» (Halloween, John Carpenter, 1978)
19. «Entrevista con el Vampiro» (Interview with the Vampire, Neil Jordan, 1994)
20. «Un Hombre Lobo Americano en Londres» (An American Werewolf in London, John Landis, 1981)
21. «Carrie; Extraño Presentimiento» (Carrie, Brian De Palma, 1976)
22. «La Noche de los Muertos Vivientes» (The Night of The Living Dead, George A. Romero, 1968)
23. «La Niebla» (The Fog, John Carpenter, 1979)
24. «Sobrenatural» (Daniel Gruener, 1996)
25. «La Marca de la Pantera» (Cat People, Paul Schrader, 1982)
26. «Christine» (Christine, John Carpenter, 1983)
27. «Masacre en Texas» (The Texas Chainsaw Massacre, Tobe Hooper, 1974)
28. «El Abogado del Diablo» (The Devil’s Advocate, Taylor Hackford, 1997)
29. «El Despertar del Diablo» (Evil Dead, Sam Raimi, 1982)
30. «Más Negro que la Noche» (Carlos Enrique Taboada, 1975)
22. «La Noche de los Muertos Vivientes» (The Night of The Living Dead, George A. Romero, 1968)
23. «La Niebla» (The Fog, John Carpenter, 1979)
24. «Sobrenatural» (Daniel Gruener, 1996)
25. «La Marca de la Pantera» (Cat People, Paul Schrader, 1982)
26. «Christine» (Christine, John Carpenter, 1983)
27. «Masacre en Texas» (The Texas Chainsaw Massacre, Tobe Hooper, 1974)
28. «El Abogado del Diablo» (The Devil’s Advocate, Taylor Hackford, 1997)
29. «El Despertar del Diablo» (Evil Dead, Sam Raimi, 1982)
30. «Más Negro que la Noche» (Carlos Enrique Taboada, 1975)
31. «La Cosa del Otro Mundo» (The Thing, John Carpenter, 1982)
32. «El Espinazo del Diablo» (Guillermo Del Toro, 2001))
33. «La Invención de Cronos» (Guillermo Del Toro, 1993)
34. «Veneno para las Hadas» (Carlos Enrique Taboada, 1984)
35. «Corazón Satánico» (Angel Heart, Alan Parker, 1987)
36. «El Ansia» (The Hunger, Tonny Scott, 1982)
37. «El Intermediario del Diablo» (The Changeling, Peter Medak, 1979)
38. «Viernes 13» (Friday The 13th, Sean S. Cunningham, 1980)
39. «Los Otros» (The others, Alejandro Amenábar, 2001)
40. «Drácula» (Horror of Dracula, Terence Fischer, 1958)
32. «El Espinazo del Diablo» (Guillermo Del Toro, 2001))
33. «La Invención de Cronos» (Guillermo Del Toro, 1993)
34. «Veneno para las Hadas» (Carlos Enrique Taboada, 1984)
35. «Corazón Satánico» (Angel Heart, Alan Parker, 1987)
36. «El Ansia» (The Hunger, Tonny Scott, 1982)
37. «El Intermediario del Diablo» (The Changeling, Peter Medak, 1979)
38. «Viernes 13» (Friday The 13th, Sean S. Cunningham, 1980)
39. «Los Otros» (The others, Alejandro Amenábar, 2001)
40. «Drácula» (Horror of Dracula, Terence Fischer, 1958)
41. «La Maldición de Frankenstein» (The Curse of Frankenstein, Terence Fisher, 1957)
42. «La Venganza de Frankenstein» (The Revenge of Frankenstein, Terence Fisher, 1958)
43. «La Profecía II» (Damien: Omen II, Don Taylor, 1978)
44. «Lobo» (Wolf, Mike Nichols, 1994)
45. «Mimic» (Guillermo Del Toro, 1997)
46. «El Sexto Sentido» (The sixth sense, M. Night Shyamalan, 1999)
47. «Suspiria» (Suspiria, Dario Argento, 1976)
48. «Cabo de Miedo» (Cape Fear, Martin Scorsese, 1991)
49. «La Reliquia» (The Relic, Peter Hyams, 1996)
50. «Drácula» (Dracula, Tod Browning, 1931)
42. «La Venganza de Frankenstein» (The Revenge of Frankenstein, Terence Fisher, 1958)
43. «La Profecía II» (Damien: Omen II, Don Taylor, 1978)
44. «Lobo» (Wolf, Mike Nichols, 1994)
45. «Mimic» (Guillermo Del Toro, 1997)
46. «El Sexto Sentido» (The sixth sense, M. Night Shyamalan, 1999)
47. «Suspiria» (Suspiria, Dario Argento, 1976)
48. «Cabo de Miedo» (Cape Fear, Martin Scorsese, 1991)
49. «La Reliquia» (The Relic, Peter Hyams, 1996)
50. «Drácula» (Dracula, Tod Browning, 1931)
51. «Frankenstein» (Frankenstein, James Whale, 1931)
52. «Hasta el Viento Tiene Miedo» (Carlos Enrique Taboada, 1968)
53. «El Vampiro» (Fernando Méndez, 1957)
54. «La Mosca» (The Fly, David Cronenberg, 1986)
55. «Scream» (Scream, Wes Craven, 1996)
56. «Vampiros» (Vampires, John Carpenter, 1998)
57. «Aullido» (The Howling, Joe Dante, 1980)
58. «La Novia de Frankenstein» (The Bride of Frankenstein, James Whale, 1935)
59. «El Fantasma de la Ópera» (The Phantom of The Opera, Arthur Lubin, 1943)
60. «Nosferatu, El Vampiro» (Nosferatu, Eine Symphonie Des Grauens, Friedrich Wilhelm Murnau, 1922)
52. «Hasta el Viento Tiene Miedo» (Carlos Enrique Taboada, 1968)
53. «El Vampiro» (Fernando Méndez, 1957)
54. «La Mosca» (The Fly, David Cronenberg, 1986)
55. «Scream» (Scream, Wes Craven, 1996)
56. «Vampiros» (Vampires, John Carpenter, 1998)
57. «Aullido» (The Howling, Joe Dante, 1980)
58. «La Novia de Frankenstein» (The Bride of Frankenstein, James Whale, 1935)
59. «El Fantasma de la Ópera» (The Phantom of The Opera, Arthur Lubin, 1943)
60. «Nosferatu, El Vampiro» (Nosferatu, Eine Symphonie Des Grauens, Friedrich Wilhelm Murnau, 1922)
61. «La Profecía III» (Damien III: The Final Conflict, Graham Baker, 1981)
62. «El Día Final» (End of days, Peter Hyams, 1999)
63. «El Exorcista III: Legión» (The Exorcist III: Legion, William Peter Blatty, 1989)
64. «Vestida para Matar» (Dressed To Kill, Brian De Palma, 1980)
65. «La Gente Detrás de las Paredes» (The People Under The Stairs, Wes Craven, 1991)
66. «Los Pájaros» (The Birds, Alfred Hitchcock, 1963)
67. «La Séptima Profecía» (The Seventh Sign, Carl Schultz, 1988)
68. «El Conjuro» (The conjuring, James Wan, 2013)
69. «El Exorcista II: Hereje» (Exorcist II: The Heretic, John Boorman, 1977)
70. «Eso» (Stephen King’s It, Tommy Lee Wallace, 1990)
62. «El Día Final» (End of days, Peter Hyams, 1999)
63. «El Exorcista III: Legión» (The Exorcist III: Legion, William Peter Blatty, 1989)
64. «Vestida para Matar» (Dressed To Kill, Brian De Palma, 1980)
65. «La Gente Detrás de las Paredes» (The People Under The Stairs, Wes Craven, 1991)
66. «Los Pájaros» (The Birds, Alfred Hitchcock, 1963)
67. «La Séptima Profecía» (The Seventh Sign, Carl Schultz, 1988)
68. «El Conjuro» (The conjuring, James Wan, 2013)
69. «El Exorcista II: Hereje» (Exorcist II: The Heretic, John Boorman, 1977)
70. «Eso» (Stephen King’s It, Tommy Lee Wallace, 1990)
71. «Estigma» (Stigmata, Rupert Wainwright, 1999)
72. «La Serpiente y el Arcoiris» (The Serpent and the Rainbow, Wes Craven, 1987)
73. «Estados Alterados» (Alterated States, Ken Russell, 1980)
74. «Solos en la Obscuridad» (Alone In The Dark, Jack Sholder, 1982)
75. «La Dama de Negro» (The woman in black, James Watkins, 2012)
76. «Cuerpos Malditos» (Body Parts, Eric Red, 1991)
77. «La Máscara de la Muerte Roja» (The Masque of The Red Death, Roger Corman, 1964)
78. «El Príncipe de las Tinieblas» (The Prince of Darkness, John Carpenter, 1987)
79. «Psicosis II » (Psycho II, Richard Franklin, 1983)
80. «El Gato Negro» (The Black Cat, Edgar George Ulmer, 1934)
72. «La Serpiente y el Arcoiris» (The Serpent and the Rainbow, Wes Craven, 1987)
73. «Estados Alterados» (Alterated States, Ken Russell, 1980)
74. «Solos en la Obscuridad» (Alone In The Dark, Jack Sholder, 1982)
75. «La Dama de Negro» (The woman in black, James Watkins, 2012)
76. «Cuerpos Malditos» (Body Parts, Eric Red, 1991)
77. «La Máscara de la Muerte Roja» (The Masque of The Red Death, Roger Corman, 1964)
78. «El Príncipe de las Tinieblas» (The Prince of Darkness, John Carpenter, 1987)
79. «Psicosis II » (Psycho II, Richard Franklin, 1983)
80. «El Gato Negro» (The Black Cat, Edgar George Ulmer, 1934)
81. «La Batalla de Satán» (The Devil Rides Out, Terence Fisher, 1968)
82. «Pesadilla Diabólica» (Burnt Offerings, Dan Curtis, 1976)
83. «Poseídos» (Fallen, Gregory Hoblit, 1998)
84. «Puerta al Infierno» (Hellraiser, Clive Barker, 1987)
85. «La Hermandad de Satanás» (The brotherhood of Satan, Bernard McEveety, 1971)
86. «13 Fantasmas» (Thirteen ghosts, Steve Beck, 2001)
87. «Los Niños del Maíz» (Children of the Corn, Fritz Kiersch, 1984)
88. «Ángel de las Sombras» (The Guardian, William Friedkin, 1990)
89. «Jóvenes Brujas» (The Craft, Andrew Fleming, 1996)
90. «Suspenso» (The Innocents, Jack Clayton, 1961)
82. «Pesadilla Diabólica» (Burnt Offerings, Dan Curtis, 1976)
83. «Poseídos» (Fallen, Gregory Hoblit, 1998)
84. «Puerta al Infierno» (Hellraiser, Clive Barker, 1987)
85. «La Hermandad de Satanás» (The brotherhood of Satan, Bernard McEveety, 1971)
86. «13 Fantasmas» (Thirteen ghosts, Steve Beck, 2001)
87. «Los Niños del Maíz» (Children of the Corn, Fritz Kiersch, 1984)
88. «Ángel de las Sombras» (The Guardian, William Friedkin, 1990)
89. «Jóvenes Brujas» (The Craft, Andrew Fleming, 1996)
90. «Suspenso» (The Innocents, Jack Clayton, 1961)
91. «Noche de Graduación» (Prom Night, Paul Lynch, 1980)
92. «Vampyr» (Vampyr Der Traum Des Allan Grey, Carl Theodor Dreyer, 1932)
93. «El Proyecto de la Bruja de Blair» (The Blair Witch Project, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999)
94. «El Pueblo de los Malditos» (The Village of the Damned, Wolf Rilla, 1960)
95. «Los Crímenes del Museo de Cera» House of wax, André De Toth, 1953)
96. «Juegos Diabólicos III» (Poltergeist III, Gary Sherman, 1988)
97. «Revelaciones» (What lies beneath, Robert Zemeckis, 2000)
98. «La Obsesión» (Premature Burial, Roger Corman, 1960)
99. «Cuerpos Invadidos» (Videodrome, David Cronenberg, 1983)
100. «Haxan» (Haxan, Benjamin Christensen, 1922)
92. «Vampyr» (Vampyr Der Traum Des Allan Grey, Carl Theodor Dreyer, 1932)
93. «El Proyecto de la Bruja de Blair» (The Blair Witch Project, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999)
94. «El Pueblo de los Malditos» (The Village of the Damned, Wolf Rilla, 1960)
95. «Los Crímenes del Museo de Cera» House of wax, André De Toth, 1953)
96. «Juegos Diabólicos III» (Poltergeist III, Gary Sherman, 1988)
97. «Revelaciones» (What lies beneath, Robert Zemeckis, 2000)
98. «La Obsesión» (Premature Burial, Roger Corman, 1960)
99. «Cuerpos Invadidos» (Videodrome, David Cronenberg, 1983)
100. «Haxan» (Haxan, Benjamin Christensen, 1922)
Héroes Reales Para Un Mundo Real
De acuerdo al Diccionario Larousse, se define héroe como “el que se distingue por sus acciones extraordinarias o su grandeza de ánimo”, y no es necesario buscar entre los libros o en las series de televisión para encontrarlos. Tampoco hay que estar al pendiente de los próximos estrenos en cine para poder convivir con personas que ejemplifican en carne propia la palabra HEROE.
En medios de comunicación es una constante la aparición de figuras que encarnan los ideales más nobles del ser humano, le resuelven la vida en un segundo y nos dan la seguridad y tranquilidad que tanto anhelamos. ¿Quién no recuerda cuando Tony Stark y compañía («The Avengers» y «Avengers: Era de Ultrón») nos salvaron de la destrucción ya en dos ocasiones (y se acerca ya la tercera entrega)?, o bien, en una escena realmente inolvidable y emotiva, Harry Stamper (Bruce Willis) despidiéndose de su hija Grace (Liv Tyler) minutos antes de salvar a nuestro planeta ( «Armageddon»).
Pero, ¿qué pasa cuando esos héroes de la pantalla los tenemos a veces en nuestra propia casa?; y todo empieza cuando nuestros padres son nuestros máximos héroes (a la fecha para mí lo son y serán por siempre), y luego puede ser un maestro, o bien nuestro mejor amigo... y son reales. Es verdad, no tienen los poderes de un Superman, o la fuerza de Hulk, pero tienen algo más que eso: amor, entrega, pasión, tenacidad, fortaleza, no se dan nunca por vencidos y siempre tienen para nosotros la mejor de las sonrisas y una respuesta a todo... absolutamente a todo.
Que bueno que existan los héroes en cine, cómics, televisión y hasta en videojuegos... pero que bendición que existan héroes de carne y hueso con quienes podemos intercambiar un apretón de manos y saber que son reales. He aquí unos ejemplos.
En medios de comunicación es una constante la aparición de figuras que encarnan los ideales más nobles del ser humano, le resuelven la vida en un segundo y nos dan la seguridad y tranquilidad que tanto anhelamos. ¿Quién no recuerda cuando Tony Stark y compañía («The Avengers» y «Avengers: Era de Ultrón») nos salvaron de la destrucción ya en dos ocasiones (y se acerca ya la tercera entrega)?, o bien, en una escena realmente inolvidable y emotiva, Harry Stamper (Bruce Willis) despidiéndose de su hija Grace (Liv Tyler) minutos antes de salvar a nuestro planeta ( «Armageddon»).
Pero, ¿qué pasa cuando esos héroes de la pantalla los tenemos a veces en nuestra propia casa?; y todo empieza cuando nuestros padres son nuestros máximos héroes (a la fecha para mí lo son y serán por siempre), y luego puede ser un maestro, o bien nuestro mejor amigo... y son reales. Es verdad, no tienen los poderes de un Superman, o la fuerza de Hulk, pero tienen algo más que eso: amor, entrega, pasión, tenacidad, fortaleza, no se dan nunca por vencidos y siempre tienen para nosotros la mejor de las sonrisas y una respuesta a todo... absolutamente a todo.
Que bueno que existan los héroes en cine, cómics, televisión y hasta en videojuegos... pero que bendición que existan héroes de carne y hueso con quienes podemos intercambiar un apretón de manos y saber que son reales. He aquí unos ejemplos.
Rodolfo Neri Vela.
Rodolfo Neri Vela nació en Chilpancingo de los Bravo el 19 de febrero de 1952, es un doctor en ingeniería mexicano. Fue el primer astronauta mexicano y el segundo latinoamericano, al crearse un programa de colaboración entre la Secretaría de Comunicaciones y Transportes de México (SCT) y la NASA.
Participó como especialista en la Misión STS-61-B del Transbordador Espacial Atlantis, llevando a cabo una serie de experimentos diseñados por científicos mexicanos. La misión despegó la noche del 26 de noviembre de 1985 desde el Centro Espacial Kennedy, en Florida, y regresó a tierra en la Base Edwards de la Fuerza Aérea Estadounidense en California el 3 de diciembre. El objetivo principal era poner en órbita tres satélites de comunicación, entre ellos el Morelos II (los otros dos fueron AUSSATT II y SATCOM K-2).
Actualmente se dedica a la divulgación científica y a dar cátedra con respecto a la termodinámica y la ingeniería espacial. En 2014, impartió una conferencia en el Instituto Tecnológico de Ciudad Juárez, en el marco del 50 aniversario de la institución, sobre astronomía. Motivó a los alumnos a que busquen mejores oportunidades de trabajo, a que aprovechen la ubicación de Ciudad Juárez que permite buscar nuevos horizontes en Estados Unidos. "Sin duda alguna, es un digno mexicano que merece respeto y admiración por nosotros, sus compatriotas" Vicente Fox Quesada.
Rodolfo Neri Vela nació en Chilpancingo de los Bravo el 19 de febrero de 1952, es un doctor en ingeniería mexicano. Fue el primer astronauta mexicano y el segundo latinoamericano, al crearse un programa de colaboración entre la Secretaría de Comunicaciones y Transportes de México (SCT) y la NASA.
Participó como especialista en la Misión STS-61-B del Transbordador Espacial Atlantis, llevando a cabo una serie de experimentos diseñados por científicos mexicanos. La misión despegó la noche del 26 de noviembre de 1985 desde el Centro Espacial Kennedy, en Florida, y regresó a tierra en la Base Edwards de la Fuerza Aérea Estadounidense en California el 3 de diciembre. El objetivo principal era poner en órbita tres satélites de comunicación, entre ellos el Morelos II (los otros dos fueron AUSSATT II y SATCOM K-2).
Actualmente se dedica a la divulgación científica y a dar cátedra con respecto a la termodinámica y la ingeniería espacial. En 2014, impartió una conferencia en el Instituto Tecnológico de Ciudad Juárez, en el marco del 50 aniversario de la institución, sobre astronomía. Motivó a los alumnos a que busquen mejores oportunidades de trabajo, a que aprovechen la ubicación de Ciudad Juárez que permite buscar nuevos horizontes en Estados Unidos. "Sin duda alguna, es un digno mexicano que merece respeto y admiración por nosotros, sus compatriotas" Vicente Fox Quesada.
Mario Molina.
José Mario Molina Pasquel y Henríquez nació en la Ciudad de México el 19 de marzo de 1943, es un ingeniero químico mexicano destacado por ser uno de los descubridores de las causas del agujero de ozono antártico. Fue correceptor junto con Paul J. Crutzen y F. Sherwood Rowland del Premio Nobel de Química de 1995 por su papel para la dilucidación de la amenaza a la capa de ozono de la Tierra por parte de los gases clorofluorocarbonos (CFC), convirtiéndose en el primer ciudadano mexicano en recibir el Premio Nobel de Química. Así mismo, sus investigaciones y publicaciones sobre el tema condujeron al Protocolo de Montreal de las Naciones Unidas, el primer tratado internacional que ha enfrentado con efectividad un problema ambiental de escala global y de origen antropogénico. Ya se le reconoce como UN MEXICANO UNIVERSAL.
A lo largo de su brillante trayectoria ha recibido los siguientes reconocimientos: Premio Tyler para Logro Ambiental (1983), Premio John Gustavus Esseler de la Sección Noreste de la Sociedad Estadounidense de Química (1987), NASA Exceptional Scientific Achievement Medal (1989), Premio Nobel de Química (1995), Medalla Willard Gibbs de la Sección Chicago de la Sociedad Estadounidense de Química (1998), Premio de la Sociedad Estadounidense de Química por Avances Creativos en Ciencia y Tecnología del Medio Ambiente (1998), Premio Sasakawa del Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (1999), Premio Heinz en Medio Ambiente (2003), Miembro Electo a El Colegio Nacional de México (2003), Premio Volvo de Medio Ambiente (2004), Galardón Pedro Sarquís Merrewe (2006), Caballero gran cruz de la Orden de Isabel la Católica (2008), Oficial de la Orden de Orange-Nassau del Reino de los Países Bajos (2010), Caballero de la Legión de Honor del gobierno de Francia (2012), Medalla de la Libertad de la Presidencia de los Estados Unidos de América (2013).
Y en el ámbito universitario tiene los siguientes Doctorados Honoris Causa: Universidad Nacional Autónoma de México (1996), Universidad de Yale (1997), Universidad de las Américas Puebla (2001), Centro de Investigación y de Estudios Avanzados del Instituto Politécnico Nacional (2009), Universidad del Valle de México (2010), Universidad de Harvard (2012), Universidades Estatales de México: Hidalgo (2002), México (2006), Michoacán (2009), Guadalajara (2010), San Luis Potosí (2011).
El punto culminante de su trayectoria de trabajo y perseverancia en pro de su preocupación por un problema que afecta a todo el planeta llegó el 11 de octubre de 1995. Mario Molina recibió junto con Sherwood Rowland el Premio Nobel de Química por ser los pioneros en establecer la relación entre el agujero de ozono y los compuestos de cloro y bromuro en la estratosfera. El galardón también se concedió al holandés Crutzen, del Instituto Max-Planck de Química de Mainz (Alemania), quien halló en 1970 que los gases contaminantes tienen un efecto destructor en esa capa, sin descomponerse.
El 4 de diciembre de 1995, Molina, Rowland y Crutzen fueron premiados además por el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA) por su contribución a la protección de la capa de ozono.
Mario Molina ha señalado en alguna ocasión que cuando eligió el proyecto de investigar el destino de los CFC en la atmósfera lo hizo simplemente por curiosidad científica. No consideró las consecuencias que conllevarían sus estudios, pero cuando se dio cuenta de la envergadura de su descubrimiento se sintió sobrecogido, porque su aporte no sólo ha contribuido a la comprensión de la química atmosférica, sino que además ha supuesto un profundo impacto en la conciencia ecológica de todo el mundo. Actualmente es un activista en política de la ciencia.
El 15 de octubre del 2015 se inauguró el Edificio Mario Molina en la Ciudad Universitaria de la UNAM, un espacio que vincula la investigación entre la Facultad de Química y la Industria. Fue construido como parte de la celebración de los 100 años de la Facultad de Química y está orientado a brindar soluciones a problemas relacionados con la protección ambiental, el uso de energía y la prevención del cambio climático.
José Mario Molina Pasquel y Henríquez nació en la Ciudad de México el 19 de marzo de 1943, es un ingeniero químico mexicano destacado por ser uno de los descubridores de las causas del agujero de ozono antártico. Fue correceptor junto con Paul J. Crutzen y F. Sherwood Rowland del Premio Nobel de Química de 1995 por su papel para la dilucidación de la amenaza a la capa de ozono de la Tierra por parte de los gases clorofluorocarbonos (CFC), convirtiéndose en el primer ciudadano mexicano en recibir el Premio Nobel de Química. Así mismo, sus investigaciones y publicaciones sobre el tema condujeron al Protocolo de Montreal de las Naciones Unidas, el primer tratado internacional que ha enfrentado con efectividad un problema ambiental de escala global y de origen antropogénico. Ya se le reconoce como UN MEXICANO UNIVERSAL.
A lo largo de su brillante trayectoria ha recibido los siguientes reconocimientos: Premio Tyler para Logro Ambiental (1983), Premio John Gustavus Esseler de la Sección Noreste de la Sociedad Estadounidense de Química (1987), NASA Exceptional Scientific Achievement Medal (1989), Premio Nobel de Química (1995), Medalla Willard Gibbs de la Sección Chicago de la Sociedad Estadounidense de Química (1998), Premio de la Sociedad Estadounidense de Química por Avances Creativos en Ciencia y Tecnología del Medio Ambiente (1998), Premio Sasakawa del Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (1999), Premio Heinz en Medio Ambiente (2003), Miembro Electo a El Colegio Nacional de México (2003), Premio Volvo de Medio Ambiente (2004), Galardón Pedro Sarquís Merrewe (2006), Caballero gran cruz de la Orden de Isabel la Católica (2008), Oficial de la Orden de Orange-Nassau del Reino de los Países Bajos (2010), Caballero de la Legión de Honor del gobierno de Francia (2012), Medalla de la Libertad de la Presidencia de los Estados Unidos de América (2013).
Y en el ámbito universitario tiene los siguientes Doctorados Honoris Causa: Universidad Nacional Autónoma de México (1996), Universidad de Yale (1997), Universidad de las Américas Puebla (2001), Centro de Investigación y de Estudios Avanzados del Instituto Politécnico Nacional (2009), Universidad del Valle de México (2010), Universidad de Harvard (2012), Universidades Estatales de México: Hidalgo (2002), México (2006), Michoacán (2009), Guadalajara (2010), San Luis Potosí (2011).
El punto culminante de su trayectoria de trabajo y perseverancia en pro de su preocupación por un problema que afecta a todo el planeta llegó el 11 de octubre de 1995. Mario Molina recibió junto con Sherwood Rowland el Premio Nobel de Química por ser los pioneros en establecer la relación entre el agujero de ozono y los compuestos de cloro y bromuro en la estratosfera. El galardón también se concedió al holandés Crutzen, del Instituto Max-Planck de Química de Mainz (Alemania), quien halló en 1970 que los gases contaminantes tienen un efecto destructor en esa capa, sin descomponerse.
El 4 de diciembre de 1995, Molina, Rowland y Crutzen fueron premiados además por el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA) por su contribución a la protección de la capa de ozono.
Mario Molina ha señalado en alguna ocasión que cuando eligió el proyecto de investigar el destino de los CFC en la atmósfera lo hizo simplemente por curiosidad científica. No consideró las consecuencias que conllevarían sus estudios, pero cuando se dio cuenta de la envergadura de su descubrimiento se sintió sobrecogido, porque su aporte no sólo ha contribuido a la comprensión de la química atmosférica, sino que además ha supuesto un profundo impacto en la conciencia ecológica de todo el mundo. Actualmente es un activista en política de la ciencia.
El 15 de octubre del 2015 se inauguró el Edificio Mario Molina en la Ciudad Universitaria de la UNAM, un espacio que vincula la investigación entre la Facultad de Química y la Industria. Fue construido como parte de la celebración de los 100 años de la Facultad de Química y está orientado a brindar soluciones a problemas relacionados con la protección ambiental, el uso de energía y la prevención del cambio climático.
Selección Mexicana Campeones Olímpicos de Londres 2012.
Tal y como había ocurrido en el proceso rumbo a Montreal 1976, una serie de éxitos precedieron la actuación de la selección mexicana en Londres 2012. El equipo dirigido por Luis Fernando Tena había obtenido la medalla de oro en los Juegos Panamericanos de Guadalajara 2011, el Pre-Olímpico de Concacaf y el título del Torneo Esperanzas de Toulon, todo ello acumulando 13 victorias, un empate y solo una derrota con un total de 42 goles marcados, además de contar con la presencia de una generación de jugadores con actuaciones sobresalientes en mundiales infantiles, juveniles y mayores, experiencia en torneos de Primera División de México y el extranjero. Dichos resultados planteaban un escenario optimista.
México había quedado encuadrado en el sector B junto con otros tres campeones zonales: Gabón, Corea del Sur y Suiza que tenía la base de la selección campeona del mundo sub 17 de 2009. El 26 de julio el equipo debutó ante los asiáticos; con un juego gris, la selección fue dominada por los orientales, sembrando dudas sobre el ya mencionado optimismo con el que se había llegado. El marcado final con empate a cero.
El 29 de julio, Giovani dos Santos, jugador campeón del mundo sub 17 en 2005, con experiencia en un mundial juvenil en 2007 y en el mayor de 2010; y con una carrera en Europa, se convirtió en la figura del primer triunfo mexicano al anotar los dos goles de la victoria sobre Gabón. En dicho duelo el equipo mexicano mejoro sustancialmente su operar colectivo.
El 1 de agosto, México finalizó su mejor fase de grupos de la historia, de forma invicta y sin recibir gol, luego de vencer y eliminar 1-0 a Suiza con tanto de Oribe Peralta.
En la fase de cuartos de final el 4 de agosto, se enfrentó a Senegal, quien remonto una desventaja de dos goles que mando el encuentro a tiempos extras, donde en una de sus mejores actuaciones el equipo mexicano logró la victoria 4-2, clasificando por segunda vez a una fase semifinal.
Dándole la voltereta al marcador, tras ir abajo 0-1, el Tri ganó a Japón el 7 de agosto con un buen manejo de balón y con contundencia, con lo cual aseguro darle al balompié mexicano su primera medalla olímpica de la historia. En un duelo de revancha que evoco la derrota en el duelo por el bronce de México 1968.
El 11 de agosto de 2012, el combinado mexicano llegó a la cita final por la medalla de oro ante el gran favorito Brasil, selección que nunca había obtenido el metal áureo en fútbol olímpico. El delantero Oribe Peralta convirtió el primer gol a penas a los 28 segundos de juego, algo que solo fue preámbulo a una destacada actuación de la selección como un colectivo; pues el manejo de balón en medio campo, el trabajo de la defensa y el portero que contuvieron los ataques brasileños y una buena ofensiva desembocaron en un dominio de la cancha de parte de los tricolores que se tradujo en el gol del título al minuto 75 por conducto de Peralta nuevamente. Todavía al minuto 91 Brasil anoto un gol por parte de Hulk y aun cuando se volcó al ataque en busca de los tiempos extras, esto no sucedió y México ganó el campeonato olímpico de Londres 2012
Estos son los 18 jugadores que fueron convocados para jugar el torneo masculino de fútbol en los Juegos Olímpicos de Londres 2012: José de Jesús Corona (portero, Cruz Azul), Israel Jiménez (defensa, Tigres UANL), Carlos Salcido (defensa, Tigres UANL), Hiram Mier (defensa, Monterrey), Darwin Chávez (defensa, Monterrey), Héctor Herrera (centrocampista, Pachuca), Javier Cortés (delantero, Pumas UNAM), Marco Fabián (centrocampista, Guadalajara), Oribe Peralta (delantero, Santos Laguna), Giovani dos Santos (centrocampista, RDC Mallorca), Javier Aquino (centrocampista, Cruz Azul), Raúl Jiménez (delantero, América), Diego Reyes (defensa, América), Jorge Enríquez (centrocampista, Guadalajara), Néstor Vidrio (defensa, Pachuca), Miguel Ponce (defensa, Guadalajara), Néstor Araujo (defensa, Cruz Azul), José Antonio Rodríguez (portero, Guadalajara), Luis Fernando Tena (director técnico).
Tal y como había ocurrido en el proceso rumbo a Montreal 1976, una serie de éxitos precedieron la actuación de la selección mexicana en Londres 2012. El equipo dirigido por Luis Fernando Tena había obtenido la medalla de oro en los Juegos Panamericanos de Guadalajara 2011, el Pre-Olímpico de Concacaf y el título del Torneo Esperanzas de Toulon, todo ello acumulando 13 victorias, un empate y solo una derrota con un total de 42 goles marcados, además de contar con la presencia de una generación de jugadores con actuaciones sobresalientes en mundiales infantiles, juveniles y mayores, experiencia en torneos de Primera División de México y el extranjero. Dichos resultados planteaban un escenario optimista.
México había quedado encuadrado en el sector B junto con otros tres campeones zonales: Gabón, Corea del Sur y Suiza que tenía la base de la selección campeona del mundo sub 17 de 2009. El 26 de julio el equipo debutó ante los asiáticos; con un juego gris, la selección fue dominada por los orientales, sembrando dudas sobre el ya mencionado optimismo con el que se había llegado. El marcado final con empate a cero.
El 29 de julio, Giovani dos Santos, jugador campeón del mundo sub 17 en 2005, con experiencia en un mundial juvenil en 2007 y en el mayor de 2010; y con una carrera en Europa, se convirtió en la figura del primer triunfo mexicano al anotar los dos goles de la victoria sobre Gabón. En dicho duelo el equipo mexicano mejoro sustancialmente su operar colectivo.
El 1 de agosto, México finalizó su mejor fase de grupos de la historia, de forma invicta y sin recibir gol, luego de vencer y eliminar 1-0 a Suiza con tanto de Oribe Peralta.
En la fase de cuartos de final el 4 de agosto, se enfrentó a Senegal, quien remonto una desventaja de dos goles que mando el encuentro a tiempos extras, donde en una de sus mejores actuaciones el equipo mexicano logró la victoria 4-2, clasificando por segunda vez a una fase semifinal.
Dándole la voltereta al marcador, tras ir abajo 0-1, el Tri ganó a Japón el 7 de agosto con un buen manejo de balón y con contundencia, con lo cual aseguro darle al balompié mexicano su primera medalla olímpica de la historia. En un duelo de revancha que evoco la derrota en el duelo por el bronce de México 1968.
El 11 de agosto de 2012, el combinado mexicano llegó a la cita final por la medalla de oro ante el gran favorito Brasil, selección que nunca había obtenido el metal áureo en fútbol olímpico. El delantero Oribe Peralta convirtió el primer gol a penas a los 28 segundos de juego, algo que solo fue preámbulo a una destacada actuación de la selección como un colectivo; pues el manejo de balón en medio campo, el trabajo de la defensa y el portero que contuvieron los ataques brasileños y una buena ofensiva desembocaron en un dominio de la cancha de parte de los tricolores que se tradujo en el gol del título al minuto 75 por conducto de Peralta nuevamente. Todavía al minuto 91 Brasil anoto un gol por parte de Hulk y aun cuando se volcó al ataque en busca de los tiempos extras, esto no sucedió y México ganó el campeonato olímpico de Londres 2012
Estos son los 18 jugadores que fueron convocados para jugar el torneo masculino de fútbol en los Juegos Olímpicos de Londres 2012: José de Jesús Corona (portero, Cruz Azul), Israel Jiménez (defensa, Tigres UANL), Carlos Salcido (defensa, Tigres UANL), Hiram Mier (defensa, Monterrey), Darwin Chávez (defensa, Monterrey), Héctor Herrera (centrocampista, Pachuca), Javier Cortés (delantero, Pumas UNAM), Marco Fabián (centrocampista, Guadalajara), Oribe Peralta (delantero, Santos Laguna), Giovani dos Santos (centrocampista, RDC Mallorca), Javier Aquino (centrocampista, Cruz Azul), Raúl Jiménez (delantero, América), Diego Reyes (defensa, América), Jorge Enríquez (centrocampista, Guadalajara), Néstor Vidrio (defensa, Pachuca), Miguel Ponce (defensa, Guadalajara), Néstor Araujo (defensa, Cruz Azul), José Antonio Rodríguez (portero, Guadalajara), Luis Fernando Tena (director técnico).
Nuestros Niños Genio.
Se estima que tres de cada 100 niños mexicanos son sobredotados. ¡Esto quiere decir que hay un millón de jóvenes superdotados en México! Lamentablemente muchos de ellos no pueden desarrollar todo su potencial por falta de estimulación o porque los adultos no los entienden y creen que padecen algún problema (como Trastorno por Déficit de Atención o Asperger). Ellos son algunos de nuestros pequeños grandes genios:
Dafne Almazán Anaya.
A los 6 años ya había concluido con sus estudios primarios, a los 7 la secundaria y la preparatoria le tomó sólo 2 años más. Cuando tenía 10 años comenzó su carrera universitaria y en agosto será en la psicóloga más joven del mundo. Ahora se prepara para realizar su examen de admisión para realizar una maestría. Además hace taekwondo, toca el piano, pinta al óleo y da clases de chino mandarín a otros niños superdotados.
Andrew Almazán Anaya.
Con 20 años, el hijo mayor de la familia Almazán es psicólogo, se graduó de medicina y tiene una maestría en educación, además esta por terminar un doctorado. A los seis años ya había leído varias obras de Shakespeare, enumeraba huesos del ser humano y planetas, y mostraba una memoria asombrosa. En sólo un año y un mes aprobó los últimos tres años de primaria, secundaria y preparatoria. Desde hace 3 años dirige las investigaciones científicas del Centro de Atención al Talento (Cedat), haciendo estudios acerca de los niños superdotados. (Los secretos del cerebro de un genio)
Luis Roberto Ramírez.
Nació en julio de 2002 en Zamora, Michoacán. Tiene un CI de 152 a 160 (parecido al de Einstein) y toca cinco instrumentos musicales. Terminó la primaria y la secundaria en siete meses y la preparatoria en un tiempo récord de dos meses y medio, con 9.9 de calificación. Su sueño es estudiar física cuántica en Harvard.
Luis Roberto aprendió a leer a los cuatro años y fue diagnosticado como superdotado a los nueve. Actualmente es uno de los tres infantes prodigio de México, aunque su madre reconoce que tiene dificultades para "convivir con niños de su edad".
Recientemente, ofreció la conferencia "Implicaciones de la éticas en la ciencia y tecnología" ante académicos de la Universidad Pedagógica Nacional de Zamora. "Es un gran orgullo, pero una gran responsabilidad también", apuntó su padre, Roberto Ramírez, quién está realizando los trámites necesarios para que el joven genio ingrese a los programas de adolescentes superdotados que tiene la prestigiosa casa de estudios de Estados Unidos.
Paloma Noyola Bueno.
Nació en Matamoros, Tamaulipas, en una comunidad humilde que está cerca de un basurero. Paloma ganó el primer lugar en la prueba Enlace de Matemáticas en 2012, y tiene tanto talento para las matemáticas que ha sido comparada con Steve Jobs, el fundador de Apple por la revista Wired.
Estos son sólo algunos de los casos de niños superdotados que han salido a la luz en nuestro país, de acuerdo con datos del Cedat (Centro de Atención al Talento), centro fundado por los padres de los Almazán para dar educación a niños con CI superiores, el 93% de los niños superdotados son mal diagnosticados, lo que genera un mal manejo de sus capacidades.
Se estima que tres de cada 100 niños mexicanos son sobredotados. ¡Esto quiere decir que hay un millón de jóvenes superdotados en México! Lamentablemente muchos de ellos no pueden desarrollar todo su potencial por falta de estimulación o porque los adultos no los entienden y creen que padecen algún problema (como Trastorno por Déficit de Atención o Asperger). Ellos son algunos de nuestros pequeños grandes genios:
Dafne Almazán Anaya.
A los 6 años ya había concluido con sus estudios primarios, a los 7 la secundaria y la preparatoria le tomó sólo 2 años más. Cuando tenía 10 años comenzó su carrera universitaria y en agosto será en la psicóloga más joven del mundo. Ahora se prepara para realizar su examen de admisión para realizar una maestría. Además hace taekwondo, toca el piano, pinta al óleo y da clases de chino mandarín a otros niños superdotados.
Andrew Almazán Anaya.
Con 20 años, el hijo mayor de la familia Almazán es psicólogo, se graduó de medicina y tiene una maestría en educación, además esta por terminar un doctorado. A los seis años ya había leído varias obras de Shakespeare, enumeraba huesos del ser humano y planetas, y mostraba una memoria asombrosa. En sólo un año y un mes aprobó los últimos tres años de primaria, secundaria y preparatoria. Desde hace 3 años dirige las investigaciones científicas del Centro de Atención al Talento (Cedat), haciendo estudios acerca de los niños superdotados. (Los secretos del cerebro de un genio)
Luis Roberto Ramírez.
Nació en julio de 2002 en Zamora, Michoacán. Tiene un CI de 152 a 160 (parecido al de Einstein) y toca cinco instrumentos musicales. Terminó la primaria y la secundaria en siete meses y la preparatoria en un tiempo récord de dos meses y medio, con 9.9 de calificación. Su sueño es estudiar física cuántica en Harvard.
Luis Roberto aprendió a leer a los cuatro años y fue diagnosticado como superdotado a los nueve. Actualmente es uno de los tres infantes prodigio de México, aunque su madre reconoce que tiene dificultades para "convivir con niños de su edad".
Recientemente, ofreció la conferencia "Implicaciones de la éticas en la ciencia y tecnología" ante académicos de la Universidad Pedagógica Nacional de Zamora. "Es un gran orgullo, pero una gran responsabilidad también", apuntó su padre, Roberto Ramírez, quién está realizando los trámites necesarios para que el joven genio ingrese a los programas de adolescentes superdotados que tiene la prestigiosa casa de estudios de Estados Unidos.
Paloma Noyola Bueno.
Nació en Matamoros, Tamaulipas, en una comunidad humilde que está cerca de un basurero. Paloma ganó el primer lugar en la prueba Enlace de Matemáticas en 2012, y tiene tanto talento para las matemáticas que ha sido comparada con Steve Jobs, el fundador de Apple por la revista Wired.
Estos son sólo algunos de los casos de niños superdotados que han salido a la luz en nuestro país, de acuerdo con datos del Cedat (Centro de Atención al Talento), centro fundado por los padres de los Almazán para dar educación a niños con CI superiores, el 93% de los niños superdotados son mal diagnosticados, lo que genera un mal manejo de sus capacidades.
Y también a lo largo del mundo existen pequeños genios, niñas y niños que enaltecen la creatividad, la inteligencia y la buena esencia del ser humano:
Akrit Pran Jaswal.
La niña hindú Akrit Pran Jaswal se hizo famosa cuando realizó su primera cirugía con tan sólo siete años. Aunque no era considerada doctora, era considerada una genio médico local.
Su primera cirugía fue en las manos de un niño de ocho años de edad, víctima de quemaduras, y Akrit lo hizo perfecto, separando sus dedos.
Ella entró en la Universidad a los 12 años, y a los 17 años ya estaba trabajando con un título de Master en Química Aplicada. En la actualidad, está trabajando en la búsqueda de una cura para el cáncer.
Mikaela Irene Fudolig.
Mikaela Irene Fudolig entró en la Universidad de Filipinas a los 11 años de edad.
Se graduó Summa Cum Laude en la Licenciatura en Ciencias en Física a los 16 años, siendo la mejor estudiante de su clase de graduación.
Actualmente es estudiante de doctorado y profesora en la misma universidad, con interés en econofísica, modelos matemáticos del comportamiento de los sistemas y los sistemas biológicos.
Priyanshi Somani.
Priyanshi Somani es una calculadora mental, de la India. Comenzó a utilizar el cálculo mental a la edad de seis años y los 11 años era la niña más joven participante en la Copa Mundial de Cálculo Mental de 2010, la cual ganó. Ella superó a otros 36 competidores de 16 países. Ganó el primer lugar al resolver la raíz cuadrada del número 10 de seis dígitos en un récord de 6 minutos 51 segundos. Por si fuera poco, ella fue la única participante que tiene una precisión del 100 por ciento en adición, multiplicación, y las raíces cuadradas en la historia de la competición. Se convirtió en el nuevo récord mundial en las raíces cuadradas mentales de enero de 2012, cuando calculó la raíz cuadrada de 10 números de seis dígitos en 2 minutos 43 segundos.
Safron Pledger.
Una niña británica de tan sólo tres años de edad podría convertirse en la segunda integrante más joven de Mensa, el grupo que reúne a las personas de mayor coeficiente intelectual en el mundo.
Pese a su corta edad, Saffron Pledger ya es capaz de decir el alfabeto completo y formar oraciones complejas, informó el diario The Telegraph en el 2011.
Dijo su primera palabra, antes de que pudiera sentarse por sí misma y al año y medio de edad aprendió a hablar.
“Sólo soy una pequeña niña, pero estoy muy emocionada de haber pasado estas pruebas, aunque fueran muy duras”, comenta la pequeña, quien se encuentra en la última etapa del proceso de selección de Mensa, que únicamente acepta a personas con coeficiente intelectual de 140 o más.
La pequeña Saffron es hija de Danny Pledger, un diseñador web que ha ganado ocho veces un concurso de preguntas de televisión, y de Kirstie Pledger, una diseñadora de modas.
“No sé de dónde obtuvo su inteligencia. Nosotros sólo hemos alentado todo lo que hace”, afirmó su progenitor.
Los únicos planes que tiene la niña son jugar y divertirse: “Cuando crezca me gustaría jugar con mis juguetes todo el día. Pronto iré a la escuela y pintaré, dibujaré, y correré por ahí”.
En caso de que Saffron ingrese a Mensa, se convertirá en la segunda persona más joven en obtener la acreditación, sólo por debajo de su compatriota Elise Tan Roberts, quien lo logró con tan sólo dos años y cuatro meses de edad.
Akrit Pran Jaswal.
La niña hindú Akrit Pran Jaswal se hizo famosa cuando realizó su primera cirugía con tan sólo siete años. Aunque no era considerada doctora, era considerada una genio médico local.
Su primera cirugía fue en las manos de un niño de ocho años de edad, víctima de quemaduras, y Akrit lo hizo perfecto, separando sus dedos.
Ella entró en la Universidad a los 12 años, y a los 17 años ya estaba trabajando con un título de Master en Química Aplicada. En la actualidad, está trabajando en la búsqueda de una cura para el cáncer.
Mikaela Irene Fudolig.
Mikaela Irene Fudolig entró en la Universidad de Filipinas a los 11 años de edad.
Se graduó Summa Cum Laude en la Licenciatura en Ciencias en Física a los 16 años, siendo la mejor estudiante de su clase de graduación.
Actualmente es estudiante de doctorado y profesora en la misma universidad, con interés en econofísica, modelos matemáticos del comportamiento de los sistemas y los sistemas biológicos.
Priyanshi Somani.
Priyanshi Somani es una calculadora mental, de la India. Comenzó a utilizar el cálculo mental a la edad de seis años y los 11 años era la niña más joven participante en la Copa Mundial de Cálculo Mental de 2010, la cual ganó. Ella superó a otros 36 competidores de 16 países. Ganó el primer lugar al resolver la raíz cuadrada del número 10 de seis dígitos en un récord de 6 minutos 51 segundos. Por si fuera poco, ella fue la única participante que tiene una precisión del 100 por ciento en adición, multiplicación, y las raíces cuadradas en la historia de la competición. Se convirtió en el nuevo récord mundial en las raíces cuadradas mentales de enero de 2012, cuando calculó la raíz cuadrada de 10 números de seis dígitos en 2 minutos 43 segundos.
Safron Pledger.
Una niña británica de tan sólo tres años de edad podría convertirse en la segunda integrante más joven de Mensa, el grupo que reúne a las personas de mayor coeficiente intelectual en el mundo.
Pese a su corta edad, Saffron Pledger ya es capaz de decir el alfabeto completo y formar oraciones complejas, informó el diario The Telegraph en el 2011.
Dijo su primera palabra, antes de que pudiera sentarse por sí misma y al año y medio de edad aprendió a hablar.
“Sólo soy una pequeña niña, pero estoy muy emocionada de haber pasado estas pruebas, aunque fueran muy duras”, comenta la pequeña, quien se encuentra en la última etapa del proceso de selección de Mensa, que únicamente acepta a personas con coeficiente intelectual de 140 o más.
La pequeña Saffron es hija de Danny Pledger, un diseñador web que ha ganado ocho veces un concurso de preguntas de televisión, y de Kirstie Pledger, una diseñadora de modas.
“No sé de dónde obtuvo su inteligencia. Nosotros sólo hemos alentado todo lo que hace”, afirmó su progenitor.
Los únicos planes que tiene la niña son jugar y divertirse: “Cuando crezca me gustaría jugar con mis juguetes todo el día. Pronto iré a la escuela y pintaré, dibujaré, y correré por ahí”.
En caso de que Saffron ingrese a Mensa, se convertirá en la segunda persona más joven en obtener la acreditación, sólo por debajo de su compatriota Elise Tan Roberts, quien lo logró con tan sólo dos años y cuatro meses de edad.
¿Qué Es Una Niña?
Las niñas son lo más agradable que puede sucederle a las personas.
Nacen con un poco de brillo angelical y, aunque algunas veces desgasta, siempre hay suficiente para cautivar tu corazón, hasta cuando se sientan en el lodo o lloran temperamentalmente o se pasean por la calle con las mejores ropas de mamá.
Una niña puede ser más dulce y más mala, más a menudo que nadie en el mundo. Puede correr y tropezar, hacer ruidos raros que te irriten; sin embargo, precisamente cuando abres la boca, se queda quieta con esa mirada especial. Una niña es la inocencia jugando con lodo, la belleza sosteniéndose en su cabeza y la maternidad jalando una muñeca por el piso.
Dios pide prestado de varias criaturas para hacerlas. Usa el canto del pájaro, el chillido de un cerdo, la terquedad de una mula, los gestos de un mono, la agilidad de un chapulín, la curiosidad de un gato, la velocidad de una gacela, la astucia de una zorra, la dulzura de un gatito y para completar, Él agrega la mente misteriosa de una mujer.
A una niña le gustan los zapatos nuevos, los vestidos de fiesta, los animales recién nacidos, ir en primer año, los juegos de mesa, la chica de enfrente como su mejor amiga, actuar a su personaje favorito, las muñecas, las clases de baile, los helados, las cocinas, libros para colorear, el maquillaje, los refrescos y jugos, ir de visita, las fiestecitas y un niño.
Le desagradan las visitas, los niños en general, los perros grandes o ruidosos (pero adoran a las mascotas), la ropa usada, las sillas rectas, las verduras, los trajes para la nieve o quedarse en el patio.
Ella es la más ruidosa cuando tu estás pensando, la más bonita cuando te ha provocado, la más ocupada a la hora de dormir, la más callada cuando quieras presumirla y la más coqueta cuando definitivamente no quieres darle permiso.
¿Quién puede causarte más pena, alegría, irritación, satisfacción, vergüenza y encanto genuino que esta combinación de Eva, Lady Diana, bella Princesita de Disney y Florence Nightingale?
Ella puede desarreglar tu hogar, tu cabello, y tu dignidad - gastar tu dinero, tiempo y paciencia- y, justamente cuando estás listo para explotar, su brillo encantador aparece y pierdes otra vez.
Si, ella puede ser una molestia que te exaspera; un manojito ruidoso de calamidades.
Pero cuando tus sueños desfallecen y el mundo es un caos - cuando te sientes casi un tonto- ella puede convertirte en su héroe personal, en Príncipe Azul y en Rey en el momento que se trepa a tu rodilla y murmura: ¡Papi! ¡Te quiero!
Nacen con un poco de brillo angelical y, aunque algunas veces desgasta, siempre hay suficiente para cautivar tu corazón, hasta cuando se sientan en el lodo o lloran temperamentalmente o se pasean por la calle con las mejores ropas de mamá.
Una niña puede ser más dulce y más mala, más a menudo que nadie en el mundo. Puede correr y tropezar, hacer ruidos raros que te irriten; sin embargo, precisamente cuando abres la boca, se queda quieta con esa mirada especial. Una niña es la inocencia jugando con lodo, la belleza sosteniéndose en su cabeza y la maternidad jalando una muñeca por el piso.
Dios pide prestado de varias criaturas para hacerlas. Usa el canto del pájaro, el chillido de un cerdo, la terquedad de una mula, los gestos de un mono, la agilidad de un chapulín, la curiosidad de un gato, la velocidad de una gacela, la astucia de una zorra, la dulzura de un gatito y para completar, Él agrega la mente misteriosa de una mujer.
A una niña le gustan los zapatos nuevos, los vestidos de fiesta, los animales recién nacidos, ir en primer año, los juegos de mesa, la chica de enfrente como su mejor amiga, actuar a su personaje favorito, las muñecas, las clases de baile, los helados, las cocinas, libros para colorear, el maquillaje, los refrescos y jugos, ir de visita, las fiestecitas y un niño.
Le desagradan las visitas, los niños en general, los perros grandes o ruidosos (pero adoran a las mascotas), la ropa usada, las sillas rectas, las verduras, los trajes para la nieve o quedarse en el patio.
Ella es la más ruidosa cuando tu estás pensando, la más bonita cuando te ha provocado, la más ocupada a la hora de dormir, la más callada cuando quieras presumirla y la más coqueta cuando definitivamente no quieres darle permiso.
¿Quién puede causarte más pena, alegría, irritación, satisfacción, vergüenza y encanto genuino que esta combinación de Eva, Lady Diana, bella Princesita de Disney y Florence Nightingale?
Ella puede desarreglar tu hogar, tu cabello, y tu dignidad - gastar tu dinero, tiempo y paciencia- y, justamente cuando estás listo para explotar, su brillo encantador aparece y pierdes otra vez.
Si, ella puede ser una molestia que te exaspera; un manojito ruidoso de calamidades.
Pero cuando tus sueños desfallecen y el mundo es un caos - cuando te sientes casi un tonto- ella puede convertirte en su héroe personal, en Príncipe Azul y en Rey en el momento que se trepa a tu rodilla y murmura: ¡Papi! ¡Te quiero!
Any, mi única y Hermosa Princesita, son tantas las cosas que nacen en mi corazón cada vez que estamos juntos, cada vez que te abrazo, o te doy un beso en la mejilla o me das mi bendición cada inicio de semana, que a veces siento que mi gran amor por tí es estar en el cielo sin aún merecerlo, pero bendigo a Dios por esto y te bendigo a tí, mi hermoso ángelito de luz: por todas esas veces que estás junto a mí, por todas las verdades que siempre me haces ver, por toda la alegría que traes a mi vida aunque no podamos estar todo el tiempo juntos, por todos los errores que me haces corregir, por cada sueño que haz vuelto realidad empezando por tu gestación y tu nacimiento, por todo el amor que encuentro en ti a cada segundo.
Mi amor, siempre te doy las gracias.
Tú eres la única que siempre me brinda una mano y nunca me dejas caer, tú eres la única que siempre me dices lo lograrás, todo lo lograrás.
Tú eres mi fuerza siempre que estoy débil o sin ánimo, tú eres mi voz cuando no puedo hablar porque no me salen las palabras, tú eres mis ojos cuando no puedo ver y para tí todo está claro, tú siempre me dices que lo mejor está dentro de mí, siempre me ayudas a avanzar cuando no llego a mi meta; Any, tu me das siempre tu fe porque confías en mí, y sabes mi amor: Soy todo lo que soy porque tú me amas.
Mi corazón, tú me das alas y me haces volar, y cuando tocas mi mano yo puedo tocar el cielo; sí pierdo mi fe, tú me la devuelves porque
siempre me dices que no hay estrella que no pueda alcanzar. Cuando estás conmigo estoy siempre firme y de pie.
Tengo tu amor y lo tengo todo.
Any, mi angelito, estoy agradecido por cada día que me das y quizás tú no sepas cuanto, pero sabes que en verdad es mucho, y sabes mi amor, soy bendecido cada día porque tú me amas.
Siempre estás ahí para mí aunque estemos lejos, eres como un viento tierno que me lleva contigo, eres una luz que ilumina con su amor mi vida.
Eres mi inspiración.
Y amor, eternamente, a través de las mentiras tú siempre eres la verdad.
Bendita seas mi amor, porque gracias a que estamos juntos, mi mundo es un lugar mejor… gracias a ti
Mi amor, siempre te doy las gracias.
Tú eres la única que siempre me brinda una mano y nunca me dejas caer, tú eres la única que siempre me dices lo lograrás, todo lo lograrás.
Tú eres mi fuerza siempre que estoy débil o sin ánimo, tú eres mi voz cuando no puedo hablar porque no me salen las palabras, tú eres mis ojos cuando no puedo ver y para tí todo está claro, tú siempre me dices que lo mejor está dentro de mí, siempre me ayudas a avanzar cuando no llego a mi meta; Any, tu me das siempre tu fe porque confías en mí, y sabes mi amor: Soy todo lo que soy porque tú me amas.
Mi corazón, tú me das alas y me haces volar, y cuando tocas mi mano yo puedo tocar el cielo; sí pierdo mi fe, tú me la devuelves porque
siempre me dices que no hay estrella que no pueda alcanzar. Cuando estás conmigo estoy siempre firme y de pie.
Tengo tu amor y lo tengo todo.
Any, mi angelito, estoy agradecido por cada día que me das y quizás tú no sepas cuanto, pero sabes que en verdad es mucho, y sabes mi amor, soy bendecido cada día porque tú me amas.
Siempre estás ahí para mí aunque estemos lejos, eres como un viento tierno que me lleva contigo, eres una luz que ilumina con su amor mi vida.
Eres mi inspiración.
Y amor, eternamente, a través de las mentiras tú siempre eres la verdad.
Bendita seas mi amor, porque gracias a que estamos juntos, mi mundo es un lugar mejor… gracias a ti
Timbiriche; Por la Nostalgia Musical
Ahora que esta de moda todo lo “retro”, me he topado con una sorpresa bastante agradable, y es que ahora, a los jóvenes que les encantan los ritmos electrónicos, el hip-hop, el rap, el reguetón y un sin fin de nuevos ritmos, les empieza a gustar un sonido que pertenece a una época que definitivamente, marcó a toda una generación, me refiero por supuesto a la música de los ochenta. ¡Sí!, aunque parezca increíble, en pleno 2016 figuras emblemáticas como Emmanuel, Mijares, Flans, Pandora, por mencionar solo algunos, están de vuelta en la escena musical. Y no podía faltar en este recuento un grupo con el cual crecimos la mayoría de quienes nacimos en ese tiempo: Timbiriche.
“Soy un desastre”, “Con todos menos conmigo”, “Tú y yo somos uno mismo”, “Princesa tibetana”, “Muriendo lento” y un largo etcétera, nuevamente vuelven a formar parte de los sonidos cotidianos, y es que la vida es un ciclo interminable de sorpresas, muy agradables por cierto.
Timbiriche fue un grupo musical de pop mexicano (conocido también durante una corta etapa como La Banda Timbiriche), que inició como un grupo infantil en 1982, en respuesta al famoso grupo infantil español Parchís. A diferencia de este, Timbiriche logró evolucionar exitosamente de su etapa infantil a adolescente y aún después, en una corta etapa, como un grupo adulto-joven, con lo cual se convirtió en uno de los grupos más importantes del pop latino de los 80's y principios de los 90's, además de ser una excelente cantera de artistas del género Pop, que han logrado exitosas carreras en solitario como Paulina Rubio, Sasha Sokol, Thalía, Benny Ibarra, Edith Márquez, Erick Rubín, entre otros.
“Soy un desastre”, “Con todos menos conmigo”, “Tú y yo somos uno mismo”, “Princesa tibetana”, “Muriendo lento” y un largo etcétera, nuevamente vuelven a formar parte de los sonidos cotidianos, y es que la vida es un ciclo interminable de sorpresas, muy agradables por cierto.
Timbiriche fue un grupo musical de pop mexicano (conocido también durante una corta etapa como La Banda Timbiriche), que inició como un grupo infantil en 1982, en respuesta al famoso grupo infantil español Parchís. A diferencia de este, Timbiriche logró evolucionar exitosamente de su etapa infantil a adolescente y aún después, en una corta etapa, como un grupo adulto-joven, con lo cual se convirtió en uno de los grupos más importantes del pop latino de los 80's y principios de los 90's, además de ser una excelente cantera de artistas del género Pop, que han logrado exitosas carreras en solitario como Paulina Rubio, Sasha Sokol, Thalía, Benny Ibarra, Edith Márquez, Erick Rubín, entre otros.
Desde sus inicios en 1982, nacieron con buena estrella, desde que lanzan su primer disco titulado “Timbiriche”, con los clásicos Amor para ti, Hoy tengo que decirte Papá, Y la fiesta comenzó y Somos Amigos.
Debido al éxito de su primer álbum, de inmediato se vieron en la necesidad de grabar otro álbum ese mismo año a fin de tener un amplio repertorio para sus presentaciones. Así surge “La Banda Timbiriche”, con los éxitos La banda timbiriche, Chispita (de la telenovela de Televisa del mismo nombre, protagonizada por la entonces estrella infantil Lucero), La vida es mejor cantando, México y Mamá.
En 1983 graban “La Banda Timbiriche: En Concierto” un álbum totalmente de estudio, con covers de musicales famosos en esa época como Baile del Sapo, Payasos, Sueño con Volver a Verte y Noches de Verano además obtienen un gran éxito con el cover en español "Mickey", llevado a la fama por la cantante Toni Basil. En este tercer álbum, el grupo ya gozaba de una gran aceptación sobre todo en México, donde ya había recibido varios discos de oro por las altas ventas de sus álbumes. Pocas eran las canciones que faltaban en una fiesta infantil, el grupo se veía transformado en el más exitoso de los grupos infantiles del momento, además de diversos especiales de Televisión, Timbiriche estaba en su momento más fuerte entre la música infantil acabando al grupo Parchis en México.
En diciembre de 1983, Erick Rubín se une al grupo como el séptimo integrante y lanzan su cuarto disco, llamado “Timbiriche Disco Ruido”, que tuvo más difusión en 1984. Este representó el primer gran desafío de la banda, pues no se sabía cuál sería la reacción del público ante este nuevo integrante, que tuvo que pasar por muchos conflictos hasta con sus compañeros. Sin embargo, el álbum tuvo un buen recibimiento y contuvo éxitos como Disco Ruido y Adiós a la Escuela.
En 1984, los integrantes, junto con varios otros niños actores y cantantes como Thalía, Edith Márquez, Stephanie Salas, Eduardo Capetillo, Héctor Suárez Gomís, Lolita Cortes, Usi Velasco, Cecilia Tijerina, Angélica Ruvalcaba y Alejandro Ibarra entre otros, se prepararon para montar la obra de teatro “Vaselina con Timbiriche” (basada en la película musical Grease de 1978), producida por Julissa. De esta puesta en escena sale al mercado el disco Vaselina con Timbiriche, que fue otro éxito más de Timbiriche. Conocido como el último disco de tipo infantil del grupo, esta producción cerró con broche de oro esta etapa con temas de entre los cuales se destacan los clásicos Amor Primero, Rayo Rebelde, Iremos Juntos y Freddy Mi Amor.
Para 1985 comienza la evolución, y el antiguo grupo infantil da lugar a un nuevo sonido más fresco y dirigido al público adolescente. Su siguiente disco titulado “Timbiriche Rock Show” es lanzado en 1985 y de inmediato se coloca en los primeros lugares de ventas, recibiendo disco de platino por más de 500,000 copias tan solo en México.
Sin embargo y a pesar del éxito obtenido, Benny Ibarra decide salir del grupo en septiembre de ese mismo año tras la grabación del álbum y después de haber participado sólo en la promoción de los dos primeros sencillos. El resto de la promoción de Rock Show continúa con un nuevo integrante: Eduardo Capetillo quien, a pesar de llevar en hombros el peso del nombre de su antecesor, se logra ganar el cariño y la admiración de los fans del grupo. De este disco sobresalen canciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos como: Teléfono, Juntos, Soy un Desastre, Vivirás, Corro, Vuelo, Me Acelero, Me Plantó y otros.
Debido al éxito de su primer álbum, de inmediato se vieron en la necesidad de grabar otro álbum ese mismo año a fin de tener un amplio repertorio para sus presentaciones. Así surge “La Banda Timbiriche”, con los éxitos La banda timbiriche, Chispita (de la telenovela de Televisa del mismo nombre, protagonizada por la entonces estrella infantil Lucero), La vida es mejor cantando, México y Mamá.
En 1983 graban “La Banda Timbiriche: En Concierto” un álbum totalmente de estudio, con covers de musicales famosos en esa época como Baile del Sapo, Payasos, Sueño con Volver a Verte y Noches de Verano además obtienen un gran éxito con el cover en español "Mickey", llevado a la fama por la cantante Toni Basil. En este tercer álbum, el grupo ya gozaba de una gran aceptación sobre todo en México, donde ya había recibido varios discos de oro por las altas ventas de sus álbumes. Pocas eran las canciones que faltaban en una fiesta infantil, el grupo se veía transformado en el más exitoso de los grupos infantiles del momento, además de diversos especiales de Televisión, Timbiriche estaba en su momento más fuerte entre la música infantil acabando al grupo Parchis en México.
En diciembre de 1983, Erick Rubín se une al grupo como el séptimo integrante y lanzan su cuarto disco, llamado “Timbiriche Disco Ruido”, que tuvo más difusión en 1984. Este representó el primer gran desafío de la banda, pues no se sabía cuál sería la reacción del público ante este nuevo integrante, que tuvo que pasar por muchos conflictos hasta con sus compañeros. Sin embargo, el álbum tuvo un buen recibimiento y contuvo éxitos como Disco Ruido y Adiós a la Escuela.
En 1984, los integrantes, junto con varios otros niños actores y cantantes como Thalía, Edith Márquez, Stephanie Salas, Eduardo Capetillo, Héctor Suárez Gomís, Lolita Cortes, Usi Velasco, Cecilia Tijerina, Angélica Ruvalcaba y Alejandro Ibarra entre otros, se prepararon para montar la obra de teatro “Vaselina con Timbiriche” (basada en la película musical Grease de 1978), producida por Julissa. De esta puesta en escena sale al mercado el disco Vaselina con Timbiriche, que fue otro éxito más de Timbiriche. Conocido como el último disco de tipo infantil del grupo, esta producción cerró con broche de oro esta etapa con temas de entre los cuales se destacan los clásicos Amor Primero, Rayo Rebelde, Iremos Juntos y Freddy Mi Amor.
Para 1985 comienza la evolución, y el antiguo grupo infantil da lugar a un nuevo sonido más fresco y dirigido al público adolescente. Su siguiente disco titulado “Timbiriche Rock Show” es lanzado en 1985 y de inmediato se coloca en los primeros lugares de ventas, recibiendo disco de platino por más de 500,000 copias tan solo en México.
Sin embargo y a pesar del éxito obtenido, Benny Ibarra decide salir del grupo en septiembre de ese mismo año tras la grabación del álbum y después de haber participado sólo en la promoción de los dos primeros sencillos. El resto de la promoción de Rock Show continúa con un nuevo integrante: Eduardo Capetillo quien, a pesar de llevar en hombros el peso del nombre de su antecesor, se logra ganar el cariño y la admiración de los fans del grupo. De este disco sobresalen canciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos como: Teléfono, Juntos, Soy un Desastre, Vivirás, Corro, Vuelo, Me Acelero, Me Plantó y otros.
Para agosto de 1986 sale otra integrante fundadora: Sasha Sokol y en septiembre su lugar es ocupado por Thalía; con lo que el público se haría de nuevo la pregunta: ¿Sobrevivirá Timbiriche?, ya que otra integrante se había despedido del grupo, dejando a los demás integrantes y a su sustituta una gran responsabilidad: mantener al grupo en pie.
Cabe mencionar que Thalía sustituía en el papel de "Sandy" a Sasha en la obra de Vaselina cuando ésta por algún motivo no podía asistir a la obra; por lo que fue seleccionada para que ella misma la sustituyera en Timbiriche.
Para 1987 lanzan “Timbiriche VII”. Con este álbum conocido como uno de los más vendidos de la música pop en español, el grupo aumenta aún más el éxito obtenido con el anterior, del que gozaba desde hace años y se consolida como grupo juvenil. De dicha producción se desprendieron éxitos como No seas tan cruel, Besos de Ceniza, Mírame (cuestión de tiempo), Si no es ahora, Con Todos menos Conmigo, Rompecabezas, entre otros, que se convertirían en clásicos que marcarían la historia de este grupo. Con este álbum rompen récords de ventas, vendiendo 6 millones de copias. El álbum los convertiría en el grupo más exitoso del momento, con varias giras de alrededor de 30 fechas por mes.
Ese mismo año Timbiriche interpreta el tema principal de la telenovela “Quinceañera” protagonizada por Adela Noriega y Thalía (quien era integrante del grupo en ese momento).
En diciembre de ese mismo año y debido a la gran fama que cosechó durante todo el año, son invitados a participar en un álbum navideño al lado de artistas como Yuri, Flans, Fandango, Manuel Mijares entre otros llamado “Esta Navidad” donde Timbiriche interpreta el villancico ¡Ay del Chiquirritín!. Tras esta participación navideña, Mariana Garza sale del grupo en ese mismo mes para incursionar como actriz de televisión y es la propia Mariana quien elige para su reemplazo a Edith Márquez, quien ya era muy conocida por su participación en la serie “Papá soltero”. A la vez, a ella le cuesta mucho adaptarse por problemas con sus compañeros, quienes le jugaban pesadas novatadas.
En 1988 sale a la venta el álbum doble “Timbiriche VIII y IX”, Este disco sin duda marca el punto máximo en la carrera musical del grupo con canciones como: Tú y Yo Somos Uno Mismo, Ámame Hasta con Los Dientes, Acelerar, No Sé Si Es Amor, Máscaras, Me Estoy Volviendo Loca, Tú Me Vuelves Loco, entre otros. El Álbum vendió 4 millones de copias entre México y Sudamérica.
Ese mismo año la telenovela “Dulce desafío”, protagonizada por Adela Noriega y Eduardo Yañez, incluye varios temas del grupo en su historia.
Para noviembre de ese año Alix Bauer decide dejar el grupo para preparar su carrera como solista y tras nuevas audiciones, en febrero de 1989 su lugar es ocupado por Bibi Gaytán, quien termina al lado del resto de los miembros la gira correspondiente al álbum doble.
Luego se dio paso a un álbum de éxitos grabado con la Orquesta Sinfónica de México: “Los clásicos de Timbiriche”. Este disco homenaje tuvo de invitados a los 3 primeros ex integrantes: Benny, Sasha y Mariana, con los cuales graban una canción inédita, titulada Por Ti. La producción fue grabada al final de 1988 y sacada a la venta hasta febrero de 1989. (Por eso Bibi no estuvo en este disco). Para agosto de 1989 Eduardo Capetillo y Thalía también optan por abandonar el grupo para prepararse como solistas y sus lugares son ocupados por nuevos integrantes Claudio Bermúdez y Patty Tanús.
Cabe mencionar que Thalía sustituía en el papel de "Sandy" a Sasha en la obra de Vaselina cuando ésta por algún motivo no podía asistir a la obra; por lo que fue seleccionada para que ella misma la sustituyera en Timbiriche.
Para 1987 lanzan “Timbiriche VII”. Con este álbum conocido como uno de los más vendidos de la música pop en español, el grupo aumenta aún más el éxito obtenido con el anterior, del que gozaba desde hace años y se consolida como grupo juvenil. De dicha producción se desprendieron éxitos como No seas tan cruel, Besos de Ceniza, Mírame (cuestión de tiempo), Si no es ahora, Con Todos menos Conmigo, Rompecabezas, entre otros, que se convertirían en clásicos que marcarían la historia de este grupo. Con este álbum rompen récords de ventas, vendiendo 6 millones de copias. El álbum los convertiría en el grupo más exitoso del momento, con varias giras de alrededor de 30 fechas por mes.
Ese mismo año Timbiriche interpreta el tema principal de la telenovela “Quinceañera” protagonizada por Adela Noriega y Thalía (quien era integrante del grupo en ese momento).
En diciembre de ese mismo año y debido a la gran fama que cosechó durante todo el año, son invitados a participar en un álbum navideño al lado de artistas como Yuri, Flans, Fandango, Manuel Mijares entre otros llamado “Esta Navidad” donde Timbiriche interpreta el villancico ¡Ay del Chiquirritín!. Tras esta participación navideña, Mariana Garza sale del grupo en ese mismo mes para incursionar como actriz de televisión y es la propia Mariana quien elige para su reemplazo a Edith Márquez, quien ya era muy conocida por su participación en la serie “Papá soltero”. A la vez, a ella le cuesta mucho adaptarse por problemas con sus compañeros, quienes le jugaban pesadas novatadas.
En 1988 sale a la venta el álbum doble “Timbiriche VIII y IX”, Este disco sin duda marca el punto máximo en la carrera musical del grupo con canciones como: Tú y Yo Somos Uno Mismo, Ámame Hasta con Los Dientes, Acelerar, No Sé Si Es Amor, Máscaras, Me Estoy Volviendo Loca, Tú Me Vuelves Loco, entre otros. El Álbum vendió 4 millones de copias entre México y Sudamérica.
Ese mismo año la telenovela “Dulce desafío”, protagonizada por Adela Noriega y Eduardo Yañez, incluye varios temas del grupo en su historia.
Para noviembre de ese año Alix Bauer decide dejar el grupo para preparar su carrera como solista y tras nuevas audiciones, en febrero de 1989 su lugar es ocupado por Bibi Gaytán, quien termina al lado del resto de los miembros la gira correspondiente al álbum doble.
Luego se dio paso a un álbum de éxitos grabado con la Orquesta Sinfónica de México: “Los clásicos de Timbiriche”. Este disco homenaje tuvo de invitados a los 3 primeros ex integrantes: Benny, Sasha y Mariana, con los cuales graban una canción inédita, titulada Por Ti. La producción fue grabada al final de 1988 y sacada a la venta hasta febrero de 1989. (Por eso Bibi no estuvo en este disco). Para agosto de 1989 Eduardo Capetillo y Thalía también optan por abandonar el grupo para prepararse como solistas y sus lugares son ocupados por nuevos integrantes Claudio Bermúdez y Patty Tanús.
Para 1990 sale “Timbiriche X”, Este disco es considerado por muchos como el último álbum que conserva el estilo original de la banda que, al momento, contaba ya sólo con tres de los miembros originales: Paulina, Diego y Erick, además de Edith y Bibi, a quienes se sumaron Claudio y Patty, quien después de sólo unos meses sería sustituida por Silvia Campos en 1990. Para estas alturas, el grupo ya no estaba tan unido como antes y casi siempre en los conciertos o entrevistas faltaba algún integrante.
El disco logró buenas ventas (2 millones de álbumes vendidos) e incluyó los hits Princesa Tibetana, Me Pongo Mal, Historia de Amor, Yo No Soy Una Más y Sacúdete. Con este disco, Timbiriche recibe su primer premio 'Eres', a Mejor Grupo Pop.
Para mayo de 1991 y después del festejo de los 10 años de fundación del grupo, una integrante fundadora importante del grupo lo abandonaba para abrirse una carrera como solista, se trataba de Paulina Rubio. Un par de semanas después se despiden también del grupo Erick Rubin y Bibi Gaytán los cuales fueron invitados para protagonizar la telenovela “Alcanzar una estrella II”, y posteriormente un mes después Edith Márquez sale por problemas de salud. Claudio Bermúdez es despedido de la banda por un supuesto consumo de drogas cuando ya se tenía a los cuatro sustitutos de los anteriores.
Para finales de 1991, la banda regresa con 5 nuevos miembros: Lorena Shelley, Daniel Gaytán, Tannya Velasco, Kenya Hijuelos y Alexa Lozano y solamente Diego Schoening como el único original, además de Silvia Campos y graban “Timbiriche XI”. Kenya sale del grupo antes de la presentación oficial del disco por decisión de los creadores del grupo por conflictos entre los nuevos integrantes además de su mala actitud y es sustituida por Jean Duverger, para la presentación de los premios ERES de ese año. Son presentados oficialmente durante una emisión de Siempre en Domingo, en la cual Raúl Velasco invitó a los ex-Timbiriches a despedirse y presentar a los nuevos integrantes. Esta reunión fue única ya que tuvo casi a todos los integrantes del grupo: Benny Ibarra, Sasha Sokol, Mariana Garza, Alix Bauer Paulina Rubio, Erick Rubín, Eduardo Capetillo, Edith Márquez, Bibi Gaytán y Claudio Bermúdez, siendo los únicos ausentes Diego Schoening, Patty Tanús y Thalía, el primero enfermo de hepatitis, Patty no fue tomada en cuenta por su corta estadía en el grupo y Thalía estaba en España trabajando de conductora.
A pesar de conservar el nombre y el concepto en general, había un nuevo estilo musical que mezclaba dance y ritmos tropicales. A pesar de que “Timbiriche XI” no fue tan popular entre los fans de la primera generación, comenzó a tener atractivo para generaciones más jóvenes, gracias a los éxitos Ay Amor ... Amor, Tierra Dorada, y Piel a Piel recibiendo disco de oro y platino por las altas ventas, como era ya costumbre para el grupo, los contratos y anuncios publicitarios comenzaron de nuevo a caer, y el grupo lograría sobrevivir unos años más.
Para 1993 graban “Timbiriche XII”, disco del cual se desprendió el que se consideró como el último éxito de la agrupación: Muriendo Lento, cover de "Slowly" canción original de la ex-cantante del grupo sueco ABBA, Anni-Frid Lyngstad, entre otros sencillos lanzados con menor difusión, como Volver a comenzar y Cómplice. Este fue un buen año para Timbiriche, ya que seguían recibiendo premios y cada concierto era todo un evento para los fans. Pero a principios de 1994 Alexa decide salir de la agrupación y lo anuncia en un concierto en su natal Monterrey a los fans sin haberlo dicho antes a los mánagers y compañeros. Este fue uno de los motivos por los cuales inició la desintegración, y cuando Diego habló de que se encontraba ya muy cansado de estar en el grupo y quería prepararse como solista, se tomó la decisión de la desintegración del proyecto Timbiriche.
El disco logró buenas ventas (2 millones de álbumes vendidos) e incluyó los hits Princesa Tibetana, Me Pongo Mal, Historia de Amor, Yo No Soy Una Más y Sacúdete. Con este disco, Timbiriche recibe su primer premio 'Eres', a Mejor Grupo Pop.
Para mayo de 1991 y después del festejo de los 10 años de fundación del grupo, una integrante fundadora importante del grupo lo abandonaba para abrirse una carrera como solista, se trataba de Paulina Rubio. Un par de semanas después se despiden también del grupo Erick Rubin y Bibi Gaytán los cuales fueron invitados para protagonizar la telenovela “Alcanzar una estrella II”, y posteriormente un mes después Edith Márquez sale por problemas de salud. Claudio Bermúdez es despedido de la banda por un supuesto consumo de drogas cuando ya se tenía a los cuatro sustitutos de los anteriores.
Para finales de 1991, la banda regresa con 5 nuevos miembros: Lorena Shelley, Daniel Gaytán, Tannya Velasco, Kenya Hijuelos y Alexa Lozano y solamente Diego Schoening como el único original, además de Silvia Campos y graban “Timbiriche XI”. Kenya sale del grupo antes de la presentación oficial del disco por decisión de los creadores del grupo por conflictos entre los nuevos integrantes además de su mala actitud y es sustituida por Jean Duverger, para la presentación de los premios ERES de ese año. Son presentados oficialmente durante una emisión de Siempre en Domingo, en la cual Raúl Velasco invitó a los ex-Timbiriches a despedirse y presentar a los nuevos integrantes. Esta reunión fue única ya que tuvo casi a todos los integrantes del grupo: Benny Ibarra, Sasha Sokol, Mariana Garza, Alix Bauer Paulina Rubio, Erick Rubín, Eduardo Capetillo, Edith Márquez, Bibi Gaytán y Claudio Bermúdez, siendo los únicos ausentes Diego Schoening, Patty Tanús y Thalía, el primero enfermo de hepatitis, Patty no fue tomada en cuenta por su corta estadía en el grupo y Thalía estaba en España trabajando de conductora.
A pesar de conservar el nombre y el concepto en general, había un nuevo estilo musical que mezclaba dance y ritmos tropicales. A pesar de que “Timbiriche XI” no fue tan popular entre los fans de la primera generación, comenzó a tener atractivo para generaciones más jóvenes, gracias a los éxitos Ay Amor ... Amor, Tierra Dorada, y Piel a Piel recibiendo disco de oro y platino por las altas ventas, como era ya costumbre para el grupo, los contratos y anuncios publicitarios comenzaron de nuevo a caer, y el grupo lograría sobrevivir unos años más.
Para 1993 graban “Timbiriche XII”, disco del cual se desprendió el que se consideró como el último éxito de la agrupación: Muriendo Lento, cover de "Slowly" canción original de la ex-cantante del grupo sueco ABBA, Anni-Frid Lyngstad, entre otros sencillos lanzados con menor difusión, como Volver a comenzar y Cómplice. Este fue un buen año para Timbiriche, ya que seguían recibiendo premios y cada concierto era todo un evento para los fans. Pero a principios de 1994 Alexa decide salir de la agrupación y lo anuncia en un concierto en su natal Monterrey a los fans sin haberlo dicho antes a los mánagers y compañeros. Este fue uno de los motivos por los cuales inició la desintegración, y cuando Diego habló de que se encontraba ya muy cansado de estar en el grupo y quería prepararse como solista, se tomó la decisión de la desintegración del proyecto Timbiriche.
En 1998, se reencuentran los integrantes originales de Timbiriche en el festival Acapulco 98. Tras el éxito de este reencuentro se reedita el disco Clásicos con el nombre de "Timbiriche Symphonic" que generó gran revuelo entre los seguidores, los que pedían una gira nacional.
Dicho proyecto cristalizó a finales de noviembre de 1998 en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México e incluyó a los siete integrantes originales y para 1999, la gira se desarrolló por todo México y parte de Latinoamérica. El reencuentro estableció en el Auditorio Nacional, de la Ciudad de México, un récord de audiencia con más de 20 conciertos consecutivos, siendo el grupo más visto en dicho recinto. El tour concluiría de vuelta en el DF con dos llenos totales en el Foro Sol.
De dicha gira se desprendió un disco doble titulado “El Concierto”, que fue grabado en vivo en el Auditorio Nacional el día 20 de diciembre de 1998, además, en dicho álbum se incluyeron tres temas nuevos: Esta Despierto, Suma Cósmica y La Fuerza del Amor.
Seis de los siete miembros originales se vuelven a reunir en el 2007 para festejar el 25 aniversario de la banda (30 de abril de 2007). El festejo se lleva a cabo por medio de una gira de conciertos y tres discos: uno antes de los conciertos, titulado “Timbiriche 25”, con versiones nuevas de 12 temas que los hicieron famosos, un disco en vivo con algunas canciones del concierto, titulado “Somos Timbiriche 25” y finalmente el disco “Vivo en vivo” (cd doble + DVD) con la versión íntegra del concierto. En la alineación se encuentran Benny, Sasha, Mariana, Alix, Diego y Erick.
El último álbum del grupo “Vivo en vivo” incluye tres temas inéditos: Vuelvo a Comenzar (primer sencillo adaptado al español de la canción original de María Arredondo "Brief and Beautiful", y que también fue grabado por la cantante española Edurne con el título "Fue para los dos"), Atado a Ti y Domar el Aire. Estos temas son un regalo y agradecimiento para los fans que ayudaron hacer este 25 aniversario de Timbiriche un gran éxito.
Timbiriche rompió su record en el Auditorio Nacional con más de 20 presentaciones consecutivas con llenos masivos y más de 30 en toda la República Mexicana. Contaba con una escenografía espectacular y renovada, con pantallas gigantes y demás luces.
El lunes 5 de mayo de 2008 Timbiriche cerró su celebración de sus 25 años en la arena Foro Sol en México, 5 meses más de lo planeado, el concierto duró más de 2 horas y el grupo cantó casi 30 canciones para los fans.
En mayo de 2008, Timbiriche anunció el fin de su gira de 25 años y un magno cierre en la capital mexicana. A pesar de que se pretendía cerrar la gira con un concierto gratuito en el Zócalo de la Ciudad de México, por cuestiones de logística el grupo finalmente anuncio que el último concierto sería el lunes, 5 de mayo de 2008 en el Foro Sol capitalino, además de una participación especial el día 17 de mayo en el concierto de la Fundación Alas de ayuda a la niñez en el Zócalo capitalino, al lado de cantantes como Miguel Bosé, Ricky Martin, Ana Torroja, Lucero, Los Tigres del Norte, Diego Torres, Juan Luis Guerra, Adolfo Men, Maná, Chayanne, David Bisbal, Aleks Syntek, Ricardo Montaner, Emmanuel, Babasónicos y Tania Libertad, mientras que en Argentina se presentaron simultáneamente Alejandro Sanz, Calle 13, Fito Páez, Gustavo Cerati, Jorge Drexler, La Portuaria, Lu, Pedro Aznar, Niños Pop, Paulina Rubio y Shakira. Por problemas de traslado Juanes no pudo presentarse en México, ni Alejandro Fernández en Argentina.
Además el director de cine Carlos Marcovich quien acompañó al grupo por gran parte de la gira, anunció la realización de un largometraje documental sobre Timbiriche, el cual fue llamado “La Misma Piedra” y se estrenó el viernes 21 de noviembre del 2008 en todas las salas cinematográficas. Finalmente, y también para mediados de 2008, Alix Bauer anunció el lanzamiento de la biografía oficial del grupo.
A principios del 2010 el productor Alejandro Gou obtuvo los derechos de Televisa para su realización oficial. Oficialmente "Timbiriche el musical" se estrenaría a finales de abril de 2010 en el Teatro Aldama. Los roles estelares fueron para Alan Estrada y Natalia Sosa. La obra incluye 50 temas de la banda; se realizó una producción enorme con talento mexicano y del extranjero no sólo para la presentación en México sino también se pensó llevarlo a España. La historia aborda el tema de la crisis humana cuando se tienen 30 años de edad, con perspectivas de 7 jóvenes que no tiene nada que ver con la vida de los integrantes originales de la banda.
Erik Rubin y Diego Shoening participaron como invitados especiales. Diego como Roberto y Erik sólo como invitado interpretando sus canciones más representativas. Alan Estrada dio vida a "Roberto", personaje central del musical y Natalia Sosa a "Mónica" rol femenino del musical además de Alejandro de la Madrid, Erika Thais, Ana Brenda, Federico Di Lorenzo, Sergio Catalán, Maru Barrios, Enrique Madrid, Paola Mingüer, Karol Sevilla, y en coros: Vince Miranda (ex academia), Eva Padrón, Tana Planter, Dulce Patiño, Luis Villareal y Anabel Dueñas. producido por Alejandro Gou. Se habló de que Thalía y Paulina Rubio estarían presentes en el estreno de Timbiriche El Musical cuando se estrenó el montaje en el Teatro Aldama de la capital del país. Sin embargo esto no sucedió, incluso se habló de que existía la posibilidad que alguna de ellas se integrara a la puesta. Tras ocho meses en cartelera, tanto en el Distrito Federal como en el interior de la República, Timbiriche El Musical da por terminada su temporada con dos funciones en el Teatro Diana y eligió a la capital de Jalisco para despedirse de manera definitiva. Luego de poco más de 200 representaciones ponen un punto final las funciones de la producción de Alejandro Gou, y aunque se dicen satisfechos por lo conseguido, admiten que mantener un musical de gran formato es muy complicado en México, pues la ola de violencia e inseguridad que vive el país ha terminado por reflejarse en las taquillas de los espectáculos.
Dicho proyecto cristalizó a finales de noviembre de 1998 en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México e incluyó a los siete integrantes originales y para 1999, la gira se desarrolló por todo México y parte de Latinoamérica. El reencuentro estableció en el Auditorio Nacional, de la Ciudad de México, un récord de audiencia con más de 20 conciertos consecutivos, siendo el grupo más visto en dicho recinto. El tour concluiría de vuelta en el DF con dos llenos totales en el Foro Sol.
De dicha gira se desprendió un disco doble titulado “El Concierto”, que fue grabado en vivo en el Auditorio Nacional el día 20 de diciembre de 1998, además, en dicho álbum se incluyeron tres temas nuevos: Esta Despierto, Suma Cósmica y La Fuerza del Amor.
Seis de los siete miembros originales se vuelven a reunir en el 2007 para festejar el 25 aniversario de la banda (30 de abril de 2007). El festejo se lleva a cabo por medio de una gira de conciertos y tres discos: uno antes de los conciertos, titulado “Timbiriche 25”, con versiones nuevas de 12 temas que los hicieron famosos, un disco en vivo con algunas canciones del concierto, titulado “Somos Timbiriche 25” y finalmente el disco “Vivo en vivo” (cd doble + DVD) con la versión íntegra del concierto. En la alineación se encuentran Benny, Sasha, Mariana, Alix, Diego y Erick.
El último álbum del grupo “Vivo en vivo” incluye tres temas inéditos: Vuelvo a Comenzar (primer sencillo adaptado al español de la canción original de María Arredondo "Brief and Beautiful", y que también fue grabado por la cantante española Edurne con el título "Fue para los dos"), Atado a Ti y Domar el Aire. Estos temas son un regalo y agradecimiento para los fans que ayudaron hacer este 25 aniversario de Timbiriche un gran éxito.
Timbiriche rompió su record en el Auditorio Nacional con más de 20 presentaciones consecutivas con llenos masivos y más de 30 en toda la República Mexicana. Contaba con una escenografía espectacular y renovada, con pantallas gigantes y demás luces.
El lunes 5 de mayo de 2008 Timbiriche cerró su celebración de sus 25 años en la arena Foro Sol en México, 5 meses más de lo planeado, el concierto duró más de 2 horas y el grupo cantó casi 30 canciones para los fans.
En mayo de 2008, Timbiriche anunció el fin de su gira de 25 años y un magno cierre en la capital mexicana. A pesar de que se pretendía cerrar la gira con un concierto gratuito en el Zócalo de la Ciudad de México, por cuestiones de logística el grupo finalmente anuncio que el último concierto sería el lunes, 5 de mayo de 2008 en el Foro Sol capitalino, además de una participación especial el día 17 de mayo en el concierto de la Fundación Alas de ayuda a la niñez en el Zócalo capitalino, al lado de cantantes como Miguel Bosé, Ricky Martin, Ana Torroja, Lucero, Los Tigres del Norte, Diego Torres, Juan Luis Guerra, Adolfo Men, Maná, Chayanne, David Bisbal, Aleks Syntek, Ricardo Montaner, Emmanuel, Babasónicos y Tania Libertad, mientras que en Argentina se presentaron simultáneamente Alejandro Sanz, Calle 13, Fito Páez, Gustavo Cerati, Jorge Drexler, La Portuaria, Lu, Pedro Aznar, Niños Pop, Paulina Rubio y Shakira. Por problemas de traslado Juanes no pudo presentarse en México, ni Alejandro Fernández en Argentina.
Además el director de cine Carlos Marcovich quien acompañó al grupo por gran parte de la gira, anunció la realización de un largometraje documental sobre Timbiriche, el cual fue llamado “La Misma Piedra” y se estrenó el viernes 21 de noviembre del 2008 en todas las salas cinematográficas. Finalmente, y también para mediados de 2008, Alix Bauer anunció el lanzamiento de la biografía oficial del grupo.
A principios del 2010 el productor Alejandro Gou obtuvo los derechos de Televisa para su realización oficial. Oficialmente "Timbiriche el musical" se estrenaría a finales de abril de 2010 en el Teatro Aldama. Los roles estelares fueron para Alan Estrada y Natalia Sosa. La obra incluye 50 temas de la banda; se realizó una producción enorme con talento mexicano y del extranjero no sólo para la presentación en México sino también se pensó llevarlo a España. La historia aborda el tema de la crisis humana cuando se tienen 30 años de edad, con perspectivas de 7 jóvenes que no tiene nada que ver con la vida de los integrantes originales de la banda.
Erik Rubin y Diego Shoening participaron como invitados especiales. Diego como Roberto y Erik sólo como invitado interpretando sus canciones más representativas. Alan Estrada dio vida a "Roberto", personaje central del musical y Natalia Sosa a "Mónica" rol femenino del musical además de Alejandro de la Madrid, Erika Thais, Ana Brenda, Federico Di Lorenzo, Sergio Catalán, Maru Barrios, Enrique Madrid, Paola Mingüer, Karol Sevilla, y en coros: Vince Miranda (ex academia), Eva Padrón, Tana Planter, Dulce Patiño, Luis Villareal y Anabel Dueñas. producido por Alejandro Gou. Se habló de que Thalía y Paulina Rubio estarían presentes en el estreno de Timbiriche El Musical cuando se estrenó el montaje en el Teatro Aldama de la capital del país. Sin embargo esto no sucedió, incluso se habló de que existía la posibilidad que alguna de ellas se integrara a la puesta. Tras ocho meses en cartelera, tanto en el Distrito Federal como en el interior de la República, Timbiriche El Musical da por terminada su temporada con dos funciones en el Teatro Diana y eligió a la capital de Jalisco para despedirse de manera definitiva. Luego de poco más de 200 representaciones ponen un punto final las funciones de la producción de Alejandro Gou, y aunque se dicen satisfechos por lo conseguido, admiten que mantener un musical de gran formato es muy complicado en México, pues la ola de violencia e inseguridad que vive el país ha terminado por reflejarse en las taquillas de los espectáculos.
Su discografía completa es: Timbiriche, 1982; La Banda Timbiriche, 1982; La Banda Timbiriche: En Concierto, 1983; Timbiriche Disco Ruido, 1984; Timbiriche Vaselina, 1984; Timbiriche Rock Show, 1985; Timbiriche 7, 1987; Timbiriche VIII y IX, 1988; Timbiriche 10, 1990; Timbiriche Clásico, 1990; Timbiriche 11, 1992; Timbiriche XII, 1993; Timbiriche: El Concierto, 1999; Timbiriche 25, 2007.
Sus integrantes, durante todas las etapas del grupo fueron: Benny Ibarra (1982-1985), Sasha Sokol (1982-1986), Mariana Garza (1982-1987), Alix Bauer (1982-1988), Paulina Rubio (1982-1991), Diego Schoening (1982-1994), Erick Rubin (1983-1991), Eduardo Capetillo (1985-1989) Sustituto de Benny, Thalía (1986-1989) Sustituta de Sasha, Edith Márquez (1987-1991) Sustituta de Mariana, Bibi Gaytán , (1989-1991) Sustituta de Alix, Claudio Bermúdez (1989-1991) Sustituto de Eduardo, Patty Tanús (1989-1990) Sustituta de Thalía, Silvia Campos (1990-1994) Sustituta de Patty, Lorena Shelley (1991-1994) Sustituta de Paulina, Daniel Gaytán (1991-1994) Sustituto de Erick,
Tannya Velasco (1991-1994) Sustituta de Bibi, Alexa Lozano (1991-1994) Sustituta de Claudio, Jean Duverger (1992-1994) Sustituto de Kenya, (Kenya, solo grabo el disco 11 pero su salida se dio al finalizar la grabación del mismo; por su mal comportamiento).
Miembros No Oficiales: Marigel Gutierrez (1982-1983) Chica sustituta por si algún miembro enfermaba o era castigado por bajas calificaciones, Martha Laura (1982-1983) Chica sustituta por si algún miembro enfermaba o era castigado por bajas calificaciones, Alejandro Ibarra (1984-1985) Jamás perteneció al grupo pues Julissa, su madre no se lo permitió, sin embargo se le recuerda por ser la voz de uno de los éxitos más recordados del álbum Timbiriche Vaselina con el tema Amor Primero, Lucero Jazmin (1989) Chica sustituta de Thalia; se mencionó mucho su nombre en los medios pero jamás grabó nada pues no se le consideró para algún evento por parte del staff, no por falta de voluntad de la chica, era parte del elenco de la serie Papa Soltero y amiga de Edith Marquez, Kenya Hijuelos (1991-1992) Sustituta de Edith (ella solamente grabó el disco 11 pero su salida se dio al finalizar la grabación del mismo; por su mal comportamiento).
Retro, nostalgia o gusto por la moda de antaño, como gusten llamarlo, lo cierto es que cuando lo bueno perdura, puede cruzar la barrera del tiempo sin ningún problema.
Sus integrantes, durante todas las etapas del grupo fueron: Benny Ibarra (1982-1985), Sasha Sokol (1982-1986), Mariana Garza (1982-1987), Alix Bauer (1982-1988), Paulina Rubio (1982-1991), Diego Schoening (1982-1994), Erick Rubin (1983-1991), Eduardo Capetillo (1985-1989) Sustituto de Benny, Thalía (1986-1989) Sustituta de Sasha, Edith Márquez (1987-1991) Sustituta de Mariana, Bibi Gaytán , (1989-1991) Sustituta de Alix, Claudio Bermúdez (1989-1991) Sustituto de Eduardo, Patty Tanús (1989-1990) Sustituta de Thalía, Silvia Campos (1990-1994) Sustituta de Patty, Lorena Shelley (1991-1994) Sustituta de Paulina, Daniel Gaytán (1991-1994) Sustituto de Erick,
Tannya Velasco (1991-1994) Sustituta de Bibi, Alexa Lozano (1991-1994) Sustituta de Claudio, Jean Duverger (1992-1994) Sustituto de Kenya, (Kenya, solo grabo el disco 11 pero su salida se dio al finalizar la grabación del mismo; por su mal comportamiento).
Miembros No Oficiales: Marigel Gutierrez (1982-1983) Chica sustituta por si algún miembro enfermaba o era castigado por bajas calificaciones, Martha Laura (1982-1983) Chica sustituta por si algún miembro enfermaba o era castigado por bajas calificaciones, Alejandro Ibarra (1984-1985) Jamás perteneció al grupo pues Julissa, su madre no se lo permitió, sin embargo se le recuerda por ser la voz de uno de los éxitos más recordados del álbum Timbiriche Vaselina con el tema Amor Primero, Lucero Jazmin (1989) Chica sustituta de Thalia; se mencionó mucho su nombre en los medios pero jamás grabó nada pues no se le consideró para algún evento por parte del staff, no por falta de voluntad de la chica, era parte del elenco de la serie Papa Soltero y amiga de Edith Marquez, Kenya Hijuelos (1991-1992) Sustituta de Edith (ella solamente grabó el disco 11 pero su salida se dio al finalizar la grabación del mismo; por su mal comportamiento).
Retro, nostalgia o gusto por la moda de antaño, como gusten llamarlo, lo cierto es que cuando lo bueno perdura, puede cruzar la barrera del tiempo sin ningún problema.
«El Fantasma de la Ópera»... Sin Palabras
Sin duda alguna el teatro es una de las manifestaciones artísticas y culturales más bellas que existen. Es un mundo en donde en pequeños o fastuosos escenarios se nos transporta a todo tipo de mundos y situaciones. No importa la historia, el escenario teatral tiene magia y es un hermoso encantamiento el ser llevados de la mano para conocer bellas historias, y si ese encanto esta complementado por la música el hechizo esta completo.
Muy particularmente comparto mi gusto por una de las obras musicales más bellas que se han llevado a los escenarios a nivel mundial, “El fantasma de la ópera”, adaptado por el genio de Andrew Lloyd Webber y con la colaboración de Alan Jay Lerner y Richard Stilgoe.
El fantasma de la ópera (Le Fantôme de l'Opéra) es una novela gótica de Gastón Leroux, publicada en abril de 1910 (tras aparecer serializada en Le Gaulois de septiembre de 1909 hasta enero de 1910). Ha sido adaptada numerosas veces al teatro y al cine.
La obra está inspirada en hechos reales y en la novela Trilby de George du Maurier, y combina elementos de romance, terror, drama, misterio y tragedia. La historia trata de un ser misterioso que aterroriza la Ópera de París para atraer la atención de una joven vocalista a la que ama.
La novela está ambientada en el París del siglo XIX, en la Ópera Garnier, un edificio lujoso y monumental construido sobre un lago subterráneo entre 1857 y 1874. Los empleados afirman que la ópera está encantada por un fantasma misterioso que provoca muchos accidentes. El fantasma de la ópera chantajea a los dos gerentes de la ópera para que le paguen 20 000 francos al mes y le reserven una cabina privada para los conciertos, ya que él compone todas las óperas que se presentan ahí o hace arreglos musicales.
Mientras, la joven diva Christine Daaé (aparentemente inspirada en la diva sueca Christina Nilsson) que cree estar guiada por un Ángel de Música supuestamente enviado por su padre, llega a un éxito repentino en el escenario en cuanto reemplaza a la hasta entonces prima donna Carlotta, que tuvo que ser sustituida dos veces porque cayó en una extraña enfermedad.
En esta versión de la historia, Carlotta es reemplazada debido a que Erik, el fantasma, deja caer un telón de gran tamaño sobre Carlotta y hace que abandone la presentación de esa noche. Christine gana los corazones del público, incluyendo el de su amor de infancia, el vizconde Raoul de Chagny.
El fantasma se siente celoso de la relación de Christine con Raoul, y la invita a visitarle en su mundo debajo del edificio. Ella acepta, y abajo en las catacumbas descubre que su ángel es en realidad un genio musical deforme que lleva una máscara para ocultar su cara aberrante. Ella grita de terror al contemplar su rostro verdadero, y el fantasma la encierra en su hogar, aceptando liberarla sólo cuando ella prometa que volverá a visitarlo por su propia voluntad.
Christine está dividida entre el amor del joven y encantador vizconde Raoul, y su fascinación con la misteriosamente hermosa música del fantasma. Cuando ella se da cuenta de que su ángel es el mismo fantasma de la ópera responsable de accidentes y asesinatos, ella y Raoul deciden casarse en secreto y escapar de París, fuera del alcance del fantasma.
El fantasma descubre su plan, y durante la interpretación de Christine como Marguerite en la ópera Fausto de Charles Gounod, deja la ópera a oscuras y la secuestra en pleno escenario. Abajo, en el hogar del fantasma, tiene lugar la última confrontación, entre el fantasma, Christine y Raoul. Allí Christine decidirá que hacer; si salvar a Raoul dándole un beso al fantasma de la ópera o no darle el beso y que Raoul muera ahogado.
Muy particularmente comparto mi gusto por una de las obras musicales más bellas que se han llevado a los escenarios a nivel mundial, “El fantasma de la ópera”, adaptado por el genio de Andrew Lloyd Webber y con la colaboración de Alan Jay Lerner y Richard Stilgoe.
El fantasma de la ópera (Le Fantôme de l'Opéra) es una novela gótica de Gastón Leroux, publicada en abril de 1910 (tras aparecer serializada en Le Gaulois de septiembre de 1909 hasta enero de 1910). Ha sido adaptada numerosas veces al teatro y al cine.
La obra está inspirada en hechos reales y en la novela Trilby de George du Maurier, y combina elementos de romance, terror, drama, misterio y tragedia. La historia trata de un ser misterioso que aterroriza la Ópera de París para atraer la atención de una joven vocalista a la que ama.
La novela está ambientada en el París del siglo XIX, en la Ópera Garnier, un edificio lujoso y monumental construido sobre un lago subterráneo entre 1857 y 1874. Los empleados afirman que la ópera está encantada por un fantasma misterioso que provoca muchos accidentes. El fantasma de la ópera chantajea a los dos gerentes de la ópera para que le paguen 20 000 francos al mes y le reserven una cabina privada para los conciertos, ya que él compone todas las óperas que se presentan ahí o hace arreglos musicales.
Mientras, la joven diva Christine Daaé (aparentemente inspirada en la diva sueca Christina Nilsson) que cree estar guiada por un Ángel de Música supuestamente enviado por su padre, llega a un éxito repentino en el escenario en cuanto reemplaza a la hasta entonces prima donna Carlotta, que tuvo que ser sustituida dos veces porque cayó en una extraña enfermedad.
En esta versión de la historia, Carlotta es reemplazada debido a que Erik, el fantasma, deja caer un telón de gran tamaño sobre Carlotta y hace que abandone la presentación de esa noche. Christine gana los corazones del público, incluyendo el de su amor de infancia, el vizconde Raoul de Chagny.
El fantasma se siente celoso de la relación de Christine con Raoul, y la invita a visitarle en su mundo debajo del edificio. Ella acepta, y abajo en las catacumbas descubre que su ángel es en realidad un genio musical deforme que lleva una máscara para ocultar su cara aberrante. Ella grita de terror al contemplar su rostro verdadero, y el fantasma la encierra en su hogar, aceptando liberarla sólo cuando ella prometa que volverá a visitarlo por su propia voluntad.
Christine está dividida entre el amor del joven y encantador vizconde Raoul, y su fascinación con la misteriosamente hermosa música del fantasma. Cuando ella se da cuenta de que su ángel es el mismo fantasma de la ópera responsable de accidentes y asesinatos, ella y Raoul deciden casarse en secreto y escapar de París, fuera del alcance del fantasma.
El fantasma descubre su plan, y durante la interpretación de Christine como Marguerite en la ópera Fausto de Charles Gounod, deja la ópera a oscuras y la secuestra en pleno escenario. Abajo, en el hogar del fantasma, tiene lugar la última confrontación, entre el fantasma, Christine y Raoul. Allí Christine decidirá que hacer; si salvar a Raoul dándole un beso al fantasma de la ópera o no darle el beso y que Raoul muera ahogado.
El fantasma nació como el hijo de un maestro de la albañilería, en una pequeña ciudad no muy lejos de Ruan bajo el nombre de Erik. Escapó muy pronto de la casa de su padre, donde su cara deformada era objeto de horror y terror para sus progenitores. Durante un tiempo, frecuentó las ferias, dónde un dueño de un espectáculo de exposición de monstruos lo anunciaba como el cadáver humano. Viajó alrededor de Europa y Asia con los gitanos. Allí consiguió pericia acrobática y musical para convertirse en un genio alejado de la norma. También se convirtió en un experto ventrílocuo.
Eventualmente, terminó como asesino de la corte e ingeniero personal del sah de Persia y construyó para él sofisticadas trampas y dispositivos de tortura (como el lazo de Punjab). Después de algún tiempo, Erik construyó para el sah un magnífico palacio el cual fue provisto de las maravillas que el fantasma desarrolló. fue entonces cuando el sah, al notar la magnificencia de Erik y su edificio, decidió que él sería el único en poseer un palacio de esa categoría y tuvo miedo de que Erik pudiera construir otro para más personas. Así pues, decidió dar muerte a Erik. Este se las arregló para escapar y retornar a Francia.
Erik usó sus habilidades arquitectónicas y consiguió un trabajo como uno de los arquitectos que construirán la Ópera Garnier de París. Bajo el edificio, un lago artificial había sido creado durante la construcción usando ocho bombas hidráulicas, porque existían problemas ya que el nivel del agua subterránea seguía subiendo. Sin que nadie se diese cuenta, Erik construyó un laberinto de túneles y pasillos en los niveles más bajos. Más allá del lago subterráneo construyó un hogar para sí mismo, dónde podría vivir protegido del resto de la gente.
Aun siendo un brillante inventor e ingeniero, Erik también era un genio musical, y empezó a visitar la Casa de la Ópera para escuchar óperas e interferir con el supuesto mal gusto del gerente. Al no poder enseñar su cara en público, se caracterizó como un fantasma y usó la violencia para chantajear a los gerentes de la ópera y atarlos a su voluntad. Explotó las supersticiones de los empleados y su conocimiento de los pasajes secretos del edificio, lo que le permitía llegar a cualquier parte de la ópera sin que nadie se diese cuenta. Aterrorizaba a aquellos que se negaban a atender sus peticiones y hasta mató gente a modo de aviso. De cualquier manera, trataba bien a los que se comportaban de forma leal y obedecían sus órdenes (caso de Madame Giry).
La historia de la novela comienza cuando una joven muchacha corista llamada Christine Daaé se une al coro de la ópera y Erik, el fantasma, se enamora de ella.
Eventualmente, terminó como asesino de la corte e ingeniero personal del sah de Persia y construyó para él sofisticadas trampas y dispositivos de tortura (como el lazo de Punjab). Después de algún tiempo, Erik construyó para el sah un magnífico palacio el cual fue provisto de las maravillas que el fantasma desarrolló. fue entonces cuando el sah, al notar la magnificencia de Erik y su edificio, decidió que él sería el único en poseer un palacio de esa categoría y tuvo miedo de que Erik pudiera construir otro para más personas. Así pues, decidió dar muerte a Erik. Este se las arregló para escapar y retornar a Francia.
Erik usó sus habilidades arquitectónicas y consiguió un trabajo como uno de los arquitectos que construirán la Ópera Garnier de París. Bajo el edificio, un lago artificial había sido creado durante la construcción usando ocho bombas hidráulicas, porque existían problemas ya que el nivel del agua subterránea seguía subiendo. Sin que nadie se diese cuenta, Erik construyó un laberinto de túneles y pasillos en los niveles más bajos. Más allá del lago subterráneo construyó un hogar para sí mismo, dónde podría vivir protegido del resto de la gente.
Aun siendo un brillante inventor e ingeniero, Erik también era un genio musical, y empezó a visitar la Casa de la Ópera para escuchar óperas e interferir con el supuesto mal gusto del gerente. Al no poder enseñar su cara en público, se caracterizó como un fantasma y usó la violencia para chantajear a los gerentes de la ópera y atarlos a su voluntad. Explotó las supersticiones de los empleados y su conocimiento de los pasajes secretos del edificio, lo que le permitía llegar a cualquier parte de la ópera sin que nadie se diese cuenta. Aterrorizaba a aquellos que se negaban a atender sus peticiones y hasta mató gente a modo de aviso. De cualquier manera, trataba bien a los que se comportaban de forma leal y obedecían sus órdenes (caso de Madame Giry).
La historia de la novela comienza cuando una joven muchacha corista llamada Christine Daaé se une al coro de la ópera y Erik, el fantasma, se enamora de ella.
El fantasma de la ópera es un musical con música de Andrew Lloyd Webber, letras de Charles Hart y Richard Stilgoe, y libreto de los propios Andrew Lloyd Webber y Richard Stilgoe. Está basado en la novela francesa Le Fantôme de l'Opéra de Gastón Leroux y, al igual que en ésta, su trama central se desarrolla en torno a Christine Daaé, una hermosa soprano de la Ópera de París que se convierte en la obsesión de un misterioso compositor desfigurado.
Dirigido por Harold Prince y coreografiado por Gillian Lynne, el espectáculo debutó en 1986 en el West End y dos años después llegó a Broadway, obteniendo numerosos galardones entre los que se incluyen los premios Olivier y Tony al mejor musical y al mejor actor (Michael Crawford). En la actualidad ocupa el primer puesto de la lista de espectáculos de mayor permanencia en cartel en la historia de Broadway y el tercero en la del West End, por detrás de “Los miserables”.
Con más de 130 millones de espectadores acumulados y unos ingresos globales que superan los 6.000 millones dólares, “El fantasma de la ópera” es la segunda producción teatral con mayor recaudación de todos los tiempos, solo por detrás de “El rey león”.
En 1984 Andrew Lloyd Webber se puso en contacto con Cameron Mackintosh, coproductor de “Cats” y “Song and Dance”, para proponerle un nuevo musical. El compositor británico tenía en mente escribir una pieza romántica así que le sugirió adaptar la novela Le Fantôme de l'Opéra de Gastón Leroux. Juntos revisaron las versiones cinematográficas protagonizadas por Lon Chaney en 1925 y Claude Rains en 1943, pero a ninguno de los dos se le ocurrió una forma efectiva de dar el salto de la pantalla al escenario. Posteriormente, Lloyd Webber adquirió en Nueva York una copia de segunda mano de la novela de Leroux, que llevaba mucho tiempo descatalogada, y ahí es donde por fin halló la inspiración necesaria para desarrollar el musical:
En un principio Lloyd Webber tanteó a Jim Steinman para que escribiese las letras debido a su obsesión con la oscuridad, pero Steinman lo rechazó para poder finalizar sus compromisos con un disco de Bonnie Tyler. El siguiente letrista en entrar en el proyecto fue Alan Jay Lerner, pero también tuvo que renunciar al caer gravemente enfermo. Ninguna de las aportaciones de Jay Lerner (presentes sobre todo en la canción "Masquerade") están acreditadas. Su sustituto fue Richard Stilgoe, quien ya había colaborado con Lloyd Webber en Starlight Express, pero más tarde, Charles Hart, un joven y entonces relativamente desconocido letrista, reescribió la mayoría del material, además de crear letras originales para "Think of Me". Aun así, parte del trabajo de Stilgoe se mantiene en la versión definitiva del musical.
Insípida en parte por una versión musical anterior de Ken Hill, la partitura de Lloyd Webber tiene a veces un estilo cercano a la ópera, pero siempre manteniendo la forma y la estructura de un musical. Los pasajes operísticos están reservados principalmente para personajes secundarios como André, Firmin, Carlotta o Piangi, y también se utilizan para recrear las óperas ficticias que se representan dentro del espectáculo (Hannibal, Il muto y la obra maestra del Fantasma Don Juan Triumphant). Estos fragmentos fueron compuestos por Lloyd Webber al estilo de los grandes títulos de Meyerbeer, Mozart e incluso Gilbert y Sullivan, y se presentan como números musicales interrumpidos por diálogos dejando claro el formato de "representación dentro de una representación". Los extractos musicales de la ópera Don Juan Triumphant que se escenifica al final del segundo acto suenan modernos para la época, sugiriendo que el Fantasma era un compositor adelantado a su tiempo.
Maria Björnson diseñó la escenografía y los más de 200 trajes, incluyendo los elaborados vestidos del número musical "Masquerade". Sus decorados, que contienen elementos tan icónicos como la lámpara de araña, la góndola subterránea o la gran escalinata, ganaron multitud de premios y reconocimientos. Harold Prince, director de Cabaret, Candide, Follies, y Evita (también de Lloyd Webber), fue contratado para dirigir el espectáculo, mientras que Gillian Lynne, coreógrafa y directora asociada de Cats, se hizo cargo de la coreografía.
En 1985 un anticipo del primer acto se representó en Sydmonton, en la casa del propio Lloyd Webber. Los protagonistas fueron Colm Wilkinson como Fantasma (quien posteriormente originaría ese mismo personaje en la producción de Toronto), Sarah Brightman como Kristin (Christine) and Clive Carter como Raoul (quien posteriormente formaría parte del elenco que estrenó el musical en Londres). En esta versión preliminar se utilizaron las letras originales de Richard Stilgoe y muchas de las canciones tenían títulos que después fueron modificados, como es el caso de "What Has Time Done to Me" ("Think of Me") o "Papers" ("Notes"). La máscara del Fantasma cubría la cara entera y el personaje la llevaba durante toda la obra, limitando la visión del actor y tapando su voz. Por este motivo Björnson diseñó la famosa media mascara y se añadió la escena del Fantasma con la cara descubierta. Algunos vídeos de este primer anticipo se incluyeron en la edición en DVD de la adaptación cinematográfica de 2004.
Dirigido por Harold Prince y coreografiado por Gillian Lynne, el espectáculo debutó en 1986 en el West End y dos años después llegó a Broadway, obteniendo numerosos galardones entre los que se incluyen los premios Olivier y Tony al mejor musical y al mejor actor (Michael Crawford). En la actualidad ocupa el primer puesto de la lista de espectáculos de mayor permanencia en cartel en la historia de Broadway y el tercero en la del West End, por detrás de “Los miserables”.
Con más de 130 millones de espectadores acumulados y unos ingresos globales que superan los 6.000 millones dólares, “El fantasma de la ópera” es la segunda producción teatral con mayor recaudación de todos los tiempos, solo por detrás de “El rey león”.
En 1984 Andrew Lloyd Webber se puso en contacto con Cameron Mackintosh, coproductor de “Cats” y “Song and Dance”, para proponerle un nuevo musical. El compositor británico tenía en mente escribir una pieza romántica así que le sugirió adaptar la novela Le Fantôme de l'Opéra de Gastón Leroux. Juntos revisaron las versiones cinematográficas protagonizadas por Lon Chaney en 1925 y Claude Rains en 1943, pero a ninguno de los dos se le ocurrió una forma efectiva de dar el salto de la pantalla al escenario. Posteriormente, Lloyd Webber adquirió en Nueva York una copia de segunda mano de la novela de Leroux, que llevaba mucho tiempo descatalogada, y ahí es donde por fin halló la inspiración necesaria para desarrollar el musical:
En un principio Lloyd Webber tanteó a Jim Steinman para que escribiese las letras debido a su obsesión con la oscuridad, pero Steinman lo rechazó para poder finalizar sus compromisos con un disco de Bonnie Tyler. El siguiente letrista en entrar en el proyecto fue Alan Jay Lerner, pero también tuvo que renunciar al caer gravemente enfermo. Ninguna de las aportaciones de Jay Lerner (presentes sobre todo en la canción "Masquerade") están acreditadas. Su sustituto fue Richard Stilgoe, quien ya había colaborado con Lloyd Webber en Starlight Express, pero más tarde, Charles Hart, un joven y entonces relativamente desconocido letrista, reescribió la mayoría del material, además de crear letras originales para "Think of Me". Aun así, parte del trabajo de Stilgoe se mantiene en la versión definitiva del musical.
Insípida en parte por una versión musical anterior de Ken Hill, la partitura de Lloyd Webber tiene a veces un estilo cercano a la ópera, pero siempre manteniendo la forma y la estructura de un musical. Los pasajes operísticos están reservados principalmente para personajes secundarios como André, Firmin, Carlotta o Piangi, y también se utilizan para recrear las óperas ficticias que se representan dentro del espectáculo (Hannibal, Il muto y la obra maestra del Fantasma Don Juan Triumphant). Estos fragmentos fueron compuestos por Lloyd Webber al estilo de los grandes títulos de Meyerbeer, Mozart e incluso Gilbert y Sullivan, y se presentan como números musicales interrumpidos por diálogos dejando claro el formato de "representación dentro de una representación". Los extractos musicales de la ópera Don Juan Triumphant que se escenifica al final del segundo acto suenan modernos para la época, sugiriendo que el Fantasma era un compositor adelantado a su tiempo.
Maria Björnson diseñó la escenografía y los más de 200 trajes, incluyendo los elaborados vestidos del número musical "Masquerade". Sus decorados, que contienen elementos tan icónicos como la lámpara de araña, la góndola subterránea o la gran escalinata, ganaron multitud de premios y reconocimientos. Harold Prince, director de Cabaret, Candide, Follies, y Evita (también de Lloyd Webber), fue contratado para dirigir el espectáculo, mientras que Gillian Lynne, coreógrafa y directora asociada de Cats, se hizo cargo de la coreografía.
En 1985 un anticipo del primer acto se representó en Sydmonton, en la casa del propio Lloyd Webber. Los protagonistas fueron Colm Wilkinson como Fantasma (quien posteriormente originaría ese mismo personaje en la producción de Toronto), Sarah Brightman como Kristin (Christine) and Clive Carter como Raoul (quien posteriormente formaría parte del elenco que estrenó el musical en Londres). En esta versión preliminar se utilizaron las letras originales de Richard Stilgoe y muchas de las canciones tenían títulos que después fueron modificados, como es el caso de "What Has Time Done to Me" ("Think of Me") o "Papers" ("Notes"). La máscara del Fantasma cubría la cara entera y el personaje la llevaba durante toda la obra, limitando la visión del actor y tapando su voz. Por este motivo Björnson diseñó la famosa media mascara y se añadió la escena del Fantasma con la cara descubierta. Algunos vídeos de este primer anticipo se incluyeron en la edición en DVD de la adaptación cinematográfica de 2004.
El fantasma de la ópera se estrenó mundialmente el 9 de octubre de 1986 en el Her Majesty's Theatre de Londres, con funciones previas desde el 27 de septiembre y un reparto encabezado por Michael Crawford como Fantasma, Sarah Brightman como Christine, Steve Barton como Raoul, Rosemary Ashe como Carlotta, Mary Millar como Madame Giry, Janet Devenish como Meg Giry, John Savident como Monsieur Firmin, David Firth como Monsieur André y John Aron como Piangi. Desde entonces no ha dejado de representarse en ese mismo teatro, habiendo superado las 11.500 funciones. En la actualidad ocupa el tercer puesto de la lista de espectáculos de mayor permanencia en cartel en la historia del West End, solo por detrás de “Los miserables”.
Dirigido por Harold Prince, “El fantasma de la ópera” cuenta con coreografía de Gillian Lynne, diseño de escenografía y vestuario de Maria Björnson, diseño de iluminación de Andrew Bridge, diseño de sonido de Martin Levan y orquestaciones de David Cullen y el propio Lloyd Webber.
La producción de Broadway debutó oficialmente el 26 de enero de 1988 en el Majestic Theatre, con funciones previas desde el 9 de enero y el mismo equipo creativo que su homóloga londinense. Michael Crawford, Sarah Brightman y Steve Barton repitieron los papeles que habían originado en el West End, acompañados de Judy Kaye como Carlotta, Leila Martin como Madame Giry, Elisa Heinsohn como Meg Giry, Nick Wyman como Monsieur Firmin, Cris Groenendaal como Monsieur André y David Romano como Piangi.
El 26 de enero de 2013 “El fantasma de la ópera” celebró su 25º aniversario en el Majestic Theatre, donde continúa representándose en la actualidad. Con más de 11.000 funciones a sus espaldas, es el espectáculo de mayor permanencia en cartel de la historia de Broadway.
La première mundial en idioma español tuvo lugar el 16 de diciembre de 1999 en el Teatro Alameda, actual Centro Cultural de México, D.F. Producida por las empresas MAT Theatrical & Entertainment y OCESA del grupo CIE, la versión mexicana fue una réplica exacta del montaje original de Cameron Mackintosh y The Really Useful Group, con libreto adaptado al español por Álvaro Cerviño y dirección musical de Isaac Saúl. El elenco estuvo liderado por Juan Navarro y Saulo Vasconcelos como Fantasma, Irasema Terrazas y Claudia Cota como Christine, José Joel como Raoul, Tatiana Marouchtchak como Carlotta, Tere Cabrera como Madame Giry, Laura Morelos como Meg Giry, Luis René Aguirre como Monsieur Firmin, Luis Miguel Lombana como Monsieur André y Javier Cortés como Piangi. Después de aproximadamente 400 representaciones y 550.000 espectadores, el espectáculo bajó el telón por última vez el 14 de enero de 2001.
En 2004 “El fantasma de la ópera” fue adaptado a la gran pantalla bajo la dirección de Joel Schumacher y protagonizado por Gerard Butler como Fantasma, Emmy Rossum como Christine, Patrick Wilson como Raoul, Minnie Driver como Carlotta, Miranda Richardson como Madame Giry, Jennifer Ellison como Meg Giry, Ciarán Hinds como Monsieur Firmin, Simon Callow como Monsieur André y Victor McGuire como Piangi.
Debido a la gran cantidad de fragmentos cantados que tiene la película, se decidió que en España, Alemania, Francia e Italia fuese estrenada íntegramente doblada al idioma de cada país. La versión española contó con algunos de los actores que habían participado en la producción original de Madrid, incluyendo a Juan Carlos Barona como Fantasma (alternante del mismo personaje en la versión teatral), Julia Möller como Christine (alternante del mismo personaje en la versión teatral), Belén Marcos como Carlotta (Madame Firmin en la versión teatral), David Venancio Muro como Monsieur André (Monsieur Firmin en la versión teatral) y Enrique Ferrer como Piangi (repitiendo el mismo personaje que en la versión teatral). Junto a ellos, Paco Arrojo como Raoul, Yolanda Pérez como Madame Giry, Ana Esther Alborg como Meg Giry y Tony Cruz como Monsieur Firmin completaron el reparto. Las letras fueron adaptadas al castellano por María Ovelar, en una versión diferente a la realizada por Eduardo Galán para la puesta en escena de Madrid. Una selección de highlights de la banda sonora en español fue editada por el sello Sony Music.
La secuela de El fantasma de la ópera, con libreto de Andrew Lloyd Webber, Ben Elton y Glenn Slater, se titula “Love Never Dies” y es una adaptación libre de la novela de 1999 The Phantom of Manhattan, escrita por Frederick Forsyth en colaboración con el propio Lloyd Webber. Ambientada en 1907 (una década después de los acontecimientos de la primera parte según el libreto, a pesar de que la “El fantasma de la ópera” transcurre en 1881), la historia arranca cuando un misterioso empresario invita a Christine Daaé a actuar en Phantasma, un parque de atracciones situado en Coney Island. Acompañada de su marido Raoul y su hijo Gustave, Christine viaja hasta Brooklyn sin saber que quien la ha convocado es en realidad el Fantasma.
La producción original, que contó con dirección de Jack O'Brien, coreografía de Jerry Mitchell, diseño de escenografía y vestuario de Bob Crowley, diseño de iluminación de Paule Constable, diseño de sonido de Mick Potter, orquestaciones de David Cullen y Andrew Lloyd Webber, supervisión musical de Simon Lee y un elenco encabezado por Ramin Karimloo como Fantasma y Sierra Boggess como Christine, debutó el 9 de marzo de 2010 en el Adelphi Theatre de Londres, donde se representó durante 17 meses, realizando su última función el 27 de agosto de 2011. Debido a la tibia acogida de la crítica, el estreno en Broadway previsto para noviembre de 2010 fue pospuesto a la primavera de 2011 y posteriormente cancelado definitivamente.
Una nueva versión completamente rediseñada se representó entre el 21 de mayo y el 12 de diciembre de 2011 en el Regent Theatre de Melbourne, Australia, con Ben Lewis (Fantasma) y Anna O'Byrne (Christine) en los papeles principales, obteniendo críticas más favorables. Tras su andadura en Melbourne, el espectáulo fue transferido al Capitol Theatre de Sídney, donde estuvo en cartel entre el 12 de enero y el 1 de abril de 2012.
Dirigido por Harold Prince, “El fantasma de la ópera” cuenta con coreografía de Gillian Lynne, diseño de escenografía y vestuario de Maria Björnson, diseño de iluminación de Andrew Bridge, diseño de sonido de Martin Levan y orquestaciones de David Cullen y el propio Lloyd Webber.
La producción de Broadway debutó oficialmente el 26 de enero de 1988 en el Majestic Theatre, con funciones previas desde el 9 de enero y el mismo equipo creativo que su homóloga londinense. Michael Crawford, Sarah Brightman y Steve Barton repitieron los papeles que habían originado en el West End, acompañados de Judy Kaye como Carlotta, Leila Martin como Madame Giry, Elisa Heinsohn como Meg Giry, Nick Wyman como Monsieur Firmin, Cris Groenendaal como Monsieur André y David Romano como Piangi.
El 26 de enero de 2013 “El fantasma de la ópera” celebró su 25º aniversario en el Majestic Theatre, donde continúa representándose en la actualidad. Con más de 11.000 funciones a sus espaldas, es el espectáculo de mayor permanencia en cartel de la historia de Broadway.
La première mundial en idioma español tuvo lugar el 16 de diciembre de 1999 en el Teatro Alameda, actual Centro Cultural de México, D.F. Producida por las empresas MAT Theatrical & Entertainment y OCESA del grupo CIE, la versión mexicana fue una réplica exacta del montaje original de Cameron Mackintosh y The Really Useful Group, con libreto adaptado al español por Álvaro Cerviño y dirección musical de Isaac Saúl. El elenco estuvo liderado por Juan Navarro y Saulo Vasconcelos como Fantasma, Irasema Terrazas y Claudia Cota como Christine, José Joel como Raoul, Tatiana Marouchtchak como Carlotta, Tere Cabrera como Madame Giry, Laura Morelos como Meg Giry, Luis René Aguirre como Monsieur Firmin, Luis Miguel Lombana como Monsieur André y Javier Cortés como Piangi. Después de aproximadamente 400 representaciones y 550.000 espectadores, el espectáculo bajó el telón por última vez el 14 de enero de 2001.
En 2004 “El fantasma de la ópera” fue adaptado a la gran pantalla bajo la dirección de Joel Schumacher y protagonizado por Gerard Butler como Fantasma, Emmy Rossum como Christine, Patrick Wilson como Raoul, Minnie Driver como Carlotta, Miranda Richardson como Madame Giry, Jennifer Ellison como Meg Giry, Ciarán Hinds como Monsieur Firmin, Simon Callow como Monsieur André y Victor McGuire como Piangi.
Debido a la gran cantidad de fragmentos cantados que tiene la película, se decidió que en España, Alemania, Francia e Italia fuese estrenada íntegramente doblada al idioma de cada país. La versión española contó con algunos de los actores que habían participado en la producción original de Madrid, incluyendo a Juan Carlos Barona como Fantasma (alternante del mismo personaje en la versión teatral), Julia Möller como Christine (alternante del mismo personaje en la versión teatral), Belén Marcos como Carlotta (Madame Firmin en la versión teatral), David Venancio Muro como Monsieur André (Monsieur Firmin en la versión teatral) y Enrique Ferrer como Piangi (repitiendo el mismo personaje que en la versión teatral). Junto a ellos, Paco Arrojo como Raoul, Yolanda Pérez como Madame Giry, Ana Esther Alborg como Meg Giry y Tony Cruz como Monsieur Firmin completaron el reparto. Las letras fueron adaptadas al castellano por María Ovelar, en una versión diferente a la realizada por Eduardo Galán para la puesta en escena de Madrid. Una selección de highlights de la banda sonora en español fue editada por el sello Sony Music.
La secuela de El fantasma de la ópera, con libreto de Andrew Lloyd Webber, Ben Elton y Glenn Slater, se titula “Love Never Dies” y es una adaptación libre de la novela de 1999 The Phantom of Manhattan, escrita por Frederick Forsyth en colaboración con el propio Lloyd Webber. Ambientada en 1907 (una década después de los acontecimientos de la primera parte según el libreto, a pesar de que la “El fantasma de la ópera” transcurre en 1881), la historia arranca cuando un misterioso empresario invita a Christine Daaé a actuar en Phantasma, un parque de atracciones situado en Coney Island. Acompañada de su marido Raoul y su hijo Gustave, Christine viaja hasta Brooklyn sin saber que quien la ha convocado es en realidad el Fantasma.
La producción original, que contó con dirección de Jack O'Brien, coreografía de Jerry Mitchell, diseño de escenografía y vestuario de Bob Crowley, diseño de iluminación de Paule Constable, diseño de sonido de Mick Potter, orquestaciones de David Cullen y Andrew Lloyd Webber, supervisión musical de Simon Lee y un elenco encabezado por Ramin Karimloo como Fantasma y Sierra Boggess como Christine, debutó el 9 de marzo de 2010 en el Adelphi Theatre de Londres, donde se representó durante 17 meses, realizando su última función el 27 de agosto de 2011. Debido a la tibia acogida de la crítica, el estreno en Broadway previsto para noviembre de 2010 fue pospuesto a la primavera de 2011 y posteriormente cancelado definitivamente.
Una nueva versión completamente rediseñada se representó entre el 21 de mayo y el 12 de diciembre de 2011 en el Regent Theatre de Melbourne, Australia, con Ben Lewis (Fantasma) y Anna O'Byrne (Christine) en los papeles principales, obteniendo críticas más favorables. Tras su andadura en Melbourne, el espectáulo fue transferido al Capitol Theatre de Sídney, donde estuvo en cartel entre el 12 de enero y el 1 de abril de 2012.
El argumento de esta bella puesta en escena es el siguiente:
En una subasta celebrada en la Ópera Garnier de París en 1905, Raoul, Vizconde de Chagny, ofrece una suma elevada de dinero por una extraña caja de música con la figura de un mono. Aparecen los restos de una lámpara y nos remontamos a la juventud de Raoul, cuando ésta pendía resplandeciente de la cúpula del teatro ("Overture").
Acto I
La acción se traslada a 1881, durante los ensayos de una nueva obra, Aníbal ("A Rehearsal for Hannibal"). Lefèvre, el propietario del teatro, ha decidido retirarse y presenta a los nuevos productores, André y Firmin. André pide a la prima donna, Carlotta, que cante un aria de la ópera, pero un telón cae de repente y está a punto de matarla. Las bailarinas rumorean que el incidente ha sido causado por el Fantasma. Carlotta abandona la obra y los nuevos empresarios se enteran de que han ocurrido otros "accidentes" anteriormente. Madame Giry, la maîtresse del ballet, les entrega una nota firmada por el Fantasma en la que éste exige un salario y un palco reservado para él. Meg, la hija de Madame Giry, recomienda a su amiga y compañera bailarina Christine Daaé para sustituir a Carlotta. Christine ha estado tomando clases de canto, pero no puede decir quién es su maestro. Los empresarios le conceden una audición y, para su sorpresa, Christine está la altura del exigente papel. La escena se traslada a la noche del debut de Christine. Desde un palco, Raoul, mecenas del teatro, manifiesta su entusiasmo por la nueva estrella a quien reconoce como una amiga de la infancia ("Think of Me").
Después de la función de gala, Meg interroga a Christine sobre su misterioso maestro, pero ésta solo puede decirle que se trata del Ángel de la Música, cuya visita le había prometido su padre ("Angel of Music"). La interpretación de Christine recibe aprobación unánime y Raoul va a su camerino para felicitarla ("Little Lotte"). En cuanto Christine se queda sola, aparece una figura enmascarada en el espejo, el Fantasma ("The Mirror/Angel of Music (Reprise)"), quien conduce a la joven a través del laberinto secreto, debajo del teatro. Cruzan un lago y llegan a la guarida subterránea del Fantasma ("The Phantom of the Opera"), done éste explica a Christine que es un compositor y que ella ha sido su musa y fuente de inspiración ("The Music of the Night"). Christine entra en trance y despierta a la mañana siguiente con el sonido de la caja de música del mono ("I Remember"). Llena de curiosidad, logra descubrir el rostro del Fantasma y éste reacciona con furia, aunque accede a llevarla nuevamente al mundo exterior ("Stranger Than You Dreamt It").
Detrás del escenario, Bouquet el tramoyista asusta a las bailarinas con las historias del Fantasma y su temible lazo Punjab. Madame Giry le advierte que guarde silencio ("Magical Lasso"). Mientras tanto, la compañía se encuentra conmocionada ante la desaparición de Christine. Todos han recibido notas del Fantasma, quien ordena que Carlotta sea reemplazada por Christine en el papel principal de la reposición de la ópera Il muto o se producirá "un desastre más allá de la imaginación" ("Notes"). Los empresarios aseguran a Carlotta que harán caso omiso de las exigencias del Fantasma ("Prima Donna").
Il muto se representa y Christine aparece en un papel secundario ("Poor Fool, He Makes Me Laugh"). De pronto se escucha la voz del Fantasma reiterando su exigencia y, al verse desairado, hace que Carlotta croe como una rana en vez de cantar. La prima donna indispuesta sale de escena y Firmin anuncia que Christine tomará su lugar. La presencia del Fantasma sigue manifestándose cuando el cuerpo sin vida de Buquet cae del telar del teatro con una cuerda atada al cuello. En medio del caos, Christine se refugia con Raoul en la azotea ("Why Have You Brought Me Here?/Raoul, I've Been There") y allí él promete amarla y protegerla siempre ("All I Ask of You"). El Fantasma sale de su escondite, desde dónde ha escuchado todo, y jura vengarse ("All I Ask of You (Reprise)"). Cuando Christine y el resto del elenco agradecen los aplausos, el Fantasma deja caer la lámpara sobre el público.
Acto II
Seis meses después, no ha vuelto a haber noticias del Fantasma y Raoul y Christine se han comprometido en secreto. Durante un baile de máscaras para celebrar el Año Nuevo, una extraña figura disfrazada de la Muerte Roja baja por la escalera. Es el Fantasma, que ha regresado y trae consigo la partitura de su nueva ópera, Don Juan triunfante, para que André y Firmin la monten ("Why So Silent?"). Detrás del escenario, Raoul interroga a Madame Giry sobre la identidad del Fantasma. Ella le cuenta que se trata de un fenómeno de circo, un ser físicamente monstruoso pero con una mente brillante.
A Raoul se le ocurre un plan para atrapar al Fantasma. Si Christine interpreta el rol principal de su ópera, el Fantasma asistirá a la representación, y con las puertas vigiladas por la policía le será imposible escapar. Christine, dividida entre el amor por Raoul y la gratitud hacia el Fantasma, acepta cooperar con tristeza ("Notes/Twisted Every Way"). Durante un ensayo de Don Juan triunfante, los cantantes tienen dificultades para aprender la partitura disonante, pero como por arte de magia, el piano comienza a dirigirlos y su interpretación se vuelve impecable ("A Rehearsal for Don Juan Triumphant").
Christine visita la tumba de su padre y mientras llora su ausencia ("Wishing You Were Somehow Here Again"), el Fantasma se le aparece y vuelve a someterla con su influencia hipnótica ("Wandering Child"). Raoul llega para rescatarla y el Fantasma enfurecido declara la guerra a ambos.
Don Juan triunfante se estrena con Christine y Ubaldo Piangi, el tenor principal del teatro, en los papeles protagonistas y el edificio lleno de policías armados de incógnito ("Don Juan Triumphant"). En la escena final de la ópera, Christine se da cuenta que el Fantasma ha tomado el lugar de Piangi en el rol de Don Juan ("The Point of No Return"). Pese a estar rodeado por la policía, el Fantasma logra escapar llevándose a Christine con él por el laberinto subterráneo. Aparece el cuerpo sin vida de Piangi y Madame Giry acepta guiar a Raoul hacia la guarida del Fantasma. Una multitud furiosa los sigue ("Down Once More/Track Down This Murderer").
En la guarida subterránea, Christine se enfrenta al Fantasma: su verdadera desfiguración no es la de su rostro, sino la de su alma. Raoul llega y el Fantasma lo atrapa, amenazando a Christine con matarlo si no se queda a su lado. La multitud se acerca cada vez más. Finalmente el Fantasma cede y ordena a Christine y Raoul que se vayan, no sin antes declararle su amor a la joven. La turba consigue descender hasta la guarida, pero el Fantasma ya no está y lo único que encuentran es su máscara ("The Phantom's Lair").
Y cuando cae el telón, sea en México o en cualquier escenario del mundo, los aplausos no se hacen esperar. Esa es la magia del teatro, esa es la magia intemporal de “El Fantasma de la Ópera”.
En una subasta celebrada en la Ópera Garnier de París en 1905, Raoul, Vizconde de Chagny, ofrece una suma elevada de dinero por una extraña caja de música con la figura de un mono. Aparecen los restos de una lámpara y nos remontamos a la juventud de Raoul, cuando ésta pendía resplandeciente de la cúpula del teatro ("Overture").
Acto I
La acción se traslada a 1881, durante los ensayos de una nueva obra, Aníbal ("A Rehearsal for Hannibal"). Lefèvre, el propietario del teatro, ha decidido retirarse y presenta a los nuevos productores, André y Firmin. André pide a la prima donna, Carlotta, que cante un aria de la ópera, pero un telón cae de repente y está a punto de matarla. Las bailarinas rumorean que el incidente ha sido causado por el Fantasma. Carlotta abandona la obra y los nuevos empresarios se enteran de que han ocurrido otros "accidentes" anteriormente. Madame Giry, la maîtresse del ballet, les entrega una nota firmada por el Fantasma en la que éste exige un salario y un palco reservado para él. Meg, la hija de Madame Giry, recomienda a su amiga y compañera bailarina Christine Daaé para sustituir a Carlotta. Christine ha estado tomando clases de canto, pero no puede decir quién es su maestro. Los empresarios le conceden una audición y, para su sorpresa, Christine está la altura del exigente papel. La escena se traslada a la noche del debut de Christine. Desde un palco, Raoul, mecenas del teatro, manifiesta su entusiasmo por la nueva estrella a quien reconoce como una amiga de la infancia ("Think of Me").
Después de la función de gala, Meg interroga a Christine sobre su misterioso maestro, pero ésta solo puede decirle que se trata del Ángel de la Música, cuya visita le había prometido su padre ("Angel of Music"). La interpretación de Christine recibe aprobación unánime y Raoul va a su camerino para felicitarla ("Little Lotte"). En cuanto Christine se queda sola, aparece una figura enmascarada en el espejo, el Fantasma ("The Mirror/Angel of Music (Reprise)"), quien conduce a la joven a través del laberinto secreto, debajo del teatro. Cruzan un lago y llegan a la guarida subterránea del Fantasma ("The Phantom of the Opera"), done éste explica a Christine que es un compositor y que ella ha sido su musa y fuente de inspiración ("The Music of the Night"). Christine entra en trance y despierta a la mañana siguiente con el sonido de la caja de música del mono ("I Remember"). Llena de curiosidad, logra descubrir el rostro del Fantasma y éste reacciona con furia, aunque accede a llevarla nuevamente al mundo exterior ("Stranger Than You Dreamt It").
Detrás del escenario, Bouquet el tramoyista asusta a las bailarinas con las historias del Fantasma y su temible lazo Punjab. Madame Giry le advierte que guarde silencio ("Magical Lasso"). Mientras tanto, la compañía se encuentra conmocionada ante la desaparición de Christine. Todos han recibido notas del Fantasma, quien ordena que Carlotta sea reemplazada por Christine en el papel principal de la reposición de la ópera Il muto o se producirá "un desastre más allá de la imaginación" ("Notes"). Los empresarios aseguran a Carlotta que harán caso omiso de las exigencias del Fantasma ("Prima Donna").
Il muto se representa y Christine aparece en un papel secundario ("Poor Fool, He Makes Me Laugh"). De pronto se escucha la voz del Fantasma reiterando su exigencia y, al verse desairado, hace que Carlotta croe como una rana en vez de cantar. La prima donna indispuesta sale de escena y Firmin anuncia que Christine tomará su lugar. La presencia del Fantasma sigue manifestándose cuando el cuerpo sin vida de Buquet cae del telar del teatro con una cuerda atada al cuello. En medio del caos, Christine se refugia con Raoul en la azotea ("Why Have You Brought Me Here?/Raoul, I've Been There") y allí él promete amarla y protegerla siempre ("All I Ask of You"). El Fantasma sale de su escondite, desde dónde ha escuchado todo, y jura vengarse ("All I Ask of You (Reprise)"). Cuando Christine y el resto del elenco agradecen los aplausos, el Fantasma deja caer la lámpara sobre el público.
Acto II
Seis meses después, no ha vuelto a haber noticias del Fantasma y Raoul y Christine se han comprometido en secreto. Durante un baile de máscaras para celebrar el Año Nuevo, una extraña figura disfrazada de la Muerte Roja baja por la escalera. Es el Fantasma, que ha regresado y trae consigo la partitura de su nueva ópera, Don Juan triunfante, para que André y Firmin la monten ("Why So Silent?"). Detrás del escenario, Raoul interroga a Madame Giry sobre la identidad del Fantasma. Ella le cuenta que se trata de un fenómeno de circo, un ser físicamente monstruoso pero con una mente brillante.
A Raoul se le ocurre un plan para atrapar al Fantasma. Si Christine interpreta el rol principal de su ópera, el Fantasma asistirá a la representación, y con las puertas vigiladas por la policía le será imposible escapar. Christine, dividida entre el amor por Raoul y la gratitud hacia el Fantasma, acepta cooperar con tristeza ("Notes/Twisted Every Way"). Durante un ensayo de Don Juan triunfante, los cantantes tienen dificultades para aprender la partitura disonante, pero como por arte de magia, el piano comienza a dirigirlos y su interpretación se vuelve impecable ("A Rehearsal for Don Juan Triumphant").
Christine visita la tumba de su padre y mientras llora su ausencia ("Wishing You Were Somehow Here Again"), el Fantasma se le aparece y vuelve a someterla con su influencia hipnótica ("Wandering Child"). Raoul llega para rescatarla y el Fantasma enfurecido declara la guerra a ambos.
Don Juan triunfante se estrena con Christine y Ubaldo Piangi, el tenor principal del teatro, en los papeles protagonistas y el edificio lleno de policías armados de incógnito ("Don Juan Triumphant"). En la escena final de la ópera, Christine se da cuenta que el Fantasma ha tomado el lugar de Piangi en el rol de Don Juan ("The Point of No Return"). Pese a estar rodeado por la policía, el Fantasma logra escapar llevándose a Christine con él por el laberinto subterráneo. Aparece el cuerpo sin vida de Piangi y Madame Giry acepta guiar a Raoul hacia la guarida del Fantasma. Una multitud furiosa los sigue ("Down Once More/Track Down This Murderer").
En la guarida subterránea, Christine se enfrenta al Fantasma: su verdadera desfiguración no es la de su rostro, sino la de su alma. Raoul llega y el Fantasma lo atrapa, amenazando a Christine con matarlo si no se queda a su lado. La multitud se acerca cada vez más. Finalmente el Fantasma cede y ordena a Christine y Raoul que se vayan, no sin antes declararle su amor a la joven. La turba consigue descender hasta la guarida, pero el Fantasma ya no está y lo único que encuentran es su máscara ("The Phantom's Lair").
Y cuando cae el telón, sea en México o en cualquier escenario del mundo, los aplausos no se hacen esperar. Esa es la magia del teatro, esa es la magia intemporal de “El Fantasma de la Ópera”.